Guadalajara, Jalisco. La FIL está en el Centro. Para festejar sus 25 años, la Feria Internacional del Libro ofrecerá un programa literario y artístico que, además de Expo Guadalajara, llegará a diversos espacios del Centro Histórico de la ciudad y sus alrededores. Artes visuales, música, cine, teatro y una noche de gala con Herta Müller, premio Nobel de Literatura, forman parte de un recorrido artístico por la ciudad que incluye una exposición de dibujo contemporáneo alemán en el Instituto Cultural Cabañas y una mañana literaria en el corazón del mercado de San Juan de Dios, donde los hermanos Benito Taibo y Paco Ignacio Taibo II charlarán con los locatarios y el público en general.

Alemania, Invitada de Honor de la 25 FIL Guadalajara,  ofrecerá diversas exposiciones en el Centro Histórico de Guadalajara. Todas a tiro de pie. En el Instituto Cultural Cabañas, edificio Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, se presentará la exposición Linie Line Línea, mientras que el Museo Regional de Guadalajara albergará Alemania principiantes. Unas cuadras más allá, el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara mostrará un acercamiento a la relación entre el diseño y el arte contemporáneo del país invitado de la Feria.

Frente al Museo de las Artes, en el Cineforo de la UdeG se programó el ciclo FILmALEMANIA, diez películas alemanas basadas en novelas, donde no faltan El tambor de hojalata, sobre la obra de Günther Grass, ni ¿Soy linda?, dirigida por la escritora y cineasta Doris Dörrie, quien estará presente en algunas proyecciones para conversar, al final, con los cinéfilos. El Paraninfo Enrique Díaz de León y el Teatro Degollado ofrecerán, por su parte, conciertos con integrantes de la Filarmónica Joven de Alemania, mientras que el Teatro Diana será sede de la noche de gala con la escritora Herta Müller y el actor mexicano Daniel Giménez Cacho

La oferta cultural de la 25 Feria Internacional del Libro de Guadalajara en el Centro Histórico se complementa con la exposición de monos y cartones políticos de Bulmaro Castellanos Loza, mejor conocido como Magú, quien este año recibirá el Homenaje La Catrina. El programa general de eventos de la FIL está disponible en la página www.fil.com.mx.

La FIL al Centro

Linie Line Línea: Dibujo contemporáneo alemán

• Instituto Cultural Cabañas
• Cabañas 8. Plaza Tapatía
• Inauguración: 24 de noviembre de 2011

Ecos de la FIL. Taibos en Libertad

• Mercado de San Juan de Dios
• Calzada Independencia y Javier Mina, Zona Centro
• Jueves 1 de diciembre, 11:00 horas

Los monos de Magú

• Galería Jorge Martínez de la Universidad de Guadalajara
• Belén e Independencia, Zona Centro
• Inauguración: viernes 2 de diciembre

Alemania para principiantes

• Museo Regional de Guadalajara
• Liceo 60, Zona Centro
• Inauguración: 25 de noviembre de 2011

Talentos sobresalientes. La Filarmónica Joven Alemana en concierto

• Teatro Degollado
• Belén s/n, entre Av. Hidalgo y Morelos, Zona Centro
• Miércoles 30 de noviembre, 21:00

Entre Bach y Márquez. Un viaje musical a través de los siglos

• Grupos de Cámara de la Filarmónica Joven Alemana
• Paraninfo Enrique Díaz de León
• Av. Juárez 975
• Jueves 1 de diciembre, 21:00

FILmALEMANIA: filmaciones alemanas de literatura

• Cineforo de la Universidad de Guadalajara
• Juárez y Enrique Díaz de León
• Del 26 de noviembre al 4 de diciembre

Come-in. El espacio interior como médium del arte contemporáneo en Alemania

• Museo de las Artes (MUSA)
• Av. Juárez 975, planta baja
• Inauguración: 25 de noviembre de 2011

RECORD AGAIN! < 40jahrevideokunst.de

• 40 años de videoarte alemán
• Museo Raúl Anguiano
• Av. Mariano Otero 375. Col. Moderna
• Inaugurada el 11 de noviembre de 2011

Mujeres flores, de Eunice Adorno

• Exposición fotográfica del Premio Nacional de Periodismo Cultural Fernando Benítez
• Casa Escorza
• Escorza 83
• Inauguración: 17 de noviembre

Noche de Gala con Herta Müller, premio Nobel de Literatura

• Teatro Diana
• Av. 16 de Septiembre 710
• Lunes 28 de noviembre, 21:00
• Participan: Herta Müller y Daniel Giménez Cacho

Consulte el programa general de eventos de la 25 FIL Guadalajara

El autor nos presenta una semblanza del vino húngaro de la mano con un poco de historia de Liszt, así como los detalles de los vinos que le rinden homenaje a propósito del bicentenario de su nacimiento.

Por Dr. József Kosárka

En este país que se enorgullece no solo de sus de grandes tradiciones vitivinícolas sino de similares musicales, en este pasado mes de octubre culminan los eventos de conmemoración  del bicentenario de Ferenc (Franz) Liszt, una de las más grandes personalidades de la historia universal de la música clásica. (Nació el 22 de octubre de 1811 en Doborján/Raiding y murió el 31 de julio de 1886 en Bayreuth.) Entre sus más famosas composiciones se destaca  la serie de Rapsodías Húngaras a la que se dedica un jardin y una escultura en Guadalajara, Jalisco también (Justo Sierra, entre Nelson y Lincoln).

Durante el transcurso del presente año se han llevado a cabo – tanto dentro como fuera de sus fronteras nacionales – una serie de actividades culturales que principalmente han dado a conocer mejor sus obras clásicas, a través de conciertos con actuación de grandes interpretes, pero por medio de otros actos (exposiciones, talleres, conferencias) donde se ha podido familiarizar con una aproximación más amplia de los motivos del actuar humano de este célebre artista musical. Entre las diversas facetas que le caracterizaron tal vez sea interesante resaltar el papel del vino en sus lazos de amistad húngaros  y como  fuente  de inspiración para él también en su creatividad artística.

Liszt está considerado como uno de los representantes de la “música programática o música descriptiva” que tiene por objetivo representar en las obras musicales una imagen o un estado de ánimo. El aplicó por primera vez el término del “poema sinfónico” que busca la asociación entre distintas artes con la finalidad de mover más sentimientos o describir una escena mediante la música. Teniendo gran habilidad como intérprete, se hizo famoso como niño prodigio y posteriormente como virtuoso de recital de piano. En su época Liszt fue uno de los más aclamados pianistas del viejo continente. Sus actuaciones causaron gran sensación entre el público que solía acogerlas con entusiasmo ferviente. Según los recuerdos de testigos, fue tanto su personalidad como la forma de interpretar que elevaban el estado de ánimo de  los asistentes hasta un nivel de éxtasis completo. En varios casos, las mujeres de clase alta se peleaban por sus pañuelos de seda y guantes de terciopelo para guardarlas de reliquia.

Este multifacético músico húngaro pasó varios años en el extranjero (Viena, Paris, Roma, Weimar) pero hacía viajes con frecuencia a Budapest (donde en 1875  fundó la Academia Real Nacional Húngara de Música) y a localidades importantes de la provincia. Durante sus estancias en su país natal, cultivaba amistades con ilustres representantes de la clase alta, entre ellos con el barón Antal Augusz (1807-1878) quien residía en Szekszárd y tenía sus viñedos en los alrededores de esta ciudad. Al visitar a su buen amigo, por primera vez en 1846, le tocó degustar el vino de la casa que le impresionó de sobremanera y se hizo gran admirador de este tinto que posteriormente llegó a ser conocido como Bikavér (Sangre de Toro, pero no el que todos conocemos). Según la leyenda, esta fue la principal fuente de inspiración que le permitió la creación de las melodías de la Rapsodia Húngara No.8, dedicada a su anfitrión. En uno de sus viajes a Roma el compositor y pianista hizo llegar unas botellas de este “néctar sexardique” al Papa Pío IX quien acusó recibo de ellas con el siguiente comentario: “Mi ánimo integro y mi salud los mantienen únicamente éstas”. En otra ocasión él dijo públicamente: “Aprovecho cada oportunidad para elogiar la calidad insuperable de los vinos de Szekszárd”.

Viñedos Szekszárd

Actualmente la ciudad de Szekszárd es la capital de la provincia de Tolna, que se extiende a lo largo de las orillas del río Danubio en la parte sur-occidental del país. En los alrededores inmediatos e incluso dentro de la misma localidad de ricas tradiciones se encuentran los viñedos que vienen siendo cultivados durante siglos y actualmente cuentan una superficie de alrededor de dos mil cuatrocientas hectáreas en las que se producen unas 15 mil toneladas de uva por año. Este lugar fue habitado ya en la época romana bajo el nombre de Alisca y la vid fue introducida en aquel entonces pero posteriormente su cultivo se interrumpió por varios siglos. En un documento real húngaro de 1267 se hace mención de plantaciones de uva en esta zona y el origen del nombre de uno de sus mejores fundos también se remonta a aquellos tiempos. La historia moderna de sus vinos ha iniciado después de la ocupación otomana del país a los finales del siglo XVI cuando se inició el cultivo de la variedad Kadarka que posteriormente ha venido dominando en la región. El Bikavér sigue siendo el vino emblemático de la región vinícola de Szekszárd. Esto es un determinado tipo de tinto para cuya elaboración se permite  utilizar exclusivamente las uvas cultivadas dentro de ella. Se trata de uno de corte de tres cepas como mínimo, entre las cuales casi siempre están las Kadarka y Kékfrankos.

El vino “oficial” del bicentenario es un Kadarka de Szekszárd de 2008 de la bodega familiar Heimann que rinde homenaje al Maestro con la variedad emblemática de la región. –El exitoso bodeguero tiene sólo una hectárea de plantaciones de ella pero tiene el banco de genes de esta vid más grande del país.

La llegada de esta variedad a tierras húngaras se remonta al siglo XVI cuando los pueblos balcánicos –obligados a huir frente a la invasión otomana– la trajeron consigo y pronto los húngaros también la empezaron a cultivar. En los siglos posteriores se plantó en varias regiones, pero después de la epidemia filoxérica su cultivo se ha concentrado  ante todo en la Gran Llanura. Durante la época comunista, la prefirieron por su rendimiento alto y fue plantada en superficies extensas. En los años posteriores su cultivo decrecía paulatinamente y hoy en día se la cultiva sólo en unos centenares de hectáreas. La mayoría de los vinos comercializados en el mercado nacional son ligeros y presentan aromas y sabores especiados con notas de frutas rojas (cereza, frambuesa, frutilla, grosella).  Éstos acompañan bien los platos típicos húngaros como las sopas “gulyás” y de pescado (halászlé), el guiso (pörkölt) de cordero y los medallones de ternera con “lecsó” (ragú de pimentón, cebolla y tomate en salsa de paprika).  Algunas bodegas han lanzado también vinos más poderosos y complejos criados en barricas de roble nuevas que les aportan carga tánica bien refinada.

Con respecto al bicentenario, en la línea de productos de la bodega Baron Von Twickel de Szekszárd  la serie de  los vinos con la marca Liszt tiene una importancia aún más particular. Su Bikavér se elabora a base de cuatro variedades (Kadarka, Kékfrankos, Merlot y Cabernet Sauvignon) y es un acompañante ideal de la sopa de pescado a la paprika que es el plato típico de la zona.

La bodega Merfelsz de Szekszárd también rescata el recuerdo de la relación de Liszt con esta ciudad. Su línea de alta gama se llama Néctar Sexardique y tiene el tinto Musica Nobile en el cual se usan tres variedades (Merlot, Cabernet Franc, Zweigelt). Este vino va muy bien con un guiso picante de jabalí que se ofrece en varios de los restaurantes locales.  (La zona es rodeada de siembras y montes bajos que ofrecen el marco perfecto para la caza de este cerdo salvaje de carne muy magra de alto valor nutritivo y bajo valor energético.)

Al tomar tranquilamente cualquier de estos vinos uno puede ser más feliz mientras suena la magnífica obra del homenajeado “La Campanella” que llena el alma y espíritu como una vista al mar con un horizonte infinito.

Sobra decir que escuchar la interpretación de Oinos teniendo como escenario los viñedos del Valle de Guadalupe fue simplemente espectacular. Hoy recordamos con cariño a Eugenio y su amor por el Jazz y el vino, quien falleciera el pasado 8 de febrero de 2011.

Oinos – Música para beber vino (link a iTunes)

El Universal.– “Toussaint, nacido el 9 de octubre de 1954, inició su carrera a los 18 años, sin haber realizado estudios formales.

Es hasta 1974 cuando comienza a estudiar con Jorge Pérez Herrera y con Néstor Castañeda.

A finales de los años 70 viaja a Estados Unidos donde realiza estudios de orquestación, y en los años 80 trabajó con Paul Anka.

En esa misma década regresó a México y compuso música de cámara que ha sido interpretada por la Orquesta Sinfónica Nacional.

Además de su música de cámara, fue reconocido como pianista y compositor de jazz.”

Con el título de “cub.-bird, alex+mix11″, Manfred Pernice presentará dos esculturas concebidas para el espacio con una estructura cúbica. A manera de esquemas narrativos tridimensionales, estas instalaciones cuentan historias. Una de ellas versa sobre la obra “Pájaro amarillo” de Mathias Goeritz (Danzig 1915- México D.F. 1990), ubicada en la confluencia de las avenidas Inglaterra y Arcos, en la colonia Jardines del Bosque de Guadalajara. La segunda estructura reflexiona sobre episodios similares en otras ciudades del mundo.

Pernice nació en Hildesheim, Alemania, en 1963, y vive y trabaja en Berlín. Cursó estudios de escultura en HdK (Berlín) y actualmente es profesor en la Academia de Bellas Artes en Viena. Entre sus numerosas exposiciones individuales destacan Haldensleb en el Museo Ludwig (Colonia, 2007); Manfred Pernice en el Museo Leopold Hoesch (Düren, 2006); Werk-Raum en el Hamburger Banhof (Berlin, 2000); y Migrateurs en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de París (1998). También ha participado en exposiciones colectivas en espacios como el New Museum de Nueva York, el Kunstmuseum de Wolfsburg, el Institute of Contemporary Arts (ICA) de Londres y el MOCA en Los Ángeles; así como en Documenta 11 y en el Proyecto Escultórico Münster (2007).

Las obras presentadas en OPA viajarán en septiembre a Brasil para formar parte de su participación en la Bienal de Sao Paulo.

OPA es un proyecto creado por los artistas tapatíos Fernando Palomar, Gonzalo Lebrija y Jose Dávila, y se encuentra en el piso 23 del Condominio Guadalajara, ubicado en avenida 16 de septiembre 730, en el centro de la capital jalisciense. El horario de atención al público es, de lunes a vierens, 4.30 a 8 pm, o con cita previa al teléfono (33) 3313-6812.

Para más información:

Por Gerardo Lammers

Fotos cortesía de OPA y del artista

John Isaacs en su estudio berlinés

Uno. ¿Cómo descubriste que serías artista?

Desde que era niño, siempre estuve haciendo cosas, para mí era lo más natural del mundo crear el mundo tal como yo lo veía, confiar en esa perspectiva. Ser un artista, yo aún no creo en eso, pero el arte parece ser el mejor canal.

Dos. ¿En qué artistas estás interesado hoy en día, por ejemplo?

Cormac McCarthy (escritor), Bruce Nauman, Paul Thek, Baas Jan Ader, Breugel, Da Vinci, Townes van Zandt (músico) y muchos más. Me inclino a apreciar la clase de arte y artistas que tú sientes que no tienen miedo de producir una obra en la búsqueda de expresar algo más allá de lo normal, nada que ver con trucos e “ismos”, sino algo concreto.

Tres. ¿Un pensamiento reciente que hayas tenido acerca del arte?

Ayer tuve una conversación con un amigo cineasta. Me resulta extraño que aunque vamos en la búsqueda de algo más allá de una simple narrativa, siempre terminamos cayendo en una clase de sistema empírico de lógica y entendimiento. No tengo absolutamente ningún interés en el arte abstracto, que es pura masturbación, pero me sacudió la idea de que hay que buscar con más ahínco una manera de hacer arte que sobrepase el problema de cumplir alguna función, un arte que simplemente sea. Sé que esto suena hippie o zen, pero de otra forma todo quedaría enlodado con la misma mugre. No hay nada nuevo en esta idea y supongo que en un mayor o menor grado es lo que he estado haciendo durante los últimos años.

Cuatro. ¿Por qué estás viviendo en Berlín?

Me mudé a Berlín para escapar de Londres por un rato. Eso fue hace cinco años. Ahora Berlín está oficialmente de moda, así que tal vez sea tiempo de buscar otra ciudad. Pero es un sitio tan desolado y con una historia tan particular. Los alemanes han evolucionado hacia una cultura que parece ser completamente incapaz de disfrutarse a sí misma o de crear algo de belleza. Hay una frialdad aquí y creo que esto es lo que ha hecho tan popular a esta ciudad, a la que sigue llegando gente de todos lados. Veo a Berlín como un auto impuesto campo de refugiados.

Cinco. ¿Cómo fue tu experiencia en OPA, en Guadalajara?

Maravillosa, me enamoré de la ciudad, de la gente, del estilo de vida y de la comida. Con excepción de las tortas ahogadas. Lo siento.

Seis. Una de las piezas que produjiste en OPA es un trono con ruedas. ¿Por qué?

Para mí esta pieza tiene que ver con la autoridad. Espero que ofrezca algún tipo de revelación sobre el movimiento activo o pasivo de la condición humana a través del tiempo. Vamos tropezando por la vida y hay gente que se convierte en nuestros líderes, pero irónicamente ellos sólo pueden convertirse en algo así si tienen gente que los siga. No soy un gran creyente en la encarnación de la democracia, tal como la conocemos hoy en día. Creo que en mayor o menor medida todos sabemos que es una mentira, si bien es cierto que todos aceptamos un poco de mugre en nuestras manos. La silla con ruedas es un loop: hay un trono para sentarse, pero no irá a ninguna parte a menos que alguien lo empuje. Claro que estoy planteando una pregunta acerca de este deseo egoísta. En verdad creo que nosotros, como seres humanos, necesitamos empezar a poner el fracaso en un sitio mucho más elevado de nuestras aspiraciones culturales. Estamos tan enganchados con la idea de ser ganadores que nos conformamos con seguir el simple patrón de supervivencia darwinista/capitalista de ciertos modelos. Claro que esto es una fantasía, pero el arte puede ser eso. Puede, al final, girar alrededor del sentido común. Puede que al final haya hecho una obra que satisface lo que estaba comentado en la pregunta número tres.

Siete. Hablemos de vinos. ¿Tienes algunos favoritos?

Soy inglés, así que desafortunadamente sé muy poco de vinos. Pero sé dos que tres cosas acerca de tomármelo. Me gustan todos, con excepción de los vinos dulces. Incluso los vinos para cocinar me gustan. Tal vez uno de mis favoritos sea el pinot noir o un gran Rioja, pues me gustan los vinos tintos fuertes. Pero para ser honesto, disfruto hasta el vino barato y me pongo en manos de los amigos que saben un poco sobre vinos. Disfruto la botella que ellos me ponen enfrente y entonces pronto olvido de cuál se trataba. Viviendo en este estado abierto a la amnesia sueño que es posible ser constantemente sorprendido.

Por Guillermo Escárcega

Humberto y Fernando Campana, quizá los más célebres diseñadores brasileños, conocidos por inspirarse en la cultura popular brasileña y por utilizar elementos de reciclaje, fueron invitados por Veuve Cliquot, la empresa francesa productora de esta afamada champagne, para crear una pieza inspirada en la cultura del espumante.

La pieza en cuestión, titulada Gloriette y hecha de acero inoxidable, tejida y soldada a mano, es un pabellón inspirado en los viñedos de esta región francesa, caracterizado por su diseño orgánico: muestra el entretejido de las vides cuando van creciendo.

Producida en Sao Paulo, donde los Hermanos Campana tienen su estudio, la Gloriette fue exhibida hace unos días en el Salón Internacional del Mueble, celebrado en Milán.

Con clara influencia de la silla Corallo, también ideada por este dueto, la Gloriette nació tras un viaje  realizado por los diseñadores latinoamericanos a Reims, Francia, donde Veuve Cliquot tiene su bodega.

El destino final de esta pieza serán los jardines del Hotel Marc de Veuve Clicquot, en Reims, y funcionará  como espacio para el disfrute de una copa de champagne.

A lo largo de su exitosa carrera, Humberto, nacido en 1953, y Fernando, nacido en 1961, han desarrollado un concepto de diseño sencillo, sostenible y poético, lo que les ha valido el reconocimiento internacional. Algunas de sus piezas han sido expuestas en el MoMA de Nueva York, en el Centro Georges Pompidou de París y en el Museo de Diseño Vitra, ubicado en Weil am Rhein (Alemania).

Los Hermanos Campana con Sabina Belli, Manager General de Veuve Clicquot.

Fotografías cortesía de Veuve Clicquot y psfk.com

Por Gerardo Lammers

Fotos de Marco Rivas / cortesía de OPA

UNO. ¿Cómo descubriste tu vocación por el arte?

Cuando tenía 14 años trabajé para un festival internacional de teatros nómadas en Blois, Francia. Fascinado por esta energía decidí hacer algo en esta dirección. Entonces tomo mi propio camino y finalmente me convierto en artista.

DOS. ¿Cuáles dirías que son tus temas?

El arte es una pregunta universal sin respuesta. Tratar de entenderlo es como tratar de averiguar qué pasará después de la muerte; descifrar el acertijo de la esfinge. Hago mi mejor esfuerzo para intentar alguna humilde y personal respuesta a través de mi trabajo. Esta es mi principal motivación.

TRES. ¿Puedes hablarnos, por favor, sobre el origen de la idea de tu reciente exposición, “A Lecture, A Recording & A Few Witnesses” en la galería OPA de Guadalajara?

Primero, mi medio es la exhibición en sí misma, pensar un objeto específico para una situación específica. Todos los temas de mis exposiciones están hechos de un montón de capas. En este caso tenemos: la historia de mi trabajo, que tiene que ver, desde hace unos años, con formas y textos; la visita al taller de cermámica de José Noé Suro el pasado mes de diciembre y el descubrimiento de los trabajos que él hace con artistas mexicanos e internacionales; la loca y muy poética teoría de George Charpak de acuerdo a la cual sería posible leer sobre la superficie de la cerámica antigua el sonido del taller; la reunión con Antonio Frías Ornelas (de Tonalá, Jalisco), que trabaja la cerámica como lo hacían los artesanos de hace siglos.

Juntando todas estas capas es que se construye  mi exposición en OPA: siguiendo la teoría de Charpak, grabé mi voz sobre las piezas de barro hechas por el artesano de Tonalá, cocidas y decoradas en la famosa fábrica de José Noé Suro.

CUATRO.  ¿Por qué es importante esta forma de hacer arte como la grabación de un Long play o un disco musical?

No entiendo la pregunta.

CINCO. ¿Qué dirías sobre la ciudad de Guadalajara? ¿Cómo la podrías describir de acuerdo a tu experiencia?

Cuando estoy viajando para trabajar en una exposición, no tengo mucho tiempo para el turismo. Pero me sentí muy bienvenido por la gente que conocí en Guadalajara y lo poco que pude sentir sobre la ciudad me hace querer regresar. Espero verlos pronto de nuevo.

SEIS. Dinos, por favor, los nombres de algunos artistas que te interesen hoy en día.

Hagamos una lista entonces: Lili Reynaud Dewar, Michael Riedel, Mathew Hale, Delphine Coindet, Kirsten Pieroth,  Isabelle Cornaro, Mladen Bisumic, Anri Sala, Tacita Dean, Mick Peter, Ann Veronica Jansen, Loris Gréaud, Olivier Babin, Jean Pascal Flavien, Jordi Colomer, Jean Luc Moulène, Sammy Engramer, François Curlet, Pierre Huygues, Philippe Pareno, Michel François. Y mi lista mexicana: Damián Ortega, Daniel Guzmán, Abraham Cruzvillegas, Doctor Lakra, Gabriel Kuri, Mario García Torres. Y mi lista de Guadalajara: Eduardo Sarabia, Cynthia Gutiérrez, Jose Dávila, Gonzalo Lebrija y Fernando Palomar.

SIETE. Hablando de vinos, ¿podrías mencionarnos dos de tus favoritos?

Dos vinos de mi tierra:

—Boire Tue 2008-Domaine du Pré Noir-Pascal Simonutti-VDT

—KO Rosé 2008-Domaine Thierry Puzelat

El performance en OPA. En primer plano (izquierda), el artesano tonalteca; al fondo, detrás del vidrio, el artista francés

Por Gerardo Lammers

UNO. ¿Cómo supiste que te dedicarías al arte?

Desde niño he tenido el gusto por el arte. Al principio mi relación era inconsciente, me gustaba dibujar, pintar, hacer y oír música, etc. Después fui conociendo obras, artistas, músicos, y me identifiqué de inmediato. Digamos que desde muy chico supe que eso era lo que realmente quería hacer. Estudié Arquitectura. Durante la carrera, un grupo de amigos y yo, con los mismos intereses, ayudados por la Arquitectura, encontramos valor en el hecho de producir, crear, desarrollar una idea, proponer  etc. Y empezamos a producir nuestras propias exposiciones que tenían que ver con intervenir lugares específicos…

DOS. ¿Cuáles dirías que son tus temas?

Percibir, observar, oír, estar, luz, sombra, sonido, lugar, experiencia, cambios, movimiento, fenomenológica…

TRES. ¿Qué artistas te interesan en este momento?

En este momento estoy fascinado con el escritor japonés Haruki Murakami y con Juan Rulfo.

CUATRO. ¿Qué te aportó haber estudiado Arquitectura?

Lo más importante fue haber entendido que para crear es necesario tener una idea, un concepto que te guíe durante el proceso. Yo aprendí que entre mayor era el análisis del problema a resolver (entender la situación, el lugar, el contexto, sus especificidades), mejor resultaría la idea.

CINCO. Cuéntanos un poco acerca del origen de Chance Meeting, una de tus exposiciones más recientes.

La exposición nace con la idea de presentar trabajo de estudio reciente, más que hacer una pieza de sitio específico. En la exposición presento piezas que tienen en común los mismos intereses: la luz, los cambios, los reflejos, la transparencia, lo fortuito, utilizar el material o medio de producción como la pieza misma.

SEIS. ¿Cómo se te ocurrió la idea de intervención que realizaste en La Casa-Museo Luis Barragán?

La idea nace de la casa misma. Primero pensé en hacer una intervención que involucrara toda la casa. Que la experiencia de percibir, recorrer, entender la casa fuera completa. La propuesta tiene que ver con una de las características más peculiares de la casa: está conservada tal como la tenía Luis Barragán (cuando éste la habitaba). Todos sus objetos, libros, adornos, muebles etc. están ahí, estáticos, aferrados a otra realidad y a otro tiempo. La idea de envolverlos con papel estaño me pareció liberadora. Poder ver la casa sin la carga histórica y emocional de los objetos, convertirlos en esculturas, en forma y reflejos. Ver la arquitectura en su forma más pura: luz, materialidad, cambios, etc.

SIETE. ¿Te gusta el vino?

Me gusta el vino. Con lo que tengo de experiencia me he dado cuenta que la uva que más disfruto la pinot noir.

La exposición Chance Meeting de Francisco Ugarte estará abierta hasta el 15 de marzo en la galería Curro y Poncho de la ciudad de Guadalajara (México).

www.curroyponcho.com

Por Guillermo Escárcega

Hasta 1924, como en todas las viñas del Médoc, el vino se vendía en barricas a un comerciante de la ciudad de Burdeos. Éste daba al vino la maduración, envasado, etiquetado y comercialización sin que el dueño tuviera derechos sobre el producto y la apariencia de la botella.

Fue en este año cuando el barón Philippe de Rothschild –propietario de una de las bodegas más célebres de Francia–decidió ponerle etiqueta a su vino, y en ésta expuso la información de la cosecha para posteriormente enviarla al comerciante. Ejercicio que revolucionó la historia de este caldo de uva.

En aquel entonces la etiqueta fue encargada al diseñador de carteles Jean Carlu, artista que mostraba una fuerte influencia cubista. Bajo esta línea, sintetizó las flechas del escudo de armas de los Rothschild, y el carnero, símbolo de los Mouton.

La etiqueta permaneció hasta 1945, año en que el barón encargó una nueva etiqueta al joven pintor Philippe Jullian. En esta ocasión el diseño se inspiró en la “V”, letra utilizada por Winston Churchill en la Segunda Guerra Mundial para celebrar sus victorias.

La idea resultante resaltó la leyenda “El Año de la Victoria”, alusiva a la finalización de la guerra y la llegada de la paz en Francia, así como la celebración de un nuevo comienzo para el mundo del vino.

Desde entonces, con plena libertad creativa, cada cosecha muestra el talento de un artista plástico, quien como única guía debe interpretar uno de estos cuatro temas: la vid, el carnero, la familia Rothschild o el placer de beber.

Desde la muerte del barón Rothschild, en 1988, su única hija es la responsable de elegir el pintor para ilustrar la etiqueta de Mouton Rothschild, y se encuentra en libertad de rechazar el trabajo si considera que no es lo que quiere, o si no se ajusta a las limitaciones específicas de la etiqueta.

La tradición continúa, y sólo cuatro cosechas no han tenido etiquetas de artista: En 1953, año del centenario de la compra oficial de la propiedad Château Mouton Rothschild; en 1977, cuando la Reina madre del Reino Unido visitó y se quedó en la propiedad; en el 2000, cuando la botella salió esmaltada en oro en honor al año del milenio con una reproducción del canero de Augsburgo –jarra dorada del siglo XVI que se conserva en el Museo de Rothschild–; y en 2003, cuando la etiqueta se dedicó al barón Nathaniel de Rothschild, en celebración del 150 aniversario de la adquisición del Castillo Mouton Rothschild.

Los españoles Pablo Picasso, Antoni Tápies, Joan Miró y Salvador Dalí; el inglés Francis Bacon; el ruso Wassily Kandinsky; el francés Marc Chagall, y el mexicano Rufino Tamayo, entre otros, plasmaron obras suyas en la etiqueta de la bodega bordelesa, recibiendo a cambio un pago en especie: botellas de estos mismos caldos.

Memorable es la etiqueta de 1955, realizada por el pintor frances Georges Braque, quien dibujó un bodegón con una línea rápida. Dos años más tarde, André Masson pintó el mismo bodegón a manera de abstracción.

Por su parte Andy Warhol, en la vendimia de 1975, dibujó un retrato del barón Philippe de Rothschild con su arte pop, llenando de violeta, verde y naranja la etiqueta.

Incluso la realeza británica ha participado en el diseño de alguna de sus etiquetas, pues en 2004 el príncipe Carlos de Gales ilustró el centenario del entendimiento amistoso entre Francia y Gran Bretaña con una acuarela.

A lo largo de la historia de estas botellas, se han realizado exposiciones en diversos puntos del mundo. La Casa Sotheby´s de Nueva York subastó pinturas y bocetos originales en 2007.

A manera de cata visual te presentamos el arte de las 63 etiquetas que desde 1945 y hasta 2007 visten los famosos caldos Chateau Mouton Rothschild, clásico ensamble de cabernet sauvignon, cabernet franc, merlot y petit verdot.

Por Aldo Prieto

Parte de la modernidad sin lugar a dudas está definida por la incorporación de lo electrónico a nuestras vidas. Maravillosos artefactos y sistemas que pretenden hacernos la vida más fácil y llevadera, o más placentera. Éste es el caso de la música electrónica, que ya tiene un lugar destacado y sigue adquiriendo mayor relevancia en la actualidad. Algunos dicen que es fría e impersonal, y tal vez lo ha sido en muchas ocasiones. Pero de tiempo en tiempo llegan a escena bandas que demuestran lo contrario, tal como Massive Attack.

Fue en 1988, en Bristol, Inglaterra, cuando los dj Mushroom (Vowles), Daddy G (Marshall) y Del Naja –inicialmente famoso por su arte grafitti 3-D– formaron esta agrupación. Eminentemente hijos de la cultura urbana, ya tenían un camino recorrido en actos musicales masivos, en especial con el colectivo y sound system The Wild Bunch, cuyas energéticas presentaciones eran imperdibles en la escena underground británica de principios de los ochenta. Pero al integrar Massive Attack lograron un sonido diferente que sorprendió a los melómanos del mundo.

Con su primer lp Blue Lines (1991), aclamado por la crítica, acabaron de dar forma a un nuevo género que después se bautizaría como trip hop. Combinaron y le dieron un nuevo giro a estilos como el soul, reggae, dub y hip hop, con una producción e instrumentos electrónicos. Además, invitaron a excelentes vocalistas, como el veterano cantante de reggae Horace Andy, y a Shara Nelson, que aquí interpreta el ya clásico tema “Unfinished Sympathy” (clasificada con frecuencia entre las mejores canciones de la década de los noventa). El resultado fue una música de lenta cadencia, cálida y sensual, pero penetrante e intensa, la cual sedujo de inmediato a muchos. Massive Attack se fue rápidamente a la vanguardia, y muchas bandas abrazaron su estilo. Para comenzar, en su natal Bristol, pavimentaron el camino para sus famosos coterráneos Portishead y Tricky.

Para su segundo disco Protection (1994), la expectación era mucha ante el alto estándar que definieron con el primero. Algunos críticos fueron injustamente severos, pues es un álbum francamente admirable. La banda continuó por la misma línea, pero demostrando una evolución, en la que se destacan los finos y sofisticados arreglos. De nuevo con cantantes de primera categoría, como Tracey Thorn (de Everything But The Girl), cuya entrañable interpretación del tema que da título al disco es un verdadero placer auditivo. Un año después, curiosamente, todos los temas de este álbum fueron tomados por Mad Professor y remezclados magistralmente en un álbum que endosó junto con sus autores originales: No Protection.

Vale la pena hacer una pausa para hablar de su tercer lp llamado Mezzanine (1998). Alcanzó rápidamente el estatus de álbum de culto, y hasta su portada del escarabajo negro se volvió clásica. Esta singular música ejerce un extraño poder sobre los sentidos, al ser en momentos relajante, en otros tensionante, ansiosa u oscura, pero en definitiva logrando una conexión íntima con quien la escucha. El tema que abre, “Angel”, es sugestivo, misterioso y de gran poderío; su teatralidad lo ha hecho ideal para soundtracks de películas. Por otro lado, de dulzura sin igual es el ya épico tema “Teardrop”, cantado por la etérea voz de Liz Fraser (de Cocteau Twins). Después de esta producción, la banda se consolidó como una de las más importantes de la música electrónica en el mundo. Irónicamente, poco después de ello, Mushroom Vowles abandona el grupo por diferencias musicales con sus compañeros.

Aparte de la enorme influencia que ha ejercido en la música contemporánea, Massive Attack ha colaborado para muchos artistas, produciendo o remezclando sus temas. Por ejemplo, Madonna, Neneh Cherry, David Bowie, Sinéad O’Connor. Ésta última a su vez fue intérprete vocal en su cuarto álbum, 100th Window (2003), que aunque no fue tan trascendente como los anteriores, es también de fineza resaltable y sofisticada producción. En este álbum Daddy G ya no fue productor activo y se alejó de la banda durante cuatro años; Neil Davidge, que ya era su coproductor, se agregó como miembro. Así produjeron en 2005 un soundtrack para la película Danny the dog.

Estos ingleses también han demostrado ser activistas y defensores de causas sociales y políticas. Han sido galardonados muchas veces; el último fue el premio Ivor Novello por su trayectoria y contribución a la música británica.

sábado 20 de febrero

Autidorio Telmex, Guadalajara

lunes 22 de febrero

Auditorio Nacional, México DF

Lee una entrevista que le realizó el suplemento Ocio

por Kaliope Demerutis

¿Se imaginan el sabor del primer sorbo de un vino creado por un músico líder de una banda de rock crudo y duro en el estado de Arizona? Quizá no, pero seguro esta mezcla despertará la curiosidad en más de algún melómano o aficionado de la uva y sus caldos.

Y es que en el caso de Maynard James Keenan se rompen todos los clichés. No se trata de una famosa estrella producto del mainstream que comercialice su firma a una bodega para que ésta venda más ejemplares. Keenan es un activo músico y productor de vino, en una zona de Estados Unidos donde muchos apostarían que es imposible lograrlo.

Los avezados al rock ya sabrán de quién hablamos: del letrista y cantante de la banda estadounidense Tool, también miembro de A Perfect Circle, y creador del proyecto en solitario Puscifer.

Vamos por partes. Tool es considerada una banda medular de la década de los noventa. Aunque comenzaron como teloneros de grupos clave como Rage Against The Machine, los superaron y provocaron críticas que los describen como pieza esencial en la música contemporánea, tanto que el término de art metal se gestó para ellos, sobre todo después de la publicación de su álbum Aenima en 1996.

Maynard participó de manera paralela durante varios años con A Perfect Circle, agrupación nacida por iniciativa de Billy Howerdel, colaborador de Trent Reznor en Nine Inch Nails. Cuatro discos son el resultado de esa unión que hoy es un poco incierta debido a los compromisos prioritarios de sus integrantes, principalmente de Keenan, que se ha enfocado en su nuevo proyecto: Puscifer.

El nombre Puscifer surgió cuando Maynard armó una banda ficticia para la serie cómica Mr. Show, que derivó en la elaboración de una línea de ropa, y que después retomó hasta que en 2007 grabó su primera placa. Para él esta faceta es más un divertimento, donde mezcla motown y hip-hop, e invita a otros músicos a participar en ciertas piezas, como a Tim Alexander de Primus, o Tim Commerford y Brad Wilk de Audioslave.

Keenan actualmente es propietario de la bodega Caduceus Cellars, que pretende elaborar poco vino pero de buena calidad; y de Arizona Stronghold, asociado con Eric Glomski, donde producen en más cantidad.

El primer sorbo

Desde principios del decenio de los noventa este músico comenzó su camino en la vitivinicultura; el placer que encontraba en probar e incluir vinos en su menú cotidiano se tornó en una afición que lo llevó a plantar vid en su patio trasero sin un plan concreto, quizá siguiendo la línea de su bisabuelo y su tío, quienes fueron productores de vino en el norte de Italia y el sur de Francia, sin que las sucesoras generaciones continuaran con el negocio familiar.

Keenan compró a principios de 2000 un terreno en las áridas montañas de Arizona, y decidió fundar Caduceus Cellars. Entonces conoció al joven pero experimentado viticultor de Bodegas Page Springs, Eric Glomski, se acercó a él y se inició en el aprendizaje vinícola. Tiempo después se asociaron y fundaron otra bodega, Arizona Stronghold. Compraron alrededor de 30 hectáreas y elaboraron sus primeros vinos. Se les vendieron todos. Ahí comenzó la historia. Hoy son los mayores productores de uva para vino de Arizona; es decir, no sólo vinifican caldos, también surten de materia prima, pero ellos han optado por elaborar poco y con las mejores uvas de sus cosechas y de las de sus vecinos. Con Glomski produce alrededor de 5 000 cajas al año; mientras que en Caduceus sólo 1 200.

El frontman de Tool encontró en esta nueva actividad una forma de poner los pies en la tierra, cosa que la vida del rockstar no le permite.

Pero no caminó a tientas, se acercó a la Universidad de California en Davis, y solicitó asesoría: los llevó hasta el terreno donde estarían sus viñedos para que evaluaran la altura, la tierra y el clima. Y su dedicación dio frutos, porque sus vinos empezaron a darse a conocer, a venderse con éxito, incluso entre consumidores que ni se imaginaron quién los producía. Dos de sus ejemplares han recibido buenas calificaciones en la revista Wine Spectator, y otro de ellos la medalla de plata en el Jerry Mead New World Internacional Wine Competition.

Keenan lleva a la par sus dos carreras y aprovecha sus giras para probar los vinos de los lugares que la banda visita. Asegura que su entrada al mundo del vino no fue planeada, sólo se dejó llevar y descubrió que tenía cierto don: “De algún modo, es como componer música. Hay muchos niveles y matices qué descubrir”.

Sus vinos

Los viñedos que comparte Keenan con Glomski son los Arizona Stronghold. Se ubican al borde del este del valle de Sulfur Springs, cerca de Willcox Playa, en una pequeña área conocida como Kansas Settlement, a 1 300 metros sobre el nivel del mar. Los viñedos tienen 33 hectáreas. Los suelos son fangosos relativamente profundos y pedregosos. Producen vinos con uvas de sus viñedos, y también reciben fruta de otros viñedos de Arizona y California. Las parras más antiguas de estos viñedos –plantadas en 1983– pertenecen a las cepas cabernet sauvignon, merlot, riesling y sauvignon blanc, aunque también cultivan una amplia gama de variedades como petite sirah y syrah, malvasía blanca, sangiovese, pinot gris, chardonnay y viognier, entre otras.

Con Arizona Stronghold:

-Tazi 2008 (sauvignon blanc, chardonnay, riesling y malvasía)

-Nachise 2007 (syrah, grenache, petite sirah). Obtuvo la calificación de 89 en Wine Spectator

-Mangus 2007 (sangiovese, cabernet sauvignon, merlot, cabernet pfeffer y petite sirah)

-Dayden 2008 (grenache, sangiovese, zinfandel, syrah, cabernet sauvignon, mourvèdre y cabernet pfeffer)

Con Caduceus Cellars:

-Chupacabra 2006/2005

-Shinola 2006 (merlot, cabernet franc, cabernet sauvignon)

-Nagual de la Naga 2004 (cabernet, sangiovese)

-Nagual de la Naga 2005/2006 (cabernet sauvignon, franc y syrah). Recibió una puntuación de 88 en su añada 2005 en Wine Spectator

-Nagual de Judith 2007

-Nagual del Sensei 2005/2004 (cabernet, syrah con 18 meses en barrica de roble francés). 90 puntos en Wine Spectator y medalla de plata en el Jerry Mead New World Internacional Wine Competition en su añada 2005

-Primer Paso 2004 (syrah, sangiovese, Arizona malvasía blanca, merlot)

-Primer Paso 2005 (syrah con un toque de malvasía blanca y muscat)

-Sancha 2007

Arizona dreaming

Es notable la expansión de las bodegas en Estados Unidos. Ya no sólo California, Washington y Nueva York figuran en los mapas del vino en Norteamérica, sino también otros estados coquetean con éxito en esta industria, como Texas e Idaho, aunque no es una novedad de que existen muchos productores locales más pequeños distribuidos por todo el territorio, como salpicados por todo ese país. Arizona, ubicada al suroeste, sufre de condiciones climáticas dispares por su gran extensión y sus variaciones de altitud; sin embargo, aspira a ganarse un nombre y ya produce vinos aceptables: syrah, merlot, cabernet sauvignon y malvasía son las uvas que más se cosechan.

Bodegas como Javelina Leap, Alcantara Vineyards, Rancho Rosa y Echo Canyon empiezan a distribuirse fuera del estado. Sobre todo los elaborados en Sedona, en el norte, un área de gran altitud, con cambios dramáticos de temperatura y suelos volcánicos, comienzan a despuntar, aunque todavía muchos productores trabajan con uvas de California.

El documental

Ryan Page, productor y guionista alemán, y Christopher Pomerenke, cineasta estadounidense, quienes juntos produjeron los documentales Moog y The heart is a drum machine, ya anuncian el estreno de Blood into wine: The Arizona Stronghold, para marzo de 2010, donde recuperan la aventura de los socios Maynard James Keenan y Eric Glomski de cultivar vid en Arizona. Participan las actrices Milla Jovovich y Fairuza Balk.

“El modo en que hago música y el modo en que hago vino es muy similar”, dice Keenan. “Pienso que algunos de los mejores vinos del mundo son de regiones donde el vinicultor permite a la tierra expresarse. El vinicultor se aparta: trabaja con lo que tiene, permitiendo que el sol y la lluvia dirijan sus movimientos y que las uvas se conviertan en el vino que quieran ser. Es el mismo proceso que hacemos con la música. Permitimos que la música ocurra más que forzarla. Dejamos que las uvas hablen.”

Por su parte, Eric Glomski, comenta: “Arizona es mi casa y mis vinos son la expresión del lugar que llamo hogar. Hacer vinos ayuda a acercarse a la tierra. Mientras más la apreciemos, más aptos seremos para preservarla, protegerla e interactuar con ella en forma más positiva”.

Si quieres ver el tráiler del documental: haz click aquí.

Discografía elemental

Con Tool:

• Opiate (1992)
• Undertow (1993)
• Ænima (1996)
• Salival (2000)
• Lateralus (2001)
• 10.000 Days (2006)

Tema  “Stinkfist” de Tool.

Otros links:

• www.aperfectcircle.com
• www.toolband.com

Por Felipe Coronado Vázquez

Quentin Tarantino se sostiene como uno de los cineastas estadounidenses más influyentes de los últimos años. A 17 años de distancia del estreno de su primera obra (Perros de reserva), su nombre aparece siempre en los titulares cinematográficos de todo el mundo.

La apreciación del estilo de Tarantino es cuestión de gustos. Para algunos que no se conectan con él, puede resultar grosero, crudo y exageradamente violento. Pero otros lo podemos disfrutar sin culpa y apreciamos que su obra mantenga congruencia con las filias personales y obsesiones de su autor. Gran parte de su éxito, además de sus destrezas narrativas, consiste en exhibir sin tapujos su interés y gusto por ciertos aspectos de la naturaleza humana, como la demencia, los golpes, la sangre, la muerte brutal, el honor de los mafiosos y la venganza de las mujeres aparentemente débiles.

Se trata de un artista juguetón que descubrió la forma de poner en la pantalla sus fantasías y gozar al mismo tiempo con sacar del subconsciente del espectador, los temores, deseos e instintos básicos, que se ven de alguna forma satisfechos con la suerte de los protagonistas. En este sentido su cine, aunque se pinta de sofisticado, es un divertimento algo primitivo y visceral y su humor ácido, tanto en las situaciones grotescas como en los diálogos punzantes e ingeniosos, funciona como gancho que se encarga de ganar nuestra atención, romper la lógica y hacer que surta efecto la fórmula.

Tarantino siempre ha dicho que su vocación cinematográfica surge de la gran admiración que siente por algunos directores y películas. Esto es lo que le apasiona y le hace crear lo que quiere ver. Su gusto no se alinea a los criterios comunes de los cinéfilos, al menos no a algunos exquisitos o puristas.

Su principal escuela de cine fue el videoclub Video-Archives de Manhattan Beach en Los Ángeles, donde trabajó varios años y se dedicó a devorar películas. Así entresacó sus favoritas, combinando obras de horror gore, de serie B, de cine negro, setenteras de artes marciales, de ninjas, spaghetti westerns y de diversos géneros de Europa, de Asia y de cualquier otra parte.

En esta etapa empezó a escribir guiones y consiguió vender el de True Romance que filmó Tony Scott y se estrenaría en 1993, y el de Asesinos por naturaleza que filmó Oliver Stone y se estrenó en 1994. A pesar de que el autor quedó insatisfecho con la realización de sus guiones, en estas obras se nota su ironía característica y su retorcida visión del romance como motivación cuestionable y de la violencia como un medio para liberarse o como un fin en sí mismo.

Las películas de Tarantino no sólo atraen a un número creciente de admiradores que las encuentran refrescantes, sino que han hecho escuela y procreado una legión dispersa de cineastas que, para bien o para mal, se ven influidos por su estilo o intentan copiar su fórmula como si fuera una tendencia de moda.

Su obra es original, pues es un autor definido que no se puede comparar con los cineastas artesanos o milusos, pero esa originalidad no deja de ser relativa frente al universo cinematográfico, pues Tarantino se nutre abiertamente de todo lo que ha visto y es capaz de saquear sin problema o de reciclar cualquier base argumental o personajes ya existentes. Él se alimenta de cualquier cosa para crear algo nuevo, para lo que sin duda hay que tener talento y un amplio conocimiento de lo que se está haciendo y también del cine que han hecho los demás. Creo que aquí es donde cabe el término de director posmoderno, algo que difícilmente existía dos décadas atrás.

El argumento es el arma secreta de las películas de Tarantino (sobre todo de las de su primera etapa), sus protagonistas son comúnmente antihéroes, el bien y el mal son muy relativos en su obra y se interesa con frecuencia en personajes del bajo mundo del crimen, a los que presenta en su intimidad cotidiana como seres humanos comunes, con deseos y aspiraciones casi normales, ellos sólo se distinguen de la mayoría por su estilo de vida y por la peculiaridad de su oficio.

Estos personajes casi siempre hablan demasiado de cosas aparentemente irrelevantes, pero les suceden cosas impredecibles que el autor nos presenta siempre sumergidas en humor negro, donde se rompe con lo predecible y con la lógica posible. En ese sorprendente homenaje al cine negro que es Perros de reserva (1992), algunos de los personajes son asaltantes, pero su problema no es el éxito de su asalto, eso ya se echó a perder en su escondite temporal, después de escapar de la policía, ahora se enfrentan a su peor enemigo, la traición de uno de ellos que los delató. Lo mismo sucede en las diferentes historias, espectacularmente entrelazadas de Tiempos violentos (1994), donde por ejemplo, la peor misión para el pistolero Vincent Vega (John Travolta) es llevar a cenar a la bella esposa de su jefe mafioso, sin imaginar en el lío en que lo meterá la sensual y traviesa Mia (Uma Thurman).

A la azafata de Jackie Brown (1997) le pasa algo parecido. Para ella contrabandear maletas repletas de dinero no es lo más difícil, sino sobrevivir a su malvado y desquiciado jefe, el criminal (Samuel L. Jackson), mientras la policía la sigue de cerca en una intrincada aventura.

A partir de los dos volúmenes de Kill Bill (2003 y 2004) Tarantino parece soltarse el pelo y a la par que pule sus destrezas narrativas, en la parte estética, la puesta en escena, los movimientos de cámara, el uso de la música y la edición para contar la historia, su humor da un giro y ahora toda la trama es inverosímil. Así, la historia se convierte en un gran chiste jalado, por así decirlo, donde una mujer conocida como “La novia” (Uma Thurman), una ex asesina a sueldo que ha sufrido una terrible masacre en su boda, se empeña en vengarse de Bill, quien fuera su jefe y enamorado. Este drama cómico-trágico e hiper sangriento de artes marciales, se disfruta si logramos tragar el chiste (que se va a repetir infinitas veces en cada una de las luchas con los diferentes oponentes de la suertuda mujer), y si aflojamos el cuerpo o más bien la mente para divertirnos con la fantasía y los excesos descabellados.

Algo parecido, en cuanto a la inverosimilitud descabellada, sucede con la obra menor Death Proof (2007), donde Tarantino parece dejar atrás su fórmula de las sorpresas argumentales (hay pocas aquí) y da rienda suelta a la fantasía, los excesos y a la violencia brutal, para divertirse y tratar de divertirnos con lo que quizá muy en el fondo, y si nos dejamos llevar, queremos que les suceda a las muchachas inocentes, que son víctimas de un doble de cine psicópata, que se divierte asesinándolas brutalmente, hasta que unas de ellas decidan responder en su mismo lenguaje.

Tomando en cuenta todo lo anterior estoy ansioso por ver la que se ha dado en llamar la nueva “Fantasía vengativa” de Tarantino, la tan esperada Inglorious Bastards, su mirada a la segunda guerra mundial, cargada de violencia sádica, donde Brat Pitt forma parte de un pelotón de soldados judíos que junto con algunos alemanes desertores van a matar nazis a diestra y siniestra, en plena ocupación en Francia.

Lo bueno es que a los directores como Tarantino no se les sube la fama a la cabeza; ellos sólo se renuevan, evolucionan y transforman su estilo creativo. Lo que para otros sería entrar en decadencia, agotamiento creativo o franca deshidratación y extinción neuronal. ¿O me equivoco?

Por Fernando Castro Flórez

El relato de Heinrich von Kleist El terremoto de Chile sirve como pretexto literario para organizar la narrativa de esta exposición de arte chileno contemporáneo. Un acontecimiento natural desata una suerte de historia moralizante en la que el extranjero aparece como aquel que mancilla el honor de lo propio. Aunque la historia avanza hacia lo bucólico y parece que finalmente todo habría sido “perdonado”, da un giro inesperado –pero no por ello menos lógico– hacia la violencia salvaje e indiferenciada.

En cierta medida la muestra intenta detectar, por seguir con la analogía literaria, temblores de tierra, situaciones veladas o discontinuidades, sin pretender ofrecer una imagen institucional ortodoxa. Más allá del cliché del “arte joven” o del mero panorama complaciente, lo que intentamos es fijar algunos elementos estético-cartográficos para pensar qué ha sucedido en el arte chileno contemporáneo una vez que comienza a concretarse el dibujo o la imaginación del Edén, por parodiar el título de una importante aproximación al contexto y a los artistas realizada por Gerardo Mosquera.

Máquina Cóndor, 2006, de Demian Schopf. Instalación y software generador de estrofas.

En esta exposición, que no pretende ser de “tesis”, como altisonantemente suele decirse, se podrá ver la multiplicidad de propuestas, lenguajes e intenciones del arte que se están haciendo en Chile en este siglo XXI. Desde planteamientos pictóricos a fotografías que consideran lo ruinoso sin derivar hacia la melancolía romántica, de las instalaciones a los planteamientos relacionales, de la procesualidad o lo conceptual a la búsqueda de interacción.

Ojalá este sismograma ofrezca espacio a los acontecimientos; esto es, consiga que lo expuesto no esté fosilizado desde el primer momento. En cierta medida la búsqueda de situaciones transdisciplinares o, mejor, indisciplinadas, persigue esa finalidad sin fin que –en una perversión del juicio reflexionante kantiano– podría ser el proyecto propio de lo estético. La vecindad de la arquitectura o el teatro intenta provocar un comportamiento que vaya más allá de la monitorización o que, por lo menos, no sea completamente previsible.

Fernando Castro Flórez es el curador de la exposición “El Terremoto de Chile”

Con un energético sonido saturado de bajo y batería han logrado seducir a hordas de fanáticos (muy jóvenes en su mayoría) que decidieron admirar (o descubrir) todo el glamour de los ochenta que este grupo rescató tanto en su imagen como en su estilo musical. De hecho, entretejieron sin miramientos sonidos de synthpop y rock ochentero que a nadie se le hubiera ocurrido mezclar. Después de un exitoso debut, un segundo álbum que salió avante a pesar de las críticas encontradas, y un disco de lados B y remixes, hace unos meses nos trajeron Day and Age, con más carácter y colorido que las anteriores entregas. Liderados por el famoso y estilizado Brandon Flowers, vienen a México (por segunda ocasión) a demostrarnos por qué son todo un suceso.

Noviembre 5

Auditorio Telmex de Guadalajara

Noviembre 8

Palacio de los Deportes del DF

Por Beatriz Bastarrica

En mi casa tengo varios globos terráqueos. Dos de ellos son tan antiguos que algunos de los países que muestran ya no existen, han cambiado de nombre o han visto modificadas sus fronteras. Desde el punto de vista de la utilidad, mis globos terráqueos “caducados” son más bien un fracaso, a no ser que uno quiera estudiar geografía antigua.

Pero yo no los tengo por su fracasada utilidad. En su día los compré en una especie de acto de rescate. Cuando vi el primero, sobre una montaña de objetos viejos, se me apareció como un pobre objeto abandonado que, a pesar de su evidente belleza –tiene bonitos colores y está cargado de información, útil o no– había sido desechado y necesitaba ser salvado. Y ya está. Me lo llevé a casa, donde muy poéticamente convive hoy con mis demás trastos en la última etapa de su vida.

Yo creo en la vida de los objetos, desde que era una niña. Y, sospecho, lo mismo le pasa al que con seguridad es el artista mexicano vivo más importante (hay quien lo califica además como uno de los diez más influyentes a nivel internacional): Gabriel Orozco.

Todas las biografías de Orozco comienzan diciendo que nació en Xalapa, Veracruz, en 1962. Continúan con su traslado a la ciudad de México y sus estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y, más tarde, en 1986, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Y desde ese momento hasta hoy, todas las biografías coinciden también en su sostenida e imparable escalada profesional, así como en su mayor éxito en el extranjero que en México, y en su actual residencia, a caballo entre París y Nueva York (aunque la página Web de su galería mexicana añade México a estos dos lugares).

Aparentemente, Gabriel Orozco es la encarnación del dicho “nadie es profeta en su tierra”. Y digo aparentemente porque lo cierto es que hace ya varios años que aquí, en su país, se le conoce y se le da su lugar –la muestra curada por Patrick Charpenel en Bellas Artes, hace dos o tres años, es un claro ejemplo–. Si Orozco es ignorado en México hoy en día, yo diría más bien que lo es en la misma medida en que el público no adepto al arte contemporáneo ignora a todos o casi todos los demás artistas que componen la escena en este país. Pero esta situación probablemente cambie a partir del año que viene (2010).

Entre finales de este año y comienzos de 2011, cuatro templos internacionales del arte consagrarán –y utilizo terminología religiosa con toda la intención– a Gabriel Orozco como la enorme figura que muchos ya consideran que es: el MoMA, en Nueva York; el Centre Pompidou, en París; la Tate Modern, en Londres, y el Kunstmuseum de Basilea, Suiza. Éstas serán las sedes consecutivas de una gran retrospectiva ambulante que planea irse enriqueciendo con algunas de las piezas que Orozco produzca durante ese tiempo.

Calculo, así, que gente de todas partes podrá ver juntas en un mismo espacio piezas como Piedra que cede (1992), Mis manos son mi corazón, Árbol de samurai (2006), D.S., (1993) o la archiconocida Black kites (Papalotes negros, de 1997). Todas ellas fueron elaboradas con los materiales más diversos; comparten y materializan la que el propio Orozco dice que es una de sus obsesiones fundamentales a la hora de trabajar: la tensión entre lo natural y lo artificial, entre las estructuras de la naturaleza y las inventadas por el ser humano.

Muchas de las piezas firmadas por Orozco están creadas a partir de cosas y materiales encontrados, naturales o de desecho. Es por eso que digo que cree en la vida de los objetos. Parafraseando sus propias palabras, busca dislocar los objetos con memoria histórica para así descomponer esta misma memoria.

Sí, Orozco cree en la vida de los objetos y, además, lo hace a la manera –y esta decisión no es ni casual ni ingenua, diría yo– en la que creía Marcel Duchamp. Quizá sea ésta la crítica más constante y también más consistente que Orozco recibe a su trabajo: su dependencia conceptual del “padre”, del genio que abrió a pulso las puertas del futuro al arte contemporáneo. Orozco, sospecho, se resiste a todo esto argumentando, por ejemplo, que su arte es tan nuevo que aún no tiene nombre –a propósito de su calificación desde un sector de la crítica como artista conceptual–, quién sabe si en serio o de manera irónica.

Personalmente, me quedo con el lado menos enrevesado y más poético de su producción: todo lo mostrado en la exposición de este mismo año en el Distrito Federal, en la galería Kurimanzutto, construida a partir de “cadáveres” intervenidos de árboles y plantas encontrados en diferentes lugares de México. Las cajas de zapatos vacías, los repetitivos dibujos gestuales en carbón sobre papel y otras piezas de esa clase me recuerdan un poco a aquellas pinturas de Damien Hirst, de hace unos años, que realizó soltando pintura sobre discos en movimiento –y sobre las que el propio Hirst, rey de la ironía a la par que de la grandilocuencia, llegó a afirmar, para bien o para mal, que habían sido demasiado burlescas–.

Pero, volviendo a la cuestión de la dependencia conceptual, lo cierto es que, si nos atenemos al momento que vivimos –más allá incluso de la ya molesta posmodernidad– esto no tiene porqué ser algo intrínsecamente perjudicial. A fin de cuentas, Orozco, en última instancia, como cualquier otro artista, sólo tiene que demostrarse lo que tenga que demostrarse a sí mismo. Veremos qué pasa cuando por fin encuentre, o encuentren, un nombre para el arte que crea.

Por Aldo Prieto

Moda rápida

Depeche Mode, que significa moda rápida o pasajera, ha resultado lo contrario: permanente, y ni siquiera moda, sino toda una institución de la música popular contemporánea. Predominantemente una mezcla de pop con electrónica, la producción de este grupo inglés ha tenido influencia en muchos músicos de varios géneros. Su historia ya es larga: 28 años y doce álbumes en estudio han pasado desde su primer LP Speak and Spell (1981). Dos o tres parteaguas han tenido en su trayectoria, con una evolución marcada y compleja, y por alguna misteriosa razón siguen sonando a sí mismos.

Dave Gahan, Andy Fletcher, Martin Gore, y los que abandonaron el proyecto, Alan Wilder y un fugaz pero determinante Vince Clarke (que después formaría Yazoo y Erasure), lograron una poderosa combinación de talento. En el inicio parecían ser sólo unos entusiastas chavos que habían logrado por accidente un par de éxitos bailables (como el famoso “Just can’t get enough”), y que lo más seguro no tenían mucho futuro. Incluso siete años después de eso, en un memorable concierto ante más de 60 mil personas en el Rose Bowl, de Pasadena, California, había algunos críticos que seguían dudando de su perdurabilidad (al considerarlos una llamarada efímera).

Los sintetizadores

Depeche empezó a fabricar su música sólo con sintetizadores, con los cuales supieron combinar sonidos para lograr un resultado bastante atractivo. Los primeros cuatro discos fueron más bien experimentales, en donde se debatían entre el pop y algo más oscuro del género industrial. La música era un poco plana entonces, pero poco a poco fue adquiriendo tridimensionalidad y después se agregaron también sonidos orgánicos. Los arreglos (la mayoría obra de Wilder) se hicieron cada vez más sofisticados, así como los nuevos aparatos que utilizaban. De esa época se desprenden excelentes temas como “Love in itself”, “Everything counts” e himnos pop como “People are people”.

Logrando el hechizo

Fue con Black Celebration (1986) que las canciones de Depeche se volvieron realmente hechizantes. Su música era una serie de capas yuxtapuestas de sonidos deslumbrantes, las letras de Gore eran cada vez mejores y la voz de Gahan cobraba cada vez más personalidad. Los temas eran también contagiosos, con lo cual cada vez se hacían más populares. Entonces sobrevino el tremendo Music for the Masses (1987), que sedujo a la juventud con canciones que ahora ya son clásicas de su género como “Strangelove”. De resaltar es su increíble manejo de crescendos y clímax, que parece fueran tocados por una gran orquesta (como en “Never let me down again”).

El concierto de Pasadena que mencioné fue grabado en esta época bajo el nombre de 101 (uno de los primeros discos compactos que yo compré), el cual causó furor y demostró que esa música en vivo es realmente emocionante: hoy día sigue haciendo delirar a gente que aún no había nacido cuando fue compuesta.

Violator, metamorfosis y renovación

Los noventa amanecieron con una imponente joya llamada Violator (1990). De instrumentación y arreglos perfectos, contiene composiciones realmente redondas: ritmos intensos y sensuales, con letras y melodías de asombrosa calidad, como “Halo” y “Enjoy the Silence”. Era difícil superar esa entrega, que los catapultó a lo más alto. Decidieron dejar pasar un tiempo y dar un giro hacia un estilo mucho más dramático y agresivo, con Songs of faith and devotion (1993). Fue en esa etapa cuando supimos algo igual de dramático en la vida personal del grupo (que siempre ha sido más bien reservada): Gahan tenía serios problemas de drogadicción que estuvieron a punto de llevarlo a la tumba. Por si fuera poco, Wilder decidió renunciar y la banda se tambaleó. Sin embargo, se recuperaron y volvieron para presentar un álbum favorito de muchos, Ultra (1997). Ahí combinaron toda la experiencia ganada y las incursiones en otros estilos para llegar a una madurez excepcional, al tiempo que se renovaron.

Manteniéndose en nuestro universo

La música de Depeche ha sido centrada mayormente en las emociones de la gente, y no en consignas. Tal vez eso les ha hecho resistir el paso del tiempo y conservarse en forma. Confieso que el antepenúltimo y penúltimo álbum casi no entraron en mis playlists, pero con ellos Depeche demostró que seguían en el candelero; en especial, con el estupendo Playing the Angel (2005), que por cierto nos trajo inolvidables conciertos a México.

Ahora vale la pena degustar a fondo su recién salido Sounds of the Universe, el cual calificaría de “retrofuturista” por sus interesantes contrastes. Como sabemos, Depeche Mode estará nuevamente en estas tierras como parte de su gira “Tour of the Universe”, para demostrarnos cómo se han mantenido casi 30 años hechizando a las masas.

Octubre 1

Arena VFG de Guadalajara

Octubre 3 y 4

Foro Sol del df

Historia de la Vid y el Vino en la Península de Baja California, de Camillo Magoni –enólogo de L.A. Cetto– es el primer trabajo específico sobre una región productora de vino de México, aunque recordemos aquella obra de Ralph Amey, Wines of Baja California, y la obra generalista de Faesler y Cerón, El vino mexicano…

Nos encontramos con un trabajo completo que transmite una visión histórica del vino, otorgando a este producto una antigüedad que el autor remonta a comienzos del siglo XVIII, con la implantación de las primeras misiones.

Tradicionalmente, se oye decir que México no es un país vinícola y el autor con este repaso histórico nos demuestra que son casi cinco siglos los que avalan la historia del vino mexicano.

El autor parte de una descripción geográfica de la península de Baja California y de los avatares de su conquista, y es interesante la aportación sobre las vides originarias que crecían silvestres antes de la llegada de los españoles a estas tierras.

En el libro hay una introducción histórica a la cultura del vino, que es interesante en un país como México, donde la información sobre este tema no es abundante.

Magoni se explaya en la descripción de la cultura misional y su influencia en la elaboración del vino; se observa el conocimiento que el autor tiene sobre este tema y la importancia que concede a la entrevista con los actuales ocupantes de aquellos enclaves históricos.

Mención especial merecen las continuas referencias a la arquitectura del agua, tan importante para el desarrollo misional.

Un segundo apartado lo destina a la llegada de los emigrantes desde mediados del siglo XIX, y la influencia de los expertos de la California norteamericana.

Es interesante la información sobre la empresa rusa colonizadora de la Baja California y de la influencia de la comunidad molokana en la agricultura de la comarca del Valle de Guadalupe, desde 1905.

La presencia de la familia Cetto, desde el fundador don Ángelo hasta nuestros días, refleja una parte importante del vino de Baja California, en la que ha estado presente como enólogo el autor de este libro.

El desarrollo de la historia del vino del siglo XX, descrito por décadas, es de gran valor y precisión, sobre todo teniendo en cuenta que el autor ha conocido su evolución de mano de los actores de este proceso.

Además de hablar de los autores, cita también las instituciones. Es muy valiosa la información sobre la Asociación Vitivinícola del Territorio Norte de la Baja California, creada en 1941, y que incluso publicó una revista al año siguiente.

Describe la aparición de las modernas bodegas y dedica un apartado especial a la convocatoria del Congreso Internacional de la Vid y el Vino, que se desarrolló en el estado en 1980 y fue la presentación mundial de los vinos bajocalifornianos delante de los más prestigiosos enólogos.

El libro es un documentado repaso histórico a la cultura del vino de esa península, con la visión del enólogo que ha dedicado su vida a hacer vino en la zona, y el complemento del historiador como afición primordial.

Tiene también toques antropológicos, basados en el empleo de la encuesta y la observación directa, y su preocupación por los objetos de la historia del vino, como los lagares de cuero, las tinajas de piedra, las viejas moledoras o las antiguas instalaciones hoy arruinadas.

La fotografía de Julio Rodríguez es un complemento excelente en la obra, como lo es también todo el conjunto documental reproducido en imágenes, recortes de prensa, etiquetas y un aparato documental muy interesante. La bibliografía es el compendio de todo lo escrito sobre esa tierra.

Como conclusión, el libro es imprescindible para el aficionado al vino y a su cultura, pero no solamente al mexicano, sino a cualquier interesado en las manifestaciones culturales relacionadas con el viñedo y su historia.

Los investigadores de la cultura del vino agradecemos a nuestro amigo Camillo Magoni por habernos proporcionado una obra de tal calidad histórica y antropológica, porque además sitúa a los vinos de Baja California dentro de la historia de los grandes vinos mundiales.

Historia de la vid y el vino en la península de Baja California
Camillo Magoni
Universidad Iberoamericana, 2009

Primera.¿Cómo fue que se interesaron por el diseño de modas? ¿A quiénes consideran sus maestros?

A Julia le gustaba desde niña, yo me interesé ya un poco más grandecita y un día comenzamos a trabajara juntas… muy casual.

Consideramos que nuestros maestros son la escuela de Antwerp, Margiela y los japoneses Rei Kawacubo y Yamamoto.

Segunda. ¿Hay algún diseñador, diseñadora o artista en general, por quien sientan una marcada influencia? He leído que les gusta el arte conceptual…

Nos gustan las colaboraciones. Sentimos mucho respeto por las personas que por medio del trabajo creativo se cuestionan y transgreden, que toman riesgos. Por ejemplo, esta temporada hicimos una colaboración con Marco Rountree Cruz, un artista mexicano ¡que hace cosas padrísimas!

Tercera. Después de haber estado en distintas pasarelas tanto en México como en Europa, ¿cuál consideran que ha sido el momento parteaguas de sus carreras?

Definitivamente el proyecto que hicimos con el Vodka Absolut, en Suecia. Nos enteramos cómo era el verdadero medio de la moda internacional, aprendimos muchísimo…

Cuarta. ¿Cómo definen su estilo?

Es la pregunta más difícil, no sabemos exactamente pero tiene que ver con la experimentación.

Quinta. ¿Qué les aporta para su trabajo vivir en una ciudad como Guadalajara?

Tranquilidad. El ritmo de trabajo es muy relajado, algo debe de haber en el agua, algún sedante. J

Sexta. ¿Qué les llama la atención del panorama actual del diseño de modas en México?

Cada vez es más difícil, pero también aparecen más diseñadores jóvenes con buenas ideas. La industria de la moda en México, cuando crees que está avanzando, retrocede. Tenemos suerte, por ejemplo, de trabajar en proyectos como Designers by Kaltex, un proyecto con textiles mexicanos que apoyan a los diseñadores jóvenes a crear sus colecciones proporcionándoles materiales hechos 100% en México. Es una posibilidad buenísima.

Séptima. ¿Qué nos pueden comentar de su gusto por el vino? ¿Qué tipo de vinos prefieren?

Se nos dio muy casual. No somos expertas, pero queremos aprender. Nos encanta comprar vinos de cada lugar que visitamos. ¡Los mexicanos son nuestros favoritos!

Julia y Renata son diseñadoras de moda. Nacieron en Guadalajara, con tres años de diferencia. Durante el mes de mayo participarán en desfiles con Benson y Hornitos en el DF, Monterrey y Guadalajara, así como en el Acapulco Moda Nextel. En julio irán a Medellín, al Latinoamérica Fashion.

Estudié ciencias de la comunicación e iba más encaminado para el cine. Pero acabando la universidad empecé a trabajar en publicidad y de pronto ya estaba empezando a trabajar en proyectos artísticos míos, independientes. Desde la primera exposición en la que participé, por ahí de 1996, supe que el arte era lo que me interesaba.

Dos. ¿Qué artistas te interesaban en aquel momento y qué artistas te interesan ahora?

Los primeros artistas contemporáneos que empecé de alguna manera a estudiar y a seguirles la pista fueron los minimalistas, entre ellos Donald Judd, James Turrell, Walter de María. Después me interesaron los conceptualistas en Estados Unidos: Bruce Nauman, Chris Burden, John Baldessari. Fue como entrar en otra idea del arte completamente distinta. Pero con frecuencia regreso a periodos mucho más clásicos. Por ejemplo, uno de los artistas que más me gusta e inspira es Vermeer.

Tres. ¿Cuáles dirías que son tus temas?

El tiempo y la vulnerabilidad quizás sean mis temas más recurrentes.

Cuatro. Cuéntanos un poco de tu proyecto Breve historia del tiempo y en particular de la pieza Entre la vida y la muerte.

Este proyecto consistió en lanzar –por medio de una grúa– un coche a un lago y filmarlo con una cámara de alta velocidad, con la idea de captar el instante donde el coche se detiene tocando el agua y queda como si estuviera ahí, inmortalizado. El proyecto se llama Breve historia del tiempo por el libro de Stephen Hawking. Quería referirme al tiempo y a la idea de los hoyos negros donde entras y vuelves a salir en el mismo lugar. Y la imagen del coche cayendo en el lago juega un poco con esto. Queda suspendida pero en el reflejo de sí mismo. Este proyecto forma parte de las intervenciones que he estado haciendo en paisajes, interponiendo un poco la idea de la máquina, la tecnología, buscando generar historias y lenguajes que terminan siempre en metáforas que hablan sobre el poder, el tiempo, la vulnerabilidad.

Cinco. ¿Qué opinión tienes sobre el momento que atraviesa el arte mexicano?

Creo que está en una lucha por sostenerse. Hubo un boom y ahora las ferias de arte están vendiendo menos, hay menos exposiciones. Se vive un momento duro y eso implica que en el arte mexicano haya menos proyectos en esta época. La competencia se va a volver más difícil y el artista va a tener que estar trabajando más en su entorno que en las ferias de arte y las galerías. Se puede tomar positivamente esta situación y sacarle el mayor provecho posible.

Seis. ¿Por qué vives en Guadalajara?

Una de las razones más importantes para vivir aquí son los amigos. Por otra parte me parece que es una ciudad que tiene muchas de las ventajas que tienen las grandes ciudades: cuentas con muchísimas cosas y el tiempo se vive de una manera muy distinta a la Ciudad de México, por ejemplo. Aquí sí hay tiempo para hacer cosas, para trabajar; la mano de obra es buena y barata. Además, si ya de alguna manera empezamos trabajando aquí, haciendo proyectos y siendo parte de un movimiento, pues creo que bien podríamos consolidarnos aquí mismo.

Siete. ¿Te gusta el vino?

Sí, me gusta mucho el vino, y por hablar de uno en particular, me gusta mucho el Vino de Piedra. Toda la vida he tomado vino. Me gustan los tintos, los blancos y los rosados. Estoy muy clavado en los vinos mexicanos, en especial en los del Valle de Guadalupe: Casa de Piedra, Fecha, los de Adobe Guadalupe. Me parecen vinos con una personalidad única y especial que no tienen vinos de otros países. Se me hace bien la idea de tomar vino mexicano y apoyar el vino mexicano. Ya los franceses tuvieron toda la vida de gloria y ojalá que haya la oportunidad de que otros países hagan buenas propuestas.

Gonzalo Lebrija (DF, 1972) es artista. Su más reciente exposición, The Distance Between You and Me, se realizó en la galería 1-20 at Mesler & Hug en Los Ángeles, California, el pasado mes de enero.

Por Aldo Prieto

The Black Ghosts

The Black Ghosts (2008)

Este álbum británico de un año de edad llama la atención por su fina producción. Comienza con un original tema “Some way through this”, de excelentes programaciones electrónicas y con un dramático arreglo de violines que le da un matiz especial. Contiene cortes indie muy bailables como “Anyway You choose” y “I Don’t know”, y se destaca la atractiva voz de Simon Lord (anterior vocalista del grupo Simian). Para disfrutar es “Until it comes again”, con una lenta y sabrosa cadencia rockera, aderezada de interesantes síncopas. “Full Moon” extrañamente recuerda los sesenta con sus vocales y adornos de guitarra acústica, y aparte una nostálgica letra. Un interesante tema es “Something new”, de sabor disco y que gira alrededor de repeticiones de teclado. Contiene también una colaboración de Damon Albarn (Blur) en el energético tema “Repetition Kills you” que también ya está siendo favorita en las pistas de baile. Y tal como dice la letra de la rítmica “Face”, hay que “encarar” sin reservas la música de este disco para apreciar las tendencias musicales actuales de la música pop.

Gustavo Cerati

Bocanada (1999)

Este fantástico álbum de Gustavo Cerati cumple ya diez años, y se sigue escuchando actual. Para mí es el mejor disco del argentino hasta la fecha, y se nota que puso todo su empeño en fabricar un álbum memorable. Contiene una buena dosis de electrónica y sampleos (como en “Tabú” y “Y si el humo está en foco…”), sin duda fruto de la colaboración de Flavius Etcheto. Ningún tema es de relleno, todos son excelentes, y de letras inteligentes como nos tiene acostumbrados Cerati desde sus tiempos en Soda Stereo. “Engaña”, “Bocanada” y “Beautiful” son suaves y elegantes; “Perdonar es divino” es de esas canciones que atrapan y perduran en la mente; “Paseo inmoral” es de un ritmo intenso y sensual. Se dio el lujo de producir “Verbo carne” con una orquesta sinfónica, y también incluyó un tema salpicado de ritmos e instrumentos muy sudamericanos: “Raíz”. Por si fuera poco, aquí surgió a la luz su más emblemático tema como solista, “Puente”, que siempre deja para el final de sus conciertos. Por lo tanto, resulta imprescindible este sofisticado viaje musical.

Caetano Veloso

Sem lenço, sem documento (1989)

Cumpliendo nada menos que 20 años, esta compilación sigue siendo apreciada como la mejor del divo brasileño. Esto de ningún modo quiere decir que Caetano lleve dos décadas sin buenas propuestas, pero aquí se conjuntan la mayoría de sus temas más clásicos. Del mítico álbum Caetano Veloso (1968) se toman varios cortes, como los famosos “Alegría, alegría”, “Soy loco por ti América” y la canción que es estandarte de todo un movimiento cultural “Tropicália”. “Lua de São Jorge”, que él suele tocar mucho en vivo, es una muestra su lirismo poético y “Sampa” (en ritmo de chorinho) dedicada a la ciudad de São Paulo, es ahora el himno de dicha metrópoli. La rara “Podres poderes” que mezcla protesta con un homenaje a famosos músicos brasileños, es de un alegre pop muy ochentero, tal como “Eclipse oculto”. Ésta última aunque no resalta mucho, gustó bastante en su tiempo en Brasil, por lo que uno se acerca a dicho país escuchándola. El romanticismo de “Você é linda”, y la bella melodía de “Qualquer coisa” describen mucho al atemporal Caetano. En fin, una colección básica para dar un vistazo general a este gran artista.

Por Kaliope Demerutis

Sueñe. Cierre los ojos e imagine que usted tiene un viñedo, que vive de producir vino en Italia, y que además es seguidor irredento de una estrella del rock & roll. Su sueño más grande es crear un caldo en honor a su respetado músico. La magia sería completa si el venerado en cuestión probara su vino y además afirmara que le gustó, y para cerrar con broche de oro, aceptara que su ejemplar embotellado porte su diseño y el nombre de uno de sus discos. Pues esta fantasía se volvió realidad para Antonio Terni.

Él es un italoargentino dueño de la Fattoria Le Terrazze (en Ancona, Italia), que pertenece a su familia desde 1882; copropietario de la bodega argentina Altos de Medrano. Apasionado seguidor del nacido en Minnesota, Premio Príncipe de Asturias en 2007, leyenda viviente del rock y el blues estadounidense: Robert Allen Zimmerman, mejor conocido como Bob Dylan.

Terni no se pierde ni un sólo concierto de Dylan en Europa, es tan obsesivo en asistir puntualmente a cada cita musical, que su presencia en los recitales de Bob quedó registrada en el documental del joven cineasta español Fernando Merinero, que siguió al cantautor en una gira por la península Ibérica, producido en 2006: un hombre maduro le lanza a Bob sombreros de piel de leopardo al escenario en pleno acto. Ese sujeto es Terni.

En una de esas visitas de Bob al Viejo Continente, Antonio se las arregló para enviarle algunas de sus botellas. Tiempo después el teléfono de Antonio Terni timbró; era el manager de Bob Dylan, quien le comunicó que estaban interesados en su vino. Terni, de 52 años, no podía creer lo que estaba escuchando, había seguido al músico desde que tenía quince años. Las botellas en cuestión eran su especialidad: el Rosso Conero, un caldo elaborado con uva montepulciano (75 por ciento) y merlot (25 por ciento). Lo nombró Visiones of J, en honor a “Visions of Johanna” del disco Blonde on Blonde (de 1966). Dylan notó el detalle. La intención del italoargentino con esta mezcla de cepas era reflejar el carácter del músico, según su percepción: “Angular, dificultoso e impredecible como el montelpuciano; generoso y amistoso como el merlot”.

En 2002 Bob Dylan se asoció con Terni para que una parte de su producción llevara el nombre uno de sus álbumes. Fueron cinco mil botellas las primeras en salir de esta unión: Planet Waves (título de su álbum de 1974).

Antonio elaboró el vino, Dylan le dio su nombre, e incluso diseñó la imagen: dos líneas blancas a manera de olas, sobre color azul. En la etiqueta posterior de la botella lucían las firmas de ambos, y se podía leer una pregunta salida de la pluma del compositor: “¿Qué es lo que empujó a dos tipos de las esquinas opuestas del mundo a poner sus nombres en una botella de vino tinto italiano? ¿Destino, coincidencia?”

Cada botella de Planet Waves costó un poco más de 50 euros, y se agotaron en menos de un mes, según su distribuidora británica.

El trabajo en común en la primera etapa sucedió a distancia, pasaron muchos meses antes de que los socios pudieran conocerse. Terni sigue trabajando en su profesión, posee 20 hectáreas y produce 90 mil botellas al año de la mano de su enólogo Attilio Pagli. Chaos, Rosso Conero Visions of J., Rosso Conero Sassi Neri, Chardonnay Le Cave, Rosso Conero Le Terrazze, Planet of Waves, son algunos de sus ejemplares. También editó el libro Viñas, bodegas & vinos de América del Sur en 2005, en la editorial Austral Spectator.

De noble cepa

En el grupo de los músicos y auténticos amantes del vino podemos contar a Sting, vocalista de la banda británica The Police; su gusto por el agua de vides lo llevó a adquirir 200 hectáreas en la región italiana de la Toscana, donde produce Roxanne Reserva, que ostenta en su etiqueta su fotografía. Otro músico inglés que elabora su vino, pero en Portugal, bajo la etiqueta de Vida Nova, es Cliff Richard, guitarrista y cantante, fundador de la banda The Drifters.

Cruzando el océano, la actriz y cantante de pop Olivia Newton John, también posee su línea de vinos australiana Koala Blue, y se encuentra activa desde 1983, enfocada en las cepas chardonnay y shiraz.

Otra rockero, pero en este caso, alemán, Peter Maffay, apadrinó los vinos ecológicos de Jaume de Puntiró de Santa María, Es Verger de Esporles, Can Feliu de Porreres y Can Majoral de Algaida, de la isla de Mallorca, en España. Maffay también es reconocido por su ferviente apoyo a la agricultura ecológica, y es propietario de la finca Can Llompart de Pollença donde cría cordero ecológico y otros cultivos naturales que promueve fervientemente en Europa.

Imagen que vende vino

En el otro bando, el de los famosos rocanroleros involucrados con el mundo del vino por motivos comerciales, son los Rolling Stones. “Sympathy for the Devil”, título de la popular pieza del grupo británico, fue el nombre que recibió una línea de dos vinos de postre en 2004, a manera de homenaje a los veteranos músicos. La canción escrita en 1968 por Mick Jagger, incluida en el álbum Beggars Banquet, inspiró la creación de los dos ice wines (de uvas cosechadas congeladas) elaborados, uno, con pinot noir, y el otro, con riesling, de Okanogan Valley, Canadá, en edición limitada. Además, la misma comercializadora californiana, Celebrity Cellars, produce Satisfaction, de Napa Valley, en un ensamblaje de uvas cabernet sauvignon, merlot, petit verdot, malbec y petite syrah; y otros destilados con su nombre en la etiqueta. La rentable idea de que algunos vinos lleven el nombre de las estrellas del mundo del rock y el pop, Celebrity Cellars no sólo la aprovecha con los Rolling Stones, también embotellan diferentes varietales con el nombre e imagen de famosos como Madonna, Kiss y Barba Streisand, por ejemplo. A través de su página web, permiten a sus compradores elegir primero el vino, y luego colocarle la etiqueta de su cantante o músico favorito. Muchos condenan esta práctica, ya que vuelve al vino un producto banal y comercializado, al punto en que el caldo pasa a segundo término.

Antes al rock, por prejuicio y por el hecho de que a muchos de sus intérpretes se les asociaba con los excesos e incluso con trágicos desenlaces por sobredosis, siempre se le relacionaba con las drogas; en estos tiempos en que las estrellas del género ya son producto de la gran industria, y su imagen es meticulosamente cuidada y maquillada por el glamour, ser rockero ya no es malo, ya su nombre también vende vino.

Kaliope Demerutis, editora del suplemento Ocio del diario Público-Milenio, es alumna de la Escuela Culinaria Internacional en la especialidad de Sommelier y en Iniciación Gastronómica.

Zhan. gu
Director y guionista: Kenneth Bi
Intérpretes: Jaycee Chan (Sid), Tony Leung Ka Fai (Kwan), Angelica Lee (Hong Dou), Roy Cheung (Ah Chiu), Josie Ho (Sina) y Kenneth Tsang (Setephen Ma).

Hong Kong / Taiwán / Alemania, 2007. Duración: 118 min.
¿Cual es el primer sonido que guardamos en la memoria? algunos creen que es el latido de la madre que escuchamos antes de nacer, como si fueran las percusiones de un tambor. Quizá por esto es el tambor  –el instrumento más antiguo de la humanidad–, el que tiene poderes especiales sobre nosotros. Se dice que su intenso sonido penetra el cuerpo, su ritmo puede abrir el corazón y su poderosa vibración es capaz de despertar el espíritu. Estas son las premisas de esta película, que narra la historia del joven Sid (Jaycee Chan, –el hijo de Jackie Chan–), un muchacho rebelde que se deja llevar por sus caprichos. Después de causar serios problemas a su padre, un poderoso mafioso de Hong Kong, es enviado en secreto a ocultarse en una remota montaña de Taiwán. Ahí Sid, quien desde muy joven ha sido aficionado a tocar la batería, se topa con el campamento-escuela de una tropa de tamboristas zen (los verdaderos U-Theatre*). Lo que ellos hacen le fascina y se propone unirse al grupo. Pero esto no será fácil. Resulta que para ellos la música es sólo una parte de lo que hacen, representa la expresión final de su elevado estado de conciencia, al que llegan después de renacer espiritualmente, con mucho trabajo físico, disciplina y paciencia, luchando contra sus propias pasiones, deseos y limitaciones. Un drama que contrapone el ambiente violento de la ciudad, donde a pesar de la civilización, rige la violencia, contra la vida de la montaña, donde se refugian personas dispuestas a entrar en contacto con la naturaleza y con su propia conciencia.

Las flores del cerezo

Kirschblüten – Hanami
Directora y guionista: Doris Dörrie
Intérpretes: Elmar Wepper, Hannelore Elsner, Aya Irizuki, Maximilian Brückner y Nadja Uhl
Alemania / Francia, 2008. Duración: 127 min.

El renacimiento, entendido como un cambio radical en la forma de entender la vida, puede llegar en cualquier momento de esta o incluso no llegar nunca, como le sucede a la mayoría de las personas. Esta cinta es un buen ejemplo de renacimiento tardío, cuenta la historia de Rudi y Trudi, una pareja de veteranos esposos que viven muy tranquilos, luego de que sus tres hijos se independizaron y tienen su propia vida lejos de su pueblo de Baviera. Al tiempo que se jubila el viejo Rudi se queda repentinamente solo y entonces debe replantear su existencia. Así se entera de que su amada esposa, durante todos estos años, ha sido una verdadera desconocida para él, pues entre otras cosas, guardaba en secreto su fascinación por la danza buto, en la que las sombras adquieren vida y de los pintorescos paisajes de Japón. Con el pretexto de visitar a su hijo menor, que vive en Tokio, Rudi decide ir allá en honor de Trudi. Esto se convertirá en un verdadero viaje de autoconocimiento y de conexión con su mujer. Después de toda una vida de permanecer estático, dedicado a su trabajo y sin querer salir de su pueblo, ahora Rudi se convertirá en un aventurero libre, un peregrino rumbo al mítico Monte Fuji y su viaje coincide con la temporada de la floración de los cerezos, símbolo japonés de la belleza y de la vida en su efímero paso por el mundo. Un drama intimista y poético, con metáforas visuales, que está inspirado en el melodrama Historia de Tokio (Tôkyô monogatari) (1953) de Yasujiro Ozu.

U-Theatre es un grupo taiwanés de tambores, fundado en 1987 por la actriz Liu Ching-Ming, desde 1993, sus integrantes hacen de la meditación la base de sus representaciones y desde entonces se han presentado con bastante éxito en los cinco continentes.

El Ankoku Buto (la danza hacia la oscuridad), conocido en occidente como Buto o Butoh por su transliteración inglesa, fue creada en 1950 por Kazuo Ohno y Tatsumi Hijikata, quienes, influenciados por el expresionismo alemán y conmovidos por el bombardeo de Hiroshima y Nagasaki, emprendieron la búsqueda para recobrar el cuerpo primigenio “el cuerpo que nos ha sido robado”. Normalmente involucra movimientos lentos, expresivos e imaginativos y explora la transición entre estados anímicos. Es una reflexión del cuerpo sobre el cuerpo y el lugar que este ocupa en el Cosmos. Su intención no es hacer pensar, sino sentir y hacer sentir.

Louis Prima

Jump, Jive an’ Wail: The Essential (2007)

Estupendo cantante no siempre reconocido como se debe, con su orquesta logró algunos de los temas más optimistas y felices del repertorio musical norteamericano.

Habiendo alcanzado su mayor popularidad en los años 40 y 50, en esta buena compilación se captura lo más selecto de su obra. Se disfrutan aquí diversos ritmos como tarantelas, jazz de Nueva Orleans, rock and roll temprano y swing. Hablando de swing, este disco contiene la famosísima Sing, sing, sing, que compuso Prima, y que Benny Goodman elevó a clásico de este género. Es prácticamente imposible no ponerse de buen humor al escuchar Jump, jive an’ wail, When you’re smiling y la versión original de Just a gigoló. Siempre con un entusiasmo salpicado de comicidad en sus interpretaciones, este hijo de italianos parecía siempre estar embriagado de alegría. Acompañado de su esposa la cantante Keely Smith en varios temas, aparece una fabulosa I’ve got you under my skin a ritmo de conga, y una rítmica y sensual That old black magic. ¡Júbilo total!

Los Fabulosos Cadillacs

La luz del ritmo (2008)

Las canciones de los Cadillacs han sido parte del soundtrack de las vidas de toda una generación. Hicieron mutis durante algunos años, y ahora regresan con sus bríos nunca perdidos. Sus últimas presentaciones en vivo fueron espectaculares y se nota en ellos mucho entusiasmo, así que este disco repicará mucho en el 2009, con sus alegres ritmos. Tiene cinco temas inéditos, pero también hicieron nuevas versiones de antiguos temas propios, lo que lograron muy dignamente y sin auto ofenderse, como les ha pasado a otras bandas. En especial la nueva traducción de Padre nuestro a cumbia villera, es de esos tracks que tocaremos varias veces seguidas por el placer huapachoso que nos trae. Muy buena también la nueva forma soulesca para Mal bicho y excelente El genio del dub aderezada con rap y electroniquita. De los cortes nuevos, resaltaré el que da nombre al álbum, un mambo-samba que nos pondrá a bailar; y El fin del amor, rock ska con tintes punk. ¡Vaya mezcla de sabores! Para rematar, trae dos covers, uno de los cuales es una tropicaloide Should I stay or should I go. En fin, un sincero y divertido retorno de una gran banda.

The B-52′s

Cosmic thing (1989)

Este alegre disco, el mayor éxito comercial de los B52′s, no sólo contiene temas felices por sí mismos, sino que además evoca la alegría de los tiempos estudiantiles para aquellos que nos tocó que saliera cuando vivíamos esa etapa. El grupo de Georgia nos trajo en este álbum temas muy fiesteros y energéticos como Love Shack (que nunca falla en la pista de baile) y Cosmic thing (con su gracioso grito de Shake your honeybuns!), que inmediatamente infectan de regocijo. Y también contiene canciones de un humor totalmente optimista, incluso si no se fija uno en la letra. Es el caso de Roam, una melodía feliz que pone de buenas, cuya fórmula por cierto se repitió en aquella colaboración de su cantante Kate Pierson con R.E.M. en Shiny happy people. A propósito, yo siento que la alegría de The B52′s se debe en gran parte a las agudas y chispeantes voces de Pierson y de Cindy Wilson, como se puede apreciar en Channel Z y Bushfire. Con Dry Country a pesar de su más calmado beat, se continúa con el mood de “¡me siento bien!”. Los invito a poner en su camino al trabajo este disco, y hasta el tráfico desaparecerá.

Novedad:

Sepulcro Bohemio

Cantos de misterio y muerte (2008)

A pesar del tétrico título, esta novedad de este grupo tapatío no es para ahuyentar a nadie. Incluso la introducción hablada del disco advierte que los fantasmas no necesariamente tienen que asustar. Son canciones de corte acústico con predominante guitarra, adornados elegantemente, por ejemplo con un chelo en la apaciguante Balada para un ahogado. La sobria instrumentación se conserva a lo largo del disco, como en Puerto del diablo. Las letras son honestas y poéticas, algunas a manera de cuento y la afinada voz de su cantante Erándini Aparicio tiene personalidad y logra interesantes matices. Camino a Santiago suena a trova sudamericana, y en la excelente Las moscas se divierten, se siente un carácter lúdico. El sabor rockero de Necromarcha le da un giro interesante e intenso al disco y lo folklórico mexicano de El son de la calavera completa una buena colección de temas en que definitivamente se logra la anunciada atmósfera misteriosa y sugestiva. Un disco para escucharse y disfrutarse.

Les valseuses

Les valseuses es un modismo francés que se usa para referirse a los testículos, comparándolos con bailarines de vals. Jean-Claude (Gérard Depardieu) y Pierrot son un par de amigos aventureros y despreocupados, que viven al día, con las oportunidades que se les presentan. Son una especie de hooligans alegres y descarados que vagan sin rumbo. Luego de asaltar a un empresario, los malandrines se quedan con su novia, una rubia muy desinhibida (Miou-Miou), pero para su sorpresa, ella resultará ser insensible sexualmente. Una comedia cínica y de humor negro, muy efectiva para arrancar carcajadas, que de entrada vale la pena, tan solo por ver a Gérard Depardieu muy joven haciendo travesuras y a Isabelle Huppert en uno de sus primeros papeles, como una quinceañera pecosa e inocente. El guionista y director Bertrand Blier tiene otras cintas como Mi hombre (1996), Demasiado bella para ti (1989) y Nuestra historia (1984).

Los dioses deben estar locos
The Gods Must Be Crazy
Director: Jamie Uys
Con: Marius Weyers, Sandra Prinsloo, N!xau, Louw Verwey, Michael Thys y Nic De Jager
109 min.
Botswana / Sudáfrica, 1980. Duración: 109 min.
A los habitantes de una aldea muy primitiva en el desierto de Kalahari, les cae del cielo una botella vacía de Coca Cola. Nunca habían visto algo semejante y tal regalo de los dioses pronto se convertirá en la manzana de la discordia entre los antes pacíficos lugareños. Entonces acuerdan mandar a Xi, uno de sus mejores hombres, hasta el fin del mundo, para que la regrese a las divinidades. En su odisea Xi se topará con personas muy raras, como una rubia occidental, de cuyo encuentro dice el narrador de la cinta: “Esa mañana, él vio la persona más fea con la que jamás se había topado. Era tan pálida como que se había restregado con ceniza, su pelo era horripilante, largo, fibroso y blanco, como si fuera muy anciana; era muy grande -a él le tomaría el día entero encontrar comida para alimentarla-.” Una de las películas más divertidas de la historia, que ganó el premio del público en el Festival de Montreal de 1983. El actor protagónico N!xau, en realidad nunca había tenido contacto con la civilización fuera de su aldea y recibió por su trabajo, un sueldo equivalente a tan sólo $300 dólares.

Delicatessen
Directores: Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet
Con: Dominique Pinon, Marie-Laure Dougnac, Karin Viard y Ticky Holgado.
Francia, 1991. Duración: 99 min.
En un mundo post apocalíptico, donde escasea la comida, un ex payaso errante llamado Louison (Dominique Pinon), que está triste, por la reciente muerte de su compañero, consigue milagrosamente hospedaje y trabajo en un pequeño edificio de departamentos. El lugar es controlado por el carnicero de la planta baja, quien en realidad trafica con carne humana. El talentoso recién llegado, despertará la esperanza de los hambrientos inquilinos del lugar, que sobreviven de pura suerte y en complicidad con su casero. Una comedia muy original y cargada de humor negro e imaginería visual, de los mismos directores de La ciudad de los niños perdidos (1995) y Amélie (2001).

Crimen perfecto
Director: Álex de la Iglesia
Con: Guillermo Toledo, Mónica Cervera, Luis Varela y Enrique Villén.
España / Italia, 2004. Duración: 105 min.
¿Existe el crimen perfecto? al parecer en el cine no, pero esta película no se preocupa  por responder esa pregunta. El protagonista es Rafael González, el encargado del departamento de damas de una tienda departamental, un tipo exitoso, elegante y mujeriego, quien compite por el puesto de jefe de planta de la tienda, contra el odioso jefe del departamento de caballeros. En palabras de Rafael González: “Bienvenidos a mi mundo, donde todo es perfecto… yo soy un hombre elegante que sólo pretende vivir en un mundo elegante ¿es pedir demasiado? La hembra quiere controlar, el hombre dominar… y sobre todo procrear… ¿hay algo más atractivo para una mujer que un hombre soltero? amo a las mujeres, a todas… bueno casi a todas…” Una divertida comedia negra, satírica y mordaz, del mismo director de 800 balas (2002), La comunidad (2000), Perdita Durango (1997) y El día de la bestia (1995).

Guía del viajero intergaláctico
The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy
Director: Garth Jennings
Con: Martin Freeman, Sam Rockwell, Mos Def, Zooey Deschanel y John Malkovich.
Estados Unidos / Gran Bretaña, 2005. Duración: 110 min.
“La Guía del Viajero Intergaláctico en su capítulo de amor, dice que es algo que se debe evitar a toda costa. Desafortunadamente, Arthur Dent nunca había leído la Guía del Viajero Intergaláctico.” Una mañana en su casa en Inglaterra, un tipo llamado Arthur Dent, se entera de que su propiedad está a punto de ser demolida para la construcción de una autopista. Pero este es sólo el principio de las malas noticias, pues su mejor amigo Ford (Mos Def), le confiesa que en realidad es un extraterrestre y todo el planeta Tierra está a punto de ser demolido también, por la construcción de una autopista intergaláctica. Con la ayuda de Ford, escaparán pidiendo aventón a una nave espacial, para iniciar una estrambótica aventura por el universo. Una comedia muy imaginativa, de humor negro y mordaz, que tardó más de 26 años en pre-producción y que se basa en un libro de Douglas Adams y en una serie radiofónica de la BBC.

por Gerardo Lammers

"Para Beckett", 2009, video

Uno. ¿Cómo supiste que serías artista?

Creo que nunca tuve esa certeza (como sí la he visto en muchos otros colegas). Más bien siempre tuve la sensación, hasta hace muy poco, que era algo transitorio, en “espera de” algo mayor… Pero ya me cayó “el veinte” que, al parecer, esto es lo que he sido, soy y probablemente siga siendo el resto de mi vida.

Dos. En tu opinión, ¿qué está pasando con el arte chileno? Acá en México sabemos muy poco

Las artes visuales chilenas son un caso único en Latinoamérica: exageradamente discursivas, profundamente endogámicas y esencialmente iconoclastas. Digamos que las artes visuales en Chile son lo menos visual que hay; los artistas tienden a ocuparse más en cualquier otra cosa que en producir imágenes… Sin embargo, hay que admitir que existe un gran rigor y seriedad en la gran mayoría de sus propuestas. Hoy en día el arte en Chile se debate entre la adaptación y el rechazo a los procesos de frivolización que trae consigo la globalización neoliberal.

Tres. ¿Por qué es tan importante Marcel Duchamp en tu carrera?

Más allá de ser su trabajo una referencia histórica ineludible, creo que para mí como para otros cientos de miles de colegas, Duchamp es simplemente un buen amigo, un cómplice, un compañero de ruta, un compa sabio, divertido, inagotable, genuino, visionario y siempre vigente.

Cuatro. ¿Cuáles dirías que son tus temas?

Siempre he creído que mis temas son esencialmente culturales: conflictos sociales, políticos, históricos o antropológicos… Pero la verdad es que últimamente me he ido dando cuenta que tal vez todo eso ha sido un pretexto, o más bien un vehículo, para poder explorar y compartir mis deseos, miedos, heridas, fracturas y esperanzas personales: en ese sentido, nada muy novedoso ni diferente a lo que han hecho los artistas durante siglos y siglos.

Cinco. Cuéntanos un poco sobre esa fantasía irlandesa que dio nombre a Irish Spring, tu más reciente exposición

Mi fascinación por Irlanda comenzó mucho antes de que pudiera visitar ese país. Es un lugar con el que he sentido una conexión espiritual muy directa: con el paisaje, el clima, la gente, su música, la comida, los deportes, la arquitectura, la literatura, sus culturas ancestrales. Pero también está la gran contradicción que existe entre esta marca gringa de jabón (Irish Spring) y la noción idílica de Irlanda que busca evocar… Y, por supuesto, la tensión que genera la enorme distancia que hay entre Guadalajara e Irlanda, en todos los sentidos.

Seis. ¿Qué te atrae de vivir en un país como México y en una ciudad como Guadalajara?

Aunque a Guadalajara llegué y me quedé por una mujer –y ésa es tal vez la razón más importante para vivir aquí–, existe en todo México una fuerza y una energía única en el mundo. Aunque suene a cliché, hay aquí una identidad y un carácter muy poderoso que se manifiesta en todo momento y a cualquier nivel. Para mí, que vengo de un contexto opaco, gris y reservado como es el chileno, la exuberancia y la intensidad de México son obviamente un fuerte imán.

Siete. ¿Algún vino en especial?

De vinos realmente no sé mucho, pero recuerdo haber probado alguna vez en Chile un gewürztraminer, con un perfume especial y pícaro. Y en Oregon (Estados Unidos) probé un pinot noir que siempre viene a mi memoria.

el artista chileno (derecha), en un lapso de inspiración

Cristián Silva (Santiago de Chile, 1969) es artista. Desde 2000 radica en Guadalajara, donde imparte diversos seminarios y talleres como “El legado de Marcel Duchamp”. Su más reciente exposición fue Irish Spring, en la galería Curro y Poncho, de la capital tapatía.

Por Gerardo Lammers

UNO. Naciste en La Paz, Bolivia. Cuéntanos un poco sobre tus orígenes.

Chuchi 3 Pesos: La Paz fue el lugar donde me encontré con Valeria. Ella tenía el escenario perfecto para que yo me manifestara. La primera vez que nos vimos fue en su taller de pintura en el sótano de su casa y ella luchando con una serie de cuadros de placebos no resuelta.

Valeria: Nací en Alemania, crecí en Berlín, nos mudamos a mis seis años a La Paz, Bolivia, donde me enraicé. Con la excusa de la búsqueda del color para mi pintura, viaje y viví por muchas ciudades.

DOS. ¿De dónde viene tu afición por el blues y el jazz?

Valeria: Un día entre los miles de discos de vinil de la colección que tiene mi papá, encontré un disco de Ella Fitzgerald y pasé horas descifrando ese lenguaje propio. Yo tenía como doce años. Luego encontré una colección de 16 discos de swing del Reader’s Digest, y un día me encuentro con uno de Bessie Smith. La alegría tan dolorosa fue la que me amarró al blues. Era el soundtrack perfecto para mis 15 años. La primera canción que canté fue el “Saint Louis Blues” de Bessie Smith.

Chuchi 3 Pesos: Ese es un sentimiento que uno lleva adentro, el mismo que te hace pensar que fuiste cabaretera desde hace tres vidas. Caminar sola por las calles en mi adolescencia buscando los grupos de jazz más intensos, el vino blanco Undurraga, las servilletas escritas… Estos géneros eran los catalizadores de una cierta intensidad. Por ahora las plumas me siguen adornando. Nina Simone apareció casi como una salvadora, mostrándome otra actitud en el blues, ya no de flagelo sabroso, sino más bien como plataforma de denuncia y también desmembrando el virtuosismo y capturando el sentimiento a través de una voz tan extraña como la de ella.

TRES. ¿Cómo fue que llegaste a México y qué sentido tiene para ti vivir aquí?

Chuchi 3 Pesos: Llegué en avión. Nuevamente coincidí con Valeria en su taller de pintura. Ella pintaba y yo paseaba por el centro. Yo llevo tatuada en mi cuello la frase “Hecha en México” aunque también hubiera podido sellarme “Florecida en México”… Pero eso es más bien de ahora. Para mí lo único que tiene sentido es vivir. Es primera vez que me siento en casa y ahora quiero vivir ese sentimiento.

Valeria: La primera vez llegué para estudiar pintura a la escuela de San Carlos en el DF. Volví unos pocos años más tarde como por llamado de la mismísima lava. Vine con la idea de hacer un disco y lo estoy haciendo. Tengo promesas conmigo, con el mar, con algunos sitios. De a poco estoy conociendo las distintas regiones de este país tan inmenso y vasto. Tanto como el cariño y agradecimiento que siento por él.

CUATRO. ¿Qué te inspira para componer?

Valeria: Las experiencias de la vida cotidiana –unas más elevadas que otras–, el soundtrack de un pensamiento. Me inspiran el caos, la multitud, el silencio, el mensaje de los elementos. Siento un compromiso genuino con el ser humano y su búsqueda, cualquiera que sea. Ese es uno de mis temas más recurrentes… el famoso camino.

Chuchi 3 Pesos: Mi ombligo, mi amor, yo mujer, la lección.

CINCO. Cuéntanos algo de tu estancia en San Francisco, California, donde cantabas con algunas bandas de blues.

Chuchi 3 Pesos: Cantaba en un bar donde llegábamos a ser 14 músicos improvisando juntos. Eran todos unos dioses negros generosos en su entrega y yo un punto blanco invocando al spirit para llegar a sus talones. Fue una época maravillosa cuando al final de cada tocada lo que se comentaba era si el spirit, es decir, el feeling, la presencia, esa carga de transmisión emocional, había llegado o no. Si no había llegado, todo se reducía en un “it was just another song”. Pero cuando el spirit nos visitaba, los abrazos y complicidad nos unían por varias horas de jazz y soul.

SEIS. Sea en la música, la literatura o el arte contemporáneo, ¿Qué artistas mexicanos te interesan?

Chuchi 3 Pesos: Amo el drama e intensidad del mexicano ya sea en su música, pintura, artesanía, comida. Me interesa el extremo de cualquiera de sus lados. Cuco Sánchez viene a mi pantalla.

SIETE. ¿Tienes predilección por algún vino en especial?

Chuchi 3 Pesos: Definitivamente el de la casa. Lo que más me importa son las copas. Me gustan las copas que cantan. Creo que entonces si puedo escuchar cualquier vino. Y la mayoría de las veces sólo me dicen: “Tómame, sedúceme o corre”.

¿Te asusta la crisis?

Chuchi 3 Pesos: Las crisis son lo mejor que me ha pasado. Desde adentro podría parecer que uno se está ahogando. Luego cuando llegas al fondo encuentras solamente un espejo viejo y todo había sido sólo eso: un espejo sucio y viejo. ¿Qué haces? ¿Sales y cambias de espejo? ¿Te arrancas los ojos? Respira profundo. La solidaridad está por resucitar. Seremos nuestros espejos más hermosos. Tengo fe.

Chuchi lava su tanguita durante su estancia en Puerto Vallarta (México)

Por Ana Guerrero Santos / Foto David Eisenberg

Si la longevidad del arte depende “de lo que le metiste al principio”, entonces pintura y vino tienen más de una similitud.

Daniel Lezama, uno de los artistas plásticos ubicados en el top de la lista de pintura contemporánea en México, así lo plantea. Arte y vino no se pueden crear ni hacer de prisa, es imposible e infructífero tratar de marcar tiempos como si se tratara de un ámbito que más vale por cuestiones cronométricas. ¿Por qué? Porque se les resta futuro. “Una maduración más rápida es un declive más rápido”, dice Lezama, quien luego de reconocerse lejano de “esa esfera de conocimiento del vino”, finalmente hace la relación.

Con anunciada reserva y distancia a su consumo, pero aceptándose amante del vino añejado debido a vivencias en su infancia que tuvieron lugar en París, Francia, defiende el respeto a los tiempos de maduración. “Como pintor puedo decir que hago lo mismo, apuesto a que la gente va a contemplar mis cuadros tal vez durante toda su vida o durante años, y tienes que estar ahí presente en la obra (al momento de hacerlo) más tiempo de lo que un artista contemporáneo quisiera estar”. Por tanto, así como un vino es reposado por décadas, la obra de Lezama es pincelada por días y días, semanas y más. Por eso después de ocupar las salas del Museo de la Ciudad en el Distrito Federal, está presente en el Museo de Arte de Zapopan.

La pieza central de esta muestra, La madre pródiga, “sintetiza de alguna extraña manera diez años de trabajo profesional en el campo de la pintura, otros tantos de formación artística y por lo menos treinta de intensa experiencia sentimental e intelectual”, refiere el crítico y curador Erik Castillo.

Ante tal analogía y “en resabio de todo esto” a Lezama le atraen “los pesados, los cabernet, sobre todo porque me gusta mucho la carne”. Y sin detenerse, añade: “La gente pregunta ¿extranjeros o nacionales? El nacional es más caro que el extranjero bueno. Y en un restaurante, de pagar 200 pesos a pagar 500 por lo mismo, sí pago mejor un vino chileno o uno argentino. Hasta un español”.

Pero en principal importancia, cien veces mejor un vino añejado mediano que uno joven. Eso es de primer orden para este artista que se gana la vida mediante la pintura a la que imprime eso que la crítica llama “estética lezamiana”. Y “no es que me haya vuelto mamón, simplemente hay que entender que hay diferentes niveles. Soy una persona que cree que el vino debe tomarse como se tomaba antes: dejado diez, quince, veinte años para que llegue a un punto óptimo”.

Presente en Guadalajara con motivo de la apertura de su exposición en Zapopan, pero conversando sobre este tema para Vinísfera, reitera que “algo” se ha perdido en la cultura del vino. Ese algo es “la posibilidad de que el tiempo haga su trabajo”. Explica que hoy día se consumen vinos económicos que acompañan la comida, pero que están imposibilitados de dar un fruto posterior. Están hechos para durar tan sólo unos cuantos años, dice. “El estándar de calidad se empuja y eso no le permite tener futuro, se va a echar a perder en dos, tres, cuatro años y eso es un giro fundamental que me parece dramático porque no le da posibilidades de crecer”.

La marca de París

“Viajé a París con mi padre cuando tenía ocho años –relata el ahora connotado pintor– y yo me llamo Daniel por el mejor amigo de él, que había dejado allá diez  años antes. Se llama Daniel Beverache y una de las cosas que para mí sobresalió de ese viaje era la cultura social en Francia de tomar vino en todas ocasiones, en el sentido europeo de la degustación. Entonces para Daniel toda ocasión ameritaba sacar una buena botella, y como me vio chiquito pero interesado, me dijo ‘vas a empezar a hacer una colección de etiquetas de vino’ y me regaló un cuaderno. Todas las botellas que se consumieron en mi presencia o que fueron importantes en el trayecto como de un año, las coleccioné y las marqué. Marqué cuáles había probado y cuáles no, los niños no deben ponerse borrachos, pero pueden beber hasta una copa sin ningún problema como parte de su educación y de su vida cotidiana. Entonces yo también probaba y probé vinos de veinte, treinta años, o sea, una liga de vinos de la vieja escuela.

Daniel coleccionaba las mejores cosechas con futuro y las guardaba en su cava, entonces para mí fue un aprendizaje de conocer el sabor del vino añejado que es absolutamente incomparable a cualquier otra cosa que has probado. Luego se terminó ese periodo de mi vida, pero yo tengo todavía esa colección, ese cuaderno, con mis veinte o treinta etiquetas que coleccioné. Al paso de los años dejé de tomar vino durante mucho tiempo porque de regreso en México, durante los setenta, no había realmente una cultura del vino. Luego empezó a surgir o se empezó a difundir, a través del tiempo, la nueva forma de tomar y producir vino y sí puede ser de gran nivel, pero no se compara en ningún punto al hecho físico de dejar un vino diez, quince o veinte años y que ese vino llegue a un punto óptimo”.

Lezama volvió a París en 1999, comió de nueva cuenta con Beverache y reafirmó que lo suyo son los añejados.

Por Gerardo Lammers

Uno. ¿Cómo supiste que te dedicarías al arte contemporáneo?

Fue un proceso lento que me llevó primero a estar cercano a la literatura, después a la arquitectura y finalmente al arte. Creo que no lo supe, hasta que monté mi primera exposición, en una oficina de arquitectura transformada en espacio independiente de exposición.

Dos. ¿Por cuáles artistas te sentías influido en los inicios de tu carrera?

Me influenciaron mucho los artistas conceptuales de los años sesenta y setenta, así como artistas interesados en expandir la concepción tradicional del arte de los museos y galerías: Smithson, Klein, Duchamp, Bochner, Huebler, Brotares… Siempre me ha interesado mucho la investigación como proceso artístico.

Sin título, 2004, vinilo de recorte sobre muro

Tres. ¿Qué te aportó a tu carrera de artista haber estudiado arquitectura?

Una concepción intensa del espacio. Por cierto tiempo mi trabajo se alejó bastante de la arquitectura, pero de unos años para acá, ésta se ha ido convirtiendo en eje fundamental. Me interesa la concepción ampliada de la arquitectura como aglutinador cultural. Como termómetro del pensamiento de una época y sobre todo como recipiente de cualquier conocimiento. La utilizo sobre todo, como creadora de tipologías, de metáforas, de sistemas. Como eje conector entre temas dispares y lejanos.

Cuatro. ¿Por qué elegiste a la literatura como uno de los ejes temáticos de tu trabajo?

Fue algo en lo que siempre estuve interesado: la creación literaria como proceso cultural. Los estereotipos del mundo creados a partir de ciertos autores y textos. Es algo con lo que he seguido naturalmente trabajando y que en cierta forma aglutina gran parte de mi práctica.

Rulfo Rules, 2006, hoja de libro intervenida con marcador

Cinco. ¿Háblanos de tu interés por los clásicos literarios como fuente de inspiración.

No creo en las “fuentes de inspiración”. Creo que pensar que algo que ves o lees puede ser una inspiración directa de una obra, es una idea muy romántica del trabajo artístico. Creo más bien en un proceso intenso, creativo y multidisciplinario que recibe contaminaciones constantes de una gran diversidad de temas. Por ejemplo, creo que utilizar una cita de un libro como parte de una obra, es un arma de dos filos. En mi caso, cuando lo hago, trato de que la elección de la fuente provoque reacciones más allá de su contexto original, ya sea a través de su relación con el espacio, o con su relación con un contexto específico. La idea es ir más allá de la simple cita. Para mí los clásicos me funcionan por su extraña relación que tienen con el mundo contemporáneo. Por un lado son fácilmente reconocibles por todo el mundo, pero por otro lado, son inagotables. Borges dijo alguna vez que no le interesaban los autores jóvenes. En un principio se me hizo un comentario demasiado rígido, pero ahora empiezo a entender cómo también le interesaba el misterioso proceso de transformación de un libro contemporáneo en un clásico.

Seis. ¿Qué opinas del arte que se está haciendo en Guadalajara?

En Guadalajara existe gente muy talentosa, que está siendo reconocida fuera de la ciudad y de México por su excelente trabajo, pero no podría decir que el medio ha ayudado a eso. Existe una apatía generalizada hacia la vida cultural, hacia lo diferente y hacia lo extranjero. Me sigue sorprendiendo lo bajo del nivel de muchos de los eventos artísticos de Guadalajara, en lo que respecta a las artes visuales. Con raras excepciones, el nivel de lo expuesto en los museos y galerías deja mucho que desear y no pasa de tener el nivel de estudiante de escuela de artes plásticas. No puedo entender cómo en una ciudad de seis millones de habitantes, no exista un museo de arte contemporáneo, ni cómo no exista una buena escuela de artes. El presupuesto que se le destina a cultura en Jalisco es de risa, y me refiero tanto a dinero público como a dinero privado. A decir verdad, es un verdadero milagro que subsistan los museos, las galerías y, sobre todo, los artistas.

Marx, Engels y la pared (detalle), 2008, libro, ladrillos

Siete. Recomiéndanos un libro.

Bartleby, el escribiente, de Melville. Corto, preciso, atemporal.

—Un propósito para el año que viene.

No me gustan los propósitos, pero que tal esto: “All poetry is experimental poetry”. Wallace Stevens.

Jorge Méndez Blake

Por Beatriz Bastarrica

“Cuando alguien toma cincuenta botes de sopa Campbell

y los lleva al lienzo, no nos interesa el punto de vista óptico.

Lo que nos interesa es el concepto que pretende llevar

al lienzo con cincuenta botes de sopa Campbell.”

Marcel Duchamp

La figura de Andy Warhol existe en un universo ambiguo: glamour, trivialidad, oscuridad y clarividencia conviven en su obra en un equilibrio que acaba por ser precario por la constante tendencia por parte de los medios a banalizar una propuesta que el propio artista quiso hacer llegar hasta su público disfrazada de todos esos adjetivos que le restaban, aparentemente, importancia y calado intelectual.

“Soy una persona profundamente superficial”, llegó a decir Warhol en algún momento. Lo mismo, sospecho, quería que se pensara de su obra. Por supuesto, ni lo uno ni lo otro resultarían ser del todo verdad.

Andy Warhol sólo pintó a Jackie Kennedy cuando su esposo ya había fallecido, a Marilyn Monroe cuando ella misma ya estaba muerta…

Pintó decenas de latas de sopa Campbell, asépticas, brillantes, y otras tantas decenas de botellas de coca-cola. Pintó flores con números para ser coloreadas, sillas eléctricas para ser colgadas en las paredes de lujosos salones; pintó a los más buscados por el FBI; billetes de dólar y accidentes automovilísticos…

Y a todos los incluyó en la misma triste y sórdida categoría: la de objetos de la sociedad de consumo. Para Warhol, la Monroe era un producto a consumir –con la vista y el oído– igual que un refresco se consume por la boca.

Warhol comenzó su andadura profesional en Nueva York al inicio de la década de los años 60, una época en la que el Mercado –lo escribo con mayúsculas porque por primera vez en la historia dicho mercado iba a ocupar el lugar que aún hoy ocupa– llevaba ya casi diez años siendo el rey.

Al calor de la aparición de más y más productos de consumo en la sociedad norteamericana, la mercadotecnia y la publicidad iban teniendo cada vez mayor importancia y por ende, más poder. Si algo aparecía en un espectacular o en la portada de una revista, ya era importante, ya era ese algo que todo el mundo deseaba. Las cosas sólo han ido a más hoy en día.

Warhol tomó como inspiración iconográfica todo esto. A fin de cuentas era su mundo, su entorno, igual que los mercados y las plazas de los pueblos lo fueron para Pieter Brueghel en el siglo XVI, por ejemplo.

Consumir = agotar. Ésa es la lógica de la economía de mercado y ésa era también la lógica según la cual operó la mente de Warhol casi toda su vida. Consumió amistades, marcas e ideas siempre desde el cinismo y la fina ironía –y en este sentido creo que es el más sólido heredero de Duchamp– pero también desde una desconcertante inocencia.

“Uno no creería cuanta gente cuelga un cuadro de la silla eléctrica en la habitación, sobre todo si el color del cuadro combina con el de las cortinas”, dice Warhol, con candor, a propósito de sus Desastres naranjas o plateados.

La sociedad te consume y al mismo tiempo tú la consumes a ella –y esto en la época del año en la que nos encontramos es más verdad que nunca–. Esta máxima Warhol la comprendería enseguida y la aprovecharía sin decoro, en una carrera contra sí mismo por alcanzar el estrellato, pero también en un juego intelectual que, no por oculto bajo tanta aparente trivialidad, es menos importante.

Cuando Warhol nos propone 100 latas de sopa Campbell, nos está obligando a pensar en cosas que aparentemente no tienen mucho que ver con esas latas: la sobresaturación de productos en la sociedad de consumo, la pérdida de la individualidad y la privacidad, la repetición banal, la desaparición del aura de los objetos por culpa precisamente de esta repetición…

Quienes ven en sus obras un simple y bello despliegue de marcas y logos, se pierden la parte más densa. El por qué de ese despliegue, le gustara o no a un hombre que por encima de todo siempre quiso ser rico y famoso, es el verdadero quid de la cuestión.

El por qué de elegir como modelo a una pobre actriz ya difunta es un buen punto de partida para dar con la esencia de la obra de Warhol. Esencia que resulta ser, desde mi punto de vista, nada más y nada menos que la muerte, algo que iría mejor con otra fiesta, la de los difuntos, que hace poco también hemos celebrado.

La muerte como agotamiento, como punto y final de la cadena de consumo, además de cómo proceso vital natural, acaba por convertirse en el eje rector de una obra gigante, engañosa y tremendamente fresca, además de muy lucrativa: hoy en día, las piezas de Warhol alcanzan precios astronómicos en las subastas de arte.

Supongo que si Andy levantara la cabeza de su tumba y viera todo esto, sonreiría encantado y musitaría un malicioso y cínico: ¡Feliz Navidad!.

Por Aldo Prieto

Para dar una idea general, se sabe que este cantautor porteño, uno de los más famosos y prolíficos que su país ha dado, tiene por ahí centenares de canciones guardadas, esperando ver la luz. Y según el ritmo al que ha “soltado” muchas de ellas en su portal de Internet últimamente, estamos seguros de que la anterior afirmación ya no es una hipérbole.

¿Cómo empezó esta vocación “desesperada”? Muy bien, retrocedamos unos 25 años, a cuando Argentina despertó de la pesadilla de la dictadura. Hasta ese momento los rockeros y muchos artistas eran reprimidos y quien se animaba a expresar cualquier tipo de rebeldía, era duramente castigado. Un poco antes de terminar dicho régimen de terror, surgió una banda llamada Los Abuelos de la nada, recordada de este lado del ecuador por no pocos treintañeros. Miguel Abuelo, uno de sus fundadores, invitó como miembro a Andrés, que ya mostraba dotes de guitarrista y tecladista. Ahí comenzó a componer y terminó creando varios de los temas más exitosos y que ayudaron a consolidar a dicha banda como una de las más emblemáticas del rock argentino. Sin embargo, hasta ese momento, el pibe no había encontrado todavía el rumbo que lo llevaría a ser la figura que es ahora.

Algunos nos preguntaremos por qué no conocemos tanto de él, o al menos por qué no lo hicimos mucho antes. Bueno, lo que pasa es que demoró un poco en ser profeta en alguna tierra. Después de la disolución de Los abuelos, editó un par de discos en solitario, pero no tuvieron éxito comercial, e incluso fueron una decepción, a pesar de contener colaboraciones de músicos como Charly García. Después las cosas mejoraron un poco: comenzó su labor de productor (Fabulosos Cadillacs, Enanitos Verdes) y al mismo tiempo fue uno de los cantantes en ser promovidos en la onda del rock en tu idioma a finales de los 80. De esa época es uno de sus mejores álbumes Nadie sale vivo de aquí. Pero con todo, el éxito seguía sin llegar.

Entonces junto con su amigo y colaborador Ariel Rot, toma la decisión de irse a España a probar suerte. Ese país fue catapulta artística y el comienzo de un extraño reinado en el exilio. Con Rot fundó Los Rodríguez, y comenzó no sólo a conquistar Iberia, sino a miles de seguidores de América Latina, incluida su tierra natal. Sin documentos, canción icónica de la banda, tuvo muchísimo éxito en Argentina, a raíz de su inclusión como tema en una película.

A partir de la colisión con el viejo mundo, se le abrió la puerta a estilos musicales muy diversos, que pronto serían explotados al máximo. Después de cinco años, regresa triunfante a Argentina, y graba Alta suciedad, que sería su disco mejor vendido y su consolidación como solista. Este disco contiene una canción con una frase que se volvería famosa: “fumarse un porrito”, lo cual provocó escándalo y hasta un juicio en su contra. Pero es que bien tenía ganada su fama de excesos a todo lo que daba un rock star. Poco después comenzó el desenfreno, pero ahora el creativo. Para el álbum Honestidad brutal de 1999 (por cierto inspirado y marcado por el dolor de una separación con su pareja), escogió 37 de entre 100 temas que tenía preparados. Guardemos las exclamaciones para cuando un año después editó El Salmón (de ahí su apodo), para el que tenía listas unas 500 canciones (!), de las cuales únicamente seleccionó 103 para este álbum de 5 cd’s, hito en la producción musical latina.

Rock de varios sabores, rumba, cumbia, ranchero, blues, funk, tango, reggae, y hasta graciosos boleros forman ya parte de su ramillete lírico y musical. Como un jugador de póker que tuviera todas las cartas en su poder. Se siente como si fueran varios Calamaros, cada uno con distintas influencias, pero en realidad es un sólo artesano fantástico. Sus canciones van desde la nostalgia y el dolor hasta una alegría irreverente, pasando por la rabia, el amor y delirantes letanías. Adora las menciones a la vida moderna y a lo ordinario, y es que dice cosas simplemente ciertas, de las que tal vez nadie se había percatado. Abraza lo que otros desdeñan y resulta mágico.

Ahora podemos apreciar a un Calamaro que homenajea sin reservas desde a The Beatles como a Armando Manzanero, pasando por Gardel y otros baluartes de la canción iberoamericana. Se rinde tributo incluso a sí mismo: el último disco en estudio, La lengua popular, contiene temas de varios estilos que recuerdan a anteriores etapas propias. Tuve la fortuna de estar en Argentina cuando salió a la venta y tal era el furor, que hasta un taxista llegó a comentármelo: “¿ya compró el último de Calamaro?”.

La desesperación por asimilar todo lo anterior será calmada con su próxima visita a México para dar conciertos, ¡por primera vez en toda su carrera! Vayamos a comprobar la calidad musical que motivó a Bob Dylan a invitarlo a participar en una de sus giras. Y a sentir la presencia de uno de los más valiosos activos fijos de la música popular en castellano. Que “El Salmón” juegue nuevamente con su público. Lo dejaremos ganar.

Por Beatriz Bastarrica

1955. Jeff Koons nace en York, Pensilvania, hijo de un decorador de interiores y de una ama de casa.

1977. Nueva York. El hijo del decorador de interiores, tras estudiar arte en Chicago durante tres años, trabaja vendiendo boletos de admisión en el MOMA. Cada mañana, los visitantes del museo se topan con él: chaleco floreado, sonrisa rotunda y una enorme flor de plástico inflable en la solapa del saco. En este momento Koons ya tiene muchos planes para su vida futura.

1991. Nueva York. El ya planetariamente conocido artista e hijo del decorador de interiores se disfraza de nuevo, esta vez para posar junto a una de sus obras: White Terrier, un cachorrito blanco impoluto de West Highland Terrier, hecho en porcelana. Lleva un traje azul de la década de los sesenta y su cabello está peinado con sumo cuidado, de lado.

A Jeff Koons le gusta disfrazarse. Forma parte constante de su forma de entender el arte. El cómo se tome esa costumbre, entre muchas otras, aquél que se enfrente a su obra, dictará el juicio final que se cree sobre ella. Porque cuando se trata de Koons, inevitablemente, siempre hay un juicio, una opinión. Por ejemplo, al inicio de su carrera de artista, Koons invirtió parte del dinero que había ganado como corredor de bolsa en Wall Street –otra de sus ocupaciones no directamente relacionadas con el arte– en fotografías-anuncio de autopromoción en las que aparecía en actitudes “exitosas” –rodeado de lujos extravagantes, o enseñando a un grupo de niños cómo triunfar en la vida– y que fueron publicadas en diferentes revistas de arte. Esta clase de publicidad es criticada por algunos como superficial, materialista y falsa. Por el contrario, otros piensan que es aguda y meta-artística.

Las opiniones también se dividen a la hora de analizar series como Made in Heaven, que creó para celebrar su amor por la actriz porno italiana Cicciolina

–con la que acabaría casándose, más tarde divorciándose y finalmente, luchando en los tribunales por la custodia del hijo común, en una interminable batalla de más de 15 años–.

En esta serie de fotografías y esculturas, que se pudo ver por primera vez en la Bienal de Venecia de 1990, Koons, desnudo, aparece caracterizado como astro del sexo, en actitudes explícitas, pornográficas, con su amor del momento. Esta vez el disfraz es la desnudez. Y esa desnudez, por momentos resulta casi inocente, de vulnerable que se nos presenta el artista en cada una de las escenas. (La intención, declarada, del artista con esta serie, era eliminar el miedo, la vergüenza y la culpabilidad de la mente de quienes disfrutaran de las imágenes, todo ello por obra y gracia de la imbatible combinación amor-sexo.) Hubo críticos, sin embargo, que tacharon a Koons, a raíz de la presentación de la serie, de sensacionalista, y lo vieron como la encarnación de lo peor de la década de los 80, a la que ya creían finiquitada.

No todas las piezas de Jeff Koons implican su aparición con o sin algún disfraz. La mayor parte de los teóricos concuerda en que sus mejores obras son las tridimensionales, y dentro de esta categoría, muchas han resultado casi épicas en cuanto a su recepción por parte de la sociedad. Sucedió, por ejemplo, con la gigantesca Puppy, un cachorro de terrier de más de diez metros de alto compuesto por una estructura metálica recubierta totalmente por plantas y flores de distintos colores que pudo verse primero en Alemania, más tarde en Australia y finalmente, a las puertas del museo Guggenheim de Bilbao.

Las reacciones frente a esta pieza fueron sorprendentemente similares tanto en círculos especializados como por parte del público no experto. (Un amigo, artista y profesor de arte, asevera, en mi opinión muy acertadamente, que la importancia de Puppy radica en que volvió a conectar, a lo grande, al arte con la sociedad, después de muchas décadas de aislamiento del uno con la otra). La gente, aún hoy, acude en masa a contemplar al cachorro gigante, a disfrutar de su presencia demoledora.

Analizando detenidamente todas estas acciones artísticas, es fácil darse cuenta de que, independientemente de que concuerde con nuestro gusto personal, la propuesta de Koons es coherente de una manera apabullante.

Una frase del propio artista podría resumir esta propuesta y a la vez, explicar el por qué de su coherencia: “Lo que quería y aún quiero, es ayudar a la gente a aceptar su propia historia, su propio bagaje cultural”.

Ahí está el quid, la esencia de la cuestión.

Los detractores de Koons lo tildan de vulgar –esculturas protagonizadas por Michael Jackson con su chango o por cochinitos acompañados de querubines, son ya clásicas en su producción–, de superficial, de elegir como materia de trabajo elementos de la cultura de masas que no se caracterizan precisamente por su valor intelectual intrínseco, para luego, además, no reflexionar sobre ellos con la debida profundidad. Él, se defiende argumentando que todas las manifestaciones culturales son válidas y que nadie debería avergonzarse de todo aquello que integra su cultura, sino que al contrario, deberían aceptarlo.

Eso es, ni más ni menos, lo que él mismo hace al celebrar su sexualidad con Cicciolina, o al crear toda una serie de esculturas que reproducen a gran escala los juguetes preferidos del hijo, cuya custodia nunca consiguió: aceptarse, vivir con un júbilo casi pueril, jugar despreocupadamente con los elementos que conforman su mundo. Si el espectador se cree toda esta filosofía o no, es ya otro asunto.

Por Gerardo Lammers

Uno. ¿Cómo supiste que te dedicarías al arte?

Nunca lo supe de manera contundente, por lo tanto me es un poco difícil contestar. Podría decir que se trató de un proceso muy largo en el que se mezclan fantasías infantiles y pequeños pero importantes hechos anteriores a mi decisión de estudiar arte, lo cual fue una de las cosas más relevantes en mi toma de consciencia.

Dos. ¿Qué artistas mexicanos e internacionales te interesan en este momento?

Daniel Lezama, Miguel Calderón, Daniel Guzmán, Thomas Hirschhorn, Martin Creed, Douglas Gordon y Neo Rauch.

Tres. ¿Cuáles podrías decir que son tus principales temas?

Considero que mi trabajo gira entorno a problemas humanos recurrentes y al conflicto que se surge cuando choca nuestra consciencia con lo real tangible: la esperanza, el desencanto, la pérdida, el estoicismo. Actualmente trabajo a partir de una fascinación por ciertos modelos que alcanzan una consciencia particular, como el asceta, el luchador revolucionario, el chamán, el terrorista, el monje, etc. Estos modelos comparten en su conjunto una visión utópica y trascendental en el terreno de lo social o espiritual; y en su yuxtaposición enfatizan nuestra irremediable fragilidad.

Proyecto de Excavacion II,2008. Tinta china sobre papel. 17.5 x 21 cm

Cuatro. ¿Qué te aporta una ciudad como Guadalajara a tu quehacer?

Desde finales de los noventa he visto el gran esfuerzo que personas interesadas en el arte actual, han realizado para echar andar proyectos tan importantes como lo han sido Expoarte o el Museo de las Artes -bajo la dirección de Carlos Ashida-, la Casa Taller J. Clemente Orozco -que desgraciadamente funcionó muy poco tiempo-, Central de Arte, OPA, entre otros. Considero que todos ellos han sido esfuerzos locales que abonaron fuertemente al desarrollo de la generación de artistas de la que formo parte.
Por otro lado, Guadalajara es una ciudad carente de crítica especializada, y los esfuerzos relevantes en los espacios institucionales reservados al arte, son contados.

Puente, 2008. Lápiz de color sobre papel.70 x 90 cm

Cinco. Dime un comentario sobre el arte que se hace en la ciudad.

Vivimos en un contexto bastante relajado, donde se valoran ampliamente las capacidades creativas del individuo. Por ende tenemos una gran gama de propuestas, formas y maneras de entender y practicar el arte. Eso debe ser bueno.

Tonto Sabio,2008. Teclado electrónico activado por objetos varios. 90 x 40 x 20 cm

Seis. ¿Crees en la inspiración?

No. Creo en lo estimulante del enfrentamiento con lo que percibo como realidad.

Siete. ¿Te gusta el vino? y si es así, ¿tienes alguna preferencia por algún tipo de vino?

Soy un neófito en esos terrenos, pero disfruto mucho cuando tengo la oportunidad de tomar un buen vino tinto.

Hablar de ella me motiva a reflexionar sobre el género que enarbola, el pop latino. En primer lugar, es un gran negocio, al ser consumido con naturalidad por millones de hispanohablantes. Pero su calidad de ligero y banal hace que a menudo sea satanizado por los melómanos. Yo opino que los condenados no tienen tanto la culpa. El pop, tal como el café instantáneo, nos acompaña cuando no tenemos la calma de degustar productos más finos.

En este momento, pocos compositores mexicanos rivalizan con Julieta en la creación de hits pop (¡hola, Aleks Syntek!). Sin embargo, sus primeros dos discos, Aquí y Bueninvento eran de otra filosofía. Pulcramente producidos y de muy buena calidad, contienen canciones sentidas, introspectivas y a veces de una peculiar tristeza, tal como su imagen en aquellos días: una chava flaquita, de ojos hundidos, como desamparada. Confieso que hoy extraño en ella aquellas inflexiones, medio oscuras y ansiosas.

Pero un buen día, apareció en MTV luciendo sensual y con colores alegres, para promocionar Sí, su tercer disco, eminentemente dirigido a las masas. Tal vez extrañaba las multitudes que vivió en sus inicios, como tecladista de la banda de rock Tijuana No. ¿Cuál fue la fórmula de su éxito? Sustituyó tristeza con alegría, adicionó ingenuidad y elevó al cuadrado los versos sobre relaciones amorosas. Muchos fruncimos el ceño ante tal cambio. Pero definitivamente cautivó al público y desde entonces se le invitó a todas las fiestas: colaboraciones con otros cantantes, discos “homenaje”, conciertos masivos, shows de TV.

Con su último disco en estudio Limón y sal, siguió por el mismo rumbo y logró aún más popularidad (incluso en países como ¡Suiza!). Y es que esta vez se propuso decididamente a crear estribillos tan poderosos que dan miedo. Lo reconozco: no cualquiera entreteje versos simples con una melodía agradable y resulta tan atrayente. Difícil de creer, que alguien con esa frágil apariencia pueda lograr ese maquiavélico hipnotismo. Hace unos meses, después de un evento de la FIL en que participó, la conocí personalmente e intercambié unas palabras con ella (claro, con foto de por medio). Siempre fue tímida y evasiva y después, sentados alrededor de una mesa, casi no intercambió palabras ni con sus conocidos.

Julieta crea conversaciones sinceras con su música y es capaz de infundirnos sus melodías con facilidad, como si contara cuentos. Sabe navegar por muchos arroyos y el que ahora navegue por el más ancho, no le quita méritos (yo prefiero olvidar que cantó junto a Paulina Rubio). Buscará atraernos a su cauce una vez más, presentándose este 1 de agosto, en el teatro Diana de Guadalajara.

Por Aldo Prieto

Por Beatriz Bastarrica

En algún momento entre 1913 y 1914, el artista francés Marcel Duchamp realizó un acto aparentemente absurdo, pero que, a la postre, se convertiría en una metáfora insustituible para el arte de la segunda mitad del siglo XX.
Duchamp tomó tres pedazos de hilo blanco, cada uno de un metro de longitud, y los dejó caer suavemente sobre una tela oscura desde una altura de un metro.

Cada pedazo de hilo describió una delicada curva sobre la tela. Cada curva, traspasada a sendas y delgadas tablas de madera, se constituyó en una suerte de regleta. Las tres regletas acabarían por conformar un nuevo sistema métrico: el sistema métrico, inexacto, arbitrario, cóncavo y convexo y cargado de sorna, de Marcel Duchamp.

Trois Stoppages-Étalon

El azar –“azar en conserva” lo llamaría el propio Duchamp-, la ironía sobre la infalibilidad de la ciencia, el uso de materiales ajenos al universo tradicional del arte con la consiguiente desmitificación de este universo… todos estos elementos aparecen en la obra que resultó de este experimento: “Tres patrones zurcidos”. Con toda seguridad, la obra de arte más extraña producida ese año en occidente y una de las dos o tres más extravagantes de las dos primeras décadas del siglo pasado. Al respecto de Duchamp, dice Octavio Paz:

“(…) como todos los poquísimos hombres que se han atrevido a ser libres, Duchamp es un Clown. La libertad no es un saber sino aquello que está después del saber. (…) Los santos no ríen ni hacen reír, pero los sabios verdaderos no tienen otra misión que hacernos reír con sus pensamientos y hacernos pensar con sus juglarías”.

Varias décadas después, en 1966 y 1972, Octavio Paz publicaría un denso, intenso y por momentos desbocadamente poético texto, dedicado al análisis de las dos obras principales de Duchamp: El Gran Vidrio y Dados…, además de varios de sus ready-mades. El libro, titulado Apariencia desnuda. La obra de Marcel Duchamp, y presentado en dos extensos capítulos, es una referencia a la vez ineludible y engañosa para cualquiera que se interese por la ruptura radical que supusieron los envites de Duchamp dentro del arte de su época.

Paz, desde la erudición, pero también desde la poesía, empatiza con Duchamp, desgaja cada uno de los elementos de El Gran Vidrio e, incluso, se aventura a desarrollar sus propias tesis sobre las implicaciones filosóficas y metafísicas de esa máquina de tormento sexual que aún hoy sigue siendo tema de estudio, conversación y por supuesto polémica. Prosigue Paz:

“La empresa era contradictoria por lo siguiente: ¿cómo intentar una pintura de ideas en un mundo que carece de ideas?”.

Duchamp siempre abogó por un arte de ideas más que de productos visuales, lo cual le llevaría al completo rechazo de lo que él llamaba “pintura retiniana”, o sea, aquella que se ocupa únicamente de engañar al ojo, sin proponer reflexiones y vericuetos conceptuales.

El Gran Vidrio, una de las obras más importantes y más crípticas del artista francés

¿Cómo intentar una pintura de ideas en un mundo que carece de ideas?, se pregunta un casi pesimista Paz llegado a un determinado punto de su reflexión. La solución que propone Duchamp a este dilema es sencilla: tomando como material de trabajo la única idea que sobrevive en el mundo. El erotismo. El erotismo que funge como punto de partida y llegada en casi todas sus piezas, y que, a la vez, construyó buena parte de la historia privada del artista.

“Para Duchamp el arte es un secreto y debe compartirse y transmitirse como un mensaje entre conspiradores”.

Un ruido secreto es otra de las enigmáticas piezas que produjo Marcel Duchamp. Un rollo de cuerda, en cuyo interior su amigo y mecenas Walter Arensberg introdujo varios pequeños objetos –de naturaleza desconocida para el artista–, y que fue sellado, en sus dos orificios, con otras dos placas metálicas sobre las que se inscribió un texto indescifrable.

Nos encontramos aquí ante otra de esas magníficas metáforas generosamente ofrecidas por Duchamp: el espectador debe “terminar” la obra –agitándola, intentando leerla o lo que quiera que requiera la pieza en turno– pero, a la vez, no debe albergar la esperanza de llegar a entenderla del todo.

Ese gran secreto del arte fue, quizás, uno de los acicates para el francés en sus idas y venidas, en sus abandonos –durante más de veinte años se dedicó casi exclusivamente no al arte, sino al ajedrez– y posteriores reenganches a la maquinaria artística.

Y ese secreto es bien custodiado por Paz, quien nos ofrece un texto contradictoriamente riguroso y subjetivo, descriptivo y poético, erudito y lleno de elucubraciones.

*Fragmentos tomados de Paz, Octavio, Apariencia desnuda. La obra de Marcel Duchamp, editorial Alianza Forma/Era.

Con ruido secreto

Por Aldo Prieto

Al escuchar en este momento una de las grabaciones de Bob Dylan, me surge una metafísica cuestión. ¿Ser leyenda, artífice y portento de la cultura musical de nuestros días, le valdrá al señor Dylan lo suficiente, como para no volverse loco precisamente por ser Bob Dylan? La extraña combinación de agridulce introspección, protesta, filosofía, rabia, y los mil colores de sus canciones, indudablemente sí han vuelto loco a más de alguno de los miles de músicos, trascendentes o no, que se han fascinado con sus sonidos.

Se dice fácil, pero Bob Dylan, primer disco grabado por un veinteañero Robert (lo de “Dylan” proviene de su admiración al poeta Dylan Thomas), fue grabado hace más de 45 años. Creo que el chiquillo que aprendió a tocar el piano de segunda mano de su no favorecida familia, nunca imaginó siquiera grabar un solo álbum, pero ya soñaba que iba a ser un héroe del rock, según él mismo escribió en sus memorias.

Vamos a ver: ante cualquiera que tenga menos de 40 años, su discografía se alza grandiosa, y hasta un poco inasible. Porque aquí los mayores alegan que se necesita haber crecido al mismo tiempo que Dylan para entender sus canciones desde aquel entorno y circunstancias. Pero no, ahora que las escucho, siento que siempre han estado ahí, y que las escribió “alguien” sólo porque debieron ser escritas. Y eso que crecí escuchando más a los que hicieron covers de sus ya clásicos temas. Y a los que le han hecho cientos de homenajes, y a los que han compuesto ya miles de himnos “a la Dylan”. Pero su icono sigue ahí, alérgico a la erosión, y al mismo tiempo deliciosamente añejo. Bono, de U2, dijo alguna vez que una de las razones por las que ama a Bob Dylan es porque realmente aparenta la edad que tiene.

¿Cuántos caminos debe recorrer un hombre para ser llamado hombre? Hablemos ahora de su segundo disco, que para la mayoría de los músicos representa una maldición. Resulta que The Freewheelin’ Bob Dylan es ahora uno de los más emblemáticos álbumes de la música popular del siglo xx, y de la historia del rock. Incalculable su valor, hasta del propio acetato en las subastas: desde 600 hasta más de 10 mil dólares, dependiendo de la edición y de las condiciones físicas. Ahora sí, los coleccionistas exclamarían “maldita sea”, y ahora yo también lo exclamo, porque estoy de nuevo embrujado ante este disco de poemas terrenalmente sublimes (¿o sublimemente terrenales?), cantados por un mal cantante (dicen que en sus inicios, lo despidieron de un bar en el que tocaba, porque su voz irritaba a la concurrencia), musicalizados con una sola guitarrita, y una armónica que quisiera despertarte a la realidad, pero no puede.

Y de ahí viene una treintena o más de álbumes, conteniendo un legado de ensueño (Lennon de nuevo se desesperaría), trayéndonos más enigmas, más arrullos, más furia, más irracionalidades. Más ruptura de sonidos y de métodos. Más arquetipos para nuestra conciencia colectiva: el tema “Like a Rolling Stone” está considerada por la revista Rolling Stone (aunque se oiga a pleonasmo) como primera en la lista de las mejores canciones de todos los tiempos.

El personaje se alimenta de sí mismo, y a veces es una autonegación, pero definitivamente es una rueda que no para de girar. Así ha transgredido. Trascendido y traspasado: del judaísmo al cristianismo, del héroe underground al divo, de lo privado a lo público. Incluso de lo ordinario a lo culto: ¡ha sido nominado varias veces al premio Nobel de Literatura!

Además, siempre ha sido pronunciado, nombrado, nunca olvidado. Ahora renovado. Su último álbum Modern Times (2006), que rápidamente escaló al número 1 en las listas, y la comentada película I’m not there (2007), donde Cate Blanchett representa a un Dylan femenino, hacen que esté de nuevo presente. Y qué decir de su actual gira por Latinoamérica, que desde que fue anunciada, ha causado grata sorpresa y un dejo de incredulidad, de asombro. Su cercanía ya eriza desde ahora los cabellos. Así que va a ser obligada la asistencia a esos recitales, so pena de un reproche eterno de parte de nuestros hijos.

Termino con una cita del susodicho: “Nadie es libre. Hasta los pájaros están encadenados al cielo”. Uy, señor Dylan… yo sólo le pido que siga haciendo todo lo que hace freewheelin’, con las ruedas libres, a su antojo.

Guadalajara, Auditorio Telmex, 2 marzo, 20:30 hrs

Por Beatriz Bastarrica

Tengo dos imágenes ante mí: en una, un muchacho de rasgos orientales duerme —o quizás medita con los ojos cerrados— en compañía de un imponente leopardo, con quien parece coexistir pacíficamente, en dulce armonía. Se apoya en él.

En la otra, una gran caja transparente alberga el cadáver de un ternero conservado de forma exquisita. Al aproximarnos a la vitrina por uno de los costados, el cuerpo parece intacto, pero desde el lado contrario, puede observarse que ha sido abierto en canal, de manera que los órganos del animal han quedado pulcramente al descubierto.

El nombre de Gregory Colbert, autor de la primera de las imágenes, aunque aún no mediáticamente disperso por todo el globo, es cada vez más conocido. Desde enero de este año su muestra itinerante de fotografías y videos titulada “Ashes and Snow” ocupa el Zócalo de la ciudad de México. Miles de personas han acudido a visitarla, no sólo ahí, sino en todas las ciudades del planeta por las que ya ha pasado.

Su proyecto cuenta también con una página web —patrocinada, por cierto, por una conocida marca de relojes de lujo—, en la que el autor, que reunió y sigue reuniendo las fotografías y películas que integran la exposición durante sus viajes por lugares exóticos de todo el mundo, señala: “(…) con mi trabajo busco redescubrir esa tierra común que una vez existió cuando las personas vivían en armonía con los animales. Las imágenes muestran un mundo que no tiene ni principio ni fin, ni un aquí ni un allí, ni pasado ni presente.”

La vocación de Colbert se rebela, así, universal, panteísta, y casi mesiánica. Su visión forma parte de una corriente artística de fin de milenio que, siguiendo los pasos de creadores de antaño como Gauguin o Artaud, se afana en “espiritualizar” el mundo occidental a través de la documentación poética e idealista de culturas remotas que viven en estrecho contacto con la naturaleza. En esa línea, cintas como Baraka o Koyaanistqatsi explotan lo recóndito y nos hacen sentir parte de un universo complejo, fascinante, peligroso, sublime, pero sobre todo, lleno de amor. Un universo en el que este amor es una fuerza omnipotente.

¿Qué podría relacionar a este artista poético e idealista con el autor de la otra pieza?

Ese otro autor se llama Damien Hirst, artista británico que lleva un par de décadas en la más absoluta cresta de la ola mediática y que se nos aparece casi como la némesis de Colbert: sus piezas suelen girar alrededor de conceptos como la muerte, el dolor, la enfermedad y la pérdida, y son, frente a la paz espiritual propuesta por Colbert, una apología de la violencia. Contenida, sí; detenida, también; pero violencia al fin y al cabo. La violencia de la muerte, de los mataderos, de la sangre, de la descomposición, la violencia del fin de todo. Y también del sarcasmo, el implacable sarcasmo y humor negro presente en casi toda su obra.

Nacido en 1965 en un hogar modesto de Bristol y tras haber vivido una adolescencia conflictiva rayando en lo delictivo, en 1988 Damien Hirst —por entonces un estudiante de arte en el Goldsmith’s College de Londres— organizó una exposición colectiva que cambiaría su destino y el de todos quienes participaron de ella: “Freeze”. Surgida durante los últimos años del gobierno de Margaret Thatcher, “Freeze” encarnaba con absoluta precisión el clima de desencanto, desasosiego, malestar y frenesí mediático del régimen lidereado por la primer ministro. Haciendo gala de estrategias de producción artística bautizadas como “neo-conceptuales”, Hirst y sus secuaces se apoderaron no sólo de un sitial de honor en la escena académica del arte londinense, sino que hicieron su entrada triunfal a las primeras líneas de la cultura popular inglesa y mundial.

El resto es historia.

Pero volvamos al meollo de la cuestión, a la posible polarización entre las ideas y los productos visuales de ambos creadores.

Colbert y Hirst, Hirst y Colbert. Opuestos, diferentes, enfrentados… ¿o no?

¿Son realmente tan distintos? ¿Lo son en la forma, en el fondo, en ambas o en ninguna?

Veamos: Hirst es un claro apologista de la muerte, mientras que Colbert parece apostar por la vida, conseguida gracias a la armonía entre todos los seres —algo que Hirst, nihilista convencido, al menos hasta hace poco tiempo, rechaza.

Por otro lado, el elitismo de Hirst —sus obras se venden en cientos de miles de dólares, algunas en millones— y su necesidad casi patológica de polemizar, contrastan con el populismo de Colbert, cuya obra, cálida, conciliadora y pretendidamente poseedora de valores universales es capaz de arrastrar a miles de personas hasta el lugar donde se esté exhibiendo.

Y más: Hirst mancilla la integridad de la vida. Disecciona, viola, pervierte los cuerpos y luego los expone abiertos al público. Colbert, sin embargo, no toca ni un pelo de sus modelos. Su web se encarga de repetir en más de una ocasión que las fotos son producto de situaciones reales y que nadie resultó maltratado durante su realización.

Pero lo fascinante de todo esto es que también hay puntos de contacto. Y no son pocos. Por ejemplo —y más allá de la obvia coincidencia en el uso de animales—: por más que Colbert haga hincapié en lo contrario, sus imágenes están altamente manipuladas (¿o suelen ustedes ver con frecuencia a un leopardo, felino conocido por su ferocidad, durmiendo la siesta junto a un niño?), casi al mismo nivel que las de Hirst, quien somete a los cadáveres que utiliza a un complejo proceso de disección y conservación. Como en tantas otras propuestas artísticas, hay en la obra de ambos artistas un elevado nivel de artificiosidad. Recordemos que el arte no tiene por que retratar la realidad tal cual es. Con propiciar una reflexión sobre ésta, puede ser suficiente —y a veces, más que suficiente—. En el caso de estos dos artistas, esta reflexión circula por el canal de lo sublime, de todo aquello que nos subyuga y nos hace sentir pequeños. Ellos, ambos, fuerzan al límite sus composiciones y las ideas que éstas contienen para lograr dicho sentimiento arrollador, a la par de categoría estética.

Otras dos cualidades de “ambiente” aparecen en la obra de nuestros dos oponentes: el tiempo detenido y el silencio que de éste se deriva. Tanto Hirst como Colbert crean o recrean situaciones de bajo nivel narrativo, atemporales, en las que resulta difícil imaginar alguna clase de diálogo entre los protagonistas de las mismas. Todo parece quieto, incluso cuando se muestra alguna clase de movimiento. Esa es una efectiva estrategia para provocar en el espectador el sentimiento de lo universal. Ni Colbert ni Hirst la inventaron, pero desde luego sí saben utilizarla para su propio beneficio.

Porque lo que en realidad están haciendo ambos artistas es reflexionar —y moralizar, cada uno a su estilo— sobre dos temas universales e intrínsecamente unidos: la vida y la muerte. Los extremos se tocan. Aunque suene de perogrullo, al nacer, todos lo hacemos bajo la premisa de que algún día moriremos; al mismo tiempo, no se sabe de nadie que haya muerto sin antes haber vivido… Y quizás ésta sea la principal razón del éxito desmesurado de los dos creadores: ni una sola persona en este mundo puede permanecer totalmente indiferente ante algo que le pasa y le pasará. Con estos temas, imposible fallar.

Parece que fue ayer que el controvertido Michael sacó este disco, después de la borrachera de éxito que tuvo con Faith. Como que quiso deshacerse un poco de la imagen de astro del pop y mostrar lo buen músico que, después de todo, es.

El título del álbum nos sugiere que ni siquiera deseaba firmarlo con su nombre, pero él sabía que de todos modos MTV iba a transmitir Freedom ’90, aunque él no apareciera en el video. Aún así, es un muy buen disco, introspectivo y con tintes melancólicos. Por lo mismo ideales para aderezar una lluvia calma y claroscura. Se destacan para este efecto el bien logrado jazz-pop Cowboys and angels, Waiting for that day, Heal the pain (la cual me recuerda al Everything but the girl de aquellos años), y aún la famosa Praying for time. En fin, vale la pena rescatar en esta temporada este álbum medio perdido en los anales del pop, precisamente por alejarse un poco de ese género.

THE CURE
Disintegration, 1989

Un disco que nos indicó que los graciosos 80 estaban muriendo, no fue tan popular como su predecesor Kiss me, kiss me, kiss me, pero es que pocos esperaban el giro que dio The Cure con esta impecable producción. Tal como el nombre lo indica, hay algo de ruptura en este álbum (hasta se rumoraba la desintegración del grupo), y está sin duda marcado por una nostalgia oscura, pero con brillos insospechados. Qué mejor escenario que un día nublado y lluvioso para escuchar enterito este “viaje” (de esos que da pena que se acaben). Tal vez apartando un poquito los tracks que fueron los más tocados en aquellos días, y que parecía que para la radio eran los “más rescatables” (son buenos, pero yo creo que Robert Smith los incluyó para que la gente no se pusiera tan “down”). Al contrario, los mejores para mí son los que se programaron poco o nada, como Closedown, Prayers for rain seguida de la estupenda The same deep water as you (que hasta incluye la tormentita como fondo), y la fantástica Disintegration, que hacen de esta colección de temas un hipnotizante clásico del siglo pasado.

ETTA JAMES
At last!, 1961

La gran Etta James siempre desata en mí una ardiente melancolía al escuchar el tema homónimo de este álbum, sin duda mi favorito del género soul-blues. Junto a él, se incluyen otros temas ya clásicos del jazz, blues y R&B, muy bien conocidos para la generación de nuestros padres. A pesar de esa variedad, crean y mantienen una atmósfera que atrae memorias placenteras, y que va perfecto con ese tacto pretérito y nostálgico de la lluvia. Anything to say you’re mine, Trust in me, y A sunday kind of love, forman un camino por el que alguien enamorado podría transitar feliz de la vida. Y aunque se ve interrumpido por un par de cortes más chispeantes (pero buenísimos, como I just want to make Love to you), retoma la esencia con el ya mencionado mi preferido, y con Stormy weather (qué mejor manera de completar la alegoría lluviosa). No por nada esta colección ha recibido los más altos reconocimientos de los críticos y de los melómanos en general, por lo que extiendo una invitación a empaparse con sus sonidos.

MARISA MONTE
Infinito Particular, 2006

Después de una larga espera, Marisa Monte volvió a colmar nuestros sentidos con un par de álbumes que sacó al mismo tiempo, uno de sambas (Universo ao meu redor), que resultó más abierto y popular, y este otro que es más suave e íntimo. Razón por la cual se antoja ideal para escuchar con una lluvia fina, de esas que no se acaban. Vale la pena clavarse en las letras inteligentes, apaciguantes, poéticas y de una ingenua belleza. La mayor parte de esta liricidad fue lograda en coautoría con sus amigos (y cómplices en Tribalistas) Carlinhos Brown, Arnaldo Antunes y otros afortunados congéneres como Seu Jorge. Se destaca el tema que da nombre al álbum, con el que Marisa abrió los shows de su pasada gira, marcando lo intimista y elegante del show; otros que aconsejo guardar son el ya obligado en su repertorio Vilarejo, A primeira pedra (para recordar el estilo de la Marisa en su primera época), y una melancólica y con acordes muy brasileños Quem foi.

LAS PELOTAS
Esperando el milagro, 2003

De muy fino pop rock, esta banda ya emblemática allá en las pampas argentinas nos trajo estas canciones que sorprenden como una lluvia intempestiva. La energía más pura del rock se hace presente con una orquestación bastante sólida y de mucho oficio (como en los cortes Tomas x y Día Feliz), y luego en momentos amaina con una sentida letra y elegantes arreglos (Abejas). Este disco tiene muy buena cohesión y un alto nivel de calidad musical, y aún así se permite estribillos y riffs pegajosos (Será, Mareada). Se ve que todo en este álbum fue cuidadosamente trabajado, incluso el original arte del empaque (una ventanita recortada que deja ver los dibujos de las hojas internas, y un cenicero con colillas impreso en el disco). Y la manera de cantar de Alejandro Skol, suave pero contundente, es de la cadencia ideal para esta pluvial temporada. Ojalá tuviéramos este grupo visitando pronto nuestro país, pero mientras, lo podemos tener en nuestras colecciones musicales.

ÁSTOR PIAZZOLA
Piazzola en el Regina, 1970 (ed. 1994)

Nada más melodramático y nostálgico que un tango. Como un día lluvioso, con un coñac y un tabaco. Y nadie como Piazzola para imprimirle al tango su elegancia y su grandeza. Este maravilloso concierto, grabado en el famoso teatro Regina de Buenos Aires, es especial en muchos aspectos: por ser de los pocos conciertos suyos que contiene completas Las cuatro Estaciones Porteñas; por tener una interesante introducción hablada, del propio Piazzola; por ser una grabación difícil de conseguir. Pero no difícil de apreciar, pues lo que consigue este quinteto de virtuosos, es realmente un completo deleite musical. Son de resaltar las aclamadas piezas Invierno porteño y Verano porteño. Es prácticamente imposible no emocionarse ante esas melodías y arreglos geniales, y ante ese sentimiento plasmado en vaivenes entre calma y tempestuosidad. También quisiera subrayar Buenos Aires hora cero, y otras dos en las que el público se desbordó en aplausos: Revolucionario y Kicho. Se le extraña, maestro Piazzola, y con esta lluvia, aún más.

Por Beatriz Bastarrica

Con todo, con todos, desde el todo. Latinoamérica, gente, movimiento. La epopeya de Helio Oiticica y Francis Alÿs.

“Quiero extender el principio de apropiación a las cosas del mundo con las que me encuentro en las calles, en los terrenos baldíos, en los campos, en el mundo ambiente, en fin -cosas que no serían transportables, pero para las cuales yo llamaría al público a la participación – sería eso un golpe fatal al concepto de museo, galería de arte, etc. y al propio concepto de ‘exposición’-.”

Parangolé, 1964, Hélio Oiticica y Cuento de hadas, 1995, Francis Alÿs, Foto: Laureana Toledo

Éstas son palabras del artista brasileño Helio Oiticica (1937-1980), nieto de anarquista, co-fundador del movimiento neo-concreto, idealista impenitente y pensador complejo quien, durante las décadas de los 60 y 70 del pasado siglo, produjo un corpus artístico –piezas materiales, experiencias e ideas- que sólo desde hace unos años parece estar alcanzando el reconocimiento internacional que merece.

Oiticica se internó en las favelas y, a partir de ellas, propició, instigó, todo un mundo de “vivencias” –sus parangolés, capas de color con poemas escritos, se activan por medio del baile de quien las viste; sus bolides, trans-objetos compuestos de múltiples partes móviles que invitan al público a manipularlos para alcanzar su terminación; los penetrables, finalmente, surgen como estructuras para-arquitectónicas en las que el espectador debe introducirse físicamente, para convertirse, entonces, en actor-, instancias todas que tenían como uno de sus objetivos principales reestructurar la experiencia artística.

Bolide 2, 1963-1964, Hélio Oiticica

Un “estado de invención colectiva” es básicamente lo que Oiticica persiguió con su particular estrategia creativa. El arte ya no será mera contemplación pasiva. Las obras ya no permanecerán inertes, aisladas, detenidas. El color ya no será un medio, sino un fin, un ente autónomo y activo.

Bolide 10, 1965, Hélio Oiticica

Oiticica demanda la colaboración de todos, y se exige a sí mismo la inclusión de todos –todos los que importan-. Su bolide titulado “Cara de caballo” (1966) es, por ejemplo, una caja-homenaje a uno de los delincuentes más buscados en el Río de Janeiro de la época, a la sazón amigo personal del artista en la favela de Mangueira. Un pedazo de intrahistoria visceral, torcida y apasionante por su formidable sesgo personal.

“Quería, aquí,” dice, “homenajear  a lo que yo creo que es la revuelta social individual: ése que llamamos ‘bandido’. Esa clase de pensamiento es peligrosa pero muy necesaria para mí: hay un contraste, un carácter ambivalente, en el comportamiento del hombre marginal: más allá de una gran sensibilidad, subyace un carácter violento, y muchas veces, generalmente, el crimen es una suerte de búsqueda desesperada de la felicidad. Conocí a Cara de Caballo personalmente, y puedo decir que era mi amigo, pero para la sociedad era el enemigo público número uno, buscado por crímenes y asaltos audaces –Lo que me dejaba perplejo entonces era el contraste entre lo que conocía de él como amigo, como alguien con quien hablaba en un contexto de la vida diaria como haría con cualquier otra persona, y la imagen creada por la sociedad, o la forma en la que su comportamiento se desplegaba ante la sociedad.”

Y, de nuevo: “Quiero extender el principio de apropiación a las cosas del mundo…”.

Grand Nucleus, 1960, Hélio Oiticica

Año 1992, México Distrito Federal. Otro artista, éste originario de Bélgica pero residente desde hace ya algunos años en la ciudad de México, sale a pasear por las calles aledañas al Zócalo capitalino.

No va solo. De su mano derecha pende una cuerda. Atado al extremo de la cuerda, un objeto metálico con una forma que recuerda sintéticamente a un perro.

El hombre camina, aparentemente sin rumbo, durante un rato. Al final de su paseo, descubrimos que su macota de lata se ha ido progresivamente cubriendo de toda clase de pequeños objetos y desperdicios metálicos que, atraídos por el cuerpo imantado del “Collector” –sí, se trata de una obra de arte, y sí, ése es su nombre- se pegaron a él uno tras otro.

Colector, 1990-1992, Francis Alÿs, Foto: Ian Dryden

Francis Alÿs, creador de la pieza, nacido en Amberes en 1959 y cuya formación inicial fue en arquitectura e ingeniería, llegó a México en la década de los 80 y aquí se quedó.

Creador multidisciplinar –fotografía, video, dibujo, pintura, performance y escultura son áreas en las que trabaja habitualmente, a veces de manera simultánea dentro de la misma pieza-, su principal interés a lo largo de su carrera parece orbitar alrededor de ejes como las sustancias que componen el tejido social y material urbano, el movimiento, y las consecuencias  transformadoras, a nivel simbólico y también real,  del mismo.

Un punto de partida muy similar, en principio, al de Helio Oiticica.

A pesar del salto temporal y de su diferente origen, ambos artistas muestran una clara inclinación a escarbar entre los materiales, humanos y objetuales, que la ciudad tiene que ofrecerles. Una ciudad que es además, para sendos creadores, grande y subdesarrollada.

Si Oiticica le erige un altar a su amigo Cara de caballo, Alÿs, por su parte, “libera” siete pequeñas piezas escultóricas en el circuito de recogida de basuras del Distrito Federal, y espera pacientemente a que las “Siete vidas de la basura” tengan lugar y, así, alguna de estas piezas regrese, por medio de comerciantes callejeros por ejemplo, a sus manos.

Oiticica reutiliza gruesas y toscas telas de arpillera para sus capas danzantes –parangolés-; Alÿs recicla mantas de propaganda electoral para construir un refugio improvisado sobre los agujeros de ventilación del metro –“Vivienda para todos”, 1994-.

En la obra de los dos, la alianza entre cultura popular y arte culto alcanza, así, una dimensión superlativa, cargada, sobre todo en el caso de Oiticica, de tintes políticos que, no por sutiles, deben obviarse.

Sin dar lecciones, ambos nos recuerdan en qué mundo vivimos, más allá de las fantasías construidas por la industria del entretenimiento,  y más allá también de la propaganda ideológica.

Colector, 1990-1992, Francis Alÿs

Y luego está la cuestión del movimiento, básico para la existencia de las piezas de uno y otro: Alÿs recorre las calles empujando un bloque de hielo hasta que éste se deshace, quedando sólo como residuo de la pieza un apenas perceptible rastro de humedad –“Paradoja de la praxis.1”, 1997-; Oiticica “obliga” a su público a rodear completamente sus piezas para poder observarlas bien –“Nucleus NC1”, 1960- o incluso a entrar en ellas físicamente –Grand Nucleus. 1960- a fin, no ya de contemplarlas, sino de vivirlas.

Alÿs filma a todo un batallón de barrenderos luchando por mover una gigantesca montaña de basura; Oiticica pone a bailar a cuantos quieran participar en la experiencia  artística “instigada” por él.

Este último detalle, sin embargo, conduce al descubrimiento de lo que yo considero que es, finalmente, uno de los principales puntos en que las trayectorias de ambos artistas divergen.

Y es que mientras que Oiticica utiliza el movimiento como una manera de propiciar una suerte de catarsis social que ayude a expandir los límites del arte, Alÿs parece más interesado en el movimiento como ente autónomo y preexistente a su propia propuesta, como un fenómeno digno de ser estudiado, ya sea que simbolice otra cosa, que sea la materialización de algún proceso social,  o que simplemente provoque cambios físicos dignos de su interés.

Paradojas de la praxis 1, 1997, Francis Alÿs

Imagina que ves desde la ventana cómo el mástil de una bandera gigantesca, en mitad de una plaza, se convierte, por obra y gracia del movimiento solar, en un enorme reloj bajo cuya sombra, imperceptiblemente móvil se refugian diferentes personas a lo largo del día.

Luego imagina el sonido de una samba; imagínate a ti mismo vestido con una capa anaranjada y amarilla, presa del ritmo, observado por otros que también bailan; sudoroso, concentrado en el baile, sintiéndote el núcleo de lo que sucede.

Y luego, decide dónde prefieres estar.

Hélio Oiticica y Francis Alÿs

Por Gerardo Lammers

UNO. ¿Qué te aportó la carrera de arquitectura en tu formación como artista?

Puede ser que haya influido en mi percepción o mi relación con el espacio construido, y seguramente en el manejo de algunas herramientas que después he usado para producir piezas.

DOS. ¿Cuáles podrías decir que son tus temas como artista?

La música, el diseño, la decoración, la historia del arte, la pornografía.  Un tema o preocupación constante es el de la importancia de los eventos o productos culturales del pasado -lejano o cercano- respecto al arte, si es que el interés histórico de un objeto, evento o proceso, puede justificar la creación de una obra de arte. O a la inversa, si  el hecho de producir arte utilizando sujetos del pasado histórico es pertinente en nuestros días.

“Gog y Magog”, fibra de vidrio, 2006

TRES. ¿Qué artistas te atraían en los inicios de tu carrera?

Matisse, Hockney, Mantenga. Luego Duchamp, Beuys.

CUATRO. Dime dos o tres artistas -nacionales o internacionales- a los que sigas con especial interés en esta temporada.

Carlos Amorales, Yutaka Sone, Wim Delvoye.

CINCO. Háblame de las afinidades y diferencias que tienes con otros artistas tapatíos, comenzando por tus colegas de OPA.

Afinidades: el gusto por la producción de un tipo de arte ocurrente, fácil, ligero; la ausencia -o aparente ausencia- de interés en las cuestiones políticas o sociales; una inclinación a dar preeminencia a la parte formal o estética.

Diferencias: la proyección lograda de nuestras respectivas carreras u obras; la atención desigual hacia lo que está siendo producido en este momento; la producción basada en el gusto personal vs. la basada en el gusto colectivo.

“Saint Germain en laye”, tapiz, 2005

SEIS. Me gustaría saber tu opinión sobre el arte que se está haciendo en Guadalajara.

Pues hay de todo, como en todos lados, claro. Pero afortunadamente ya se están haciendo cosas que están en sintonía -digamos- con el resto del mundo, con el arte actual de cualquier parte, cosa que hasta hace muy poco tiempo no sucedía, siendo como era la escena local (y sigue siendo pero ya no solamente), una aglomeración de pintores mediocres, autocomplacidos y aislados. Ahora hay cosas tan buenas como la que sea y en donde sea.

SIETE. ¿Qué tipo de vino prefieres y por qué?

El que mi novia escoja, porque siempre resultan ricos y yo no tengo la menor idea ni de tipos ni de calidades del vino.