Guadalajara, Jalisco. La FIL está en el Centro. Para festejar sus 25 años, la Feria Internacional del Libro ofrecerá un programa literario y artístico que, además de Expo Guadalajara, llegará a diversos espacios del Centro Histórico de la ciudad y sus alrededores. Artes visuales, música, cine, teatro y una noche de gala con Herta Müller, premio Nobel de Literatura, forman parte de un recorrido artístico por la ciudad que incluye una exposición de dibujo contemporáneo alemán en el Instituto Cultural Cabañas y una mañana literaria en el corazón del mercado de San Juan de Dios, donde los hermanos Benito Taibo y Paco Ignacio Taibo II charlarán con los locatarios y el público en general.

Alemania, Invitada de Honor de la 25 FIL Guadalajara,  ofrecerá diversas exposiciones en el Centro Histórico de Guadalajara. Todas a tiro de pie. En el Instituto Cultural Cabañas, edificio Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, se presentará la exposición Linie Line Línea, mientras que el Museo Regional de Guadalajara albergará Alemania principiantes. Unas cuadras más allá, el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara mostrará un acercamiento a la relación entre el diseño y el arte contemporáneo del país invitado de la Feria.

Frente al Museo de las Artes, en el Cineforo de la UdeG se programó el ciclo FILmALEMANIA, diez películas alemanas basadas en novelas, donde no faltan El tambor de hojalata, sobre la obra de Günther Grass, ni ¿Soy linda?, dirigida por la escritora y cineasta Doris Dörrie, quien estará presente en algunas proyecciones para conversar, al final, con los cinéfilos. El Paraninfo Enrique Díaz de León y el Teatro Degollado ofrecerán, por su parte, conciertos con integrantes de la Filarmónica Joven de Alemania, mientras que el Teatro Diana será sede de la noche de gala con la escritora Herta Müller y el actor mexicano Daniel Giménez Cacho

La oferta cultural de la 25 Feria Internacional del Libro de Guadalajara en el Centro Histórico se complementa con la exposición de monos y cartones políticos de Bulmaro Castellanos Loza, mejor conocido como Magú, quien este año recibirá el Homenaje La Catrina. El programa general de eventos de la FIL está disponible en la página www.fil.com.mx.

La FIL al Centro

Linie Line Línea: Dibujo contemporáneo alemán

• Instituto Cultural Cabañas
• Cabañas 8. Plaza Tapatía
• Inauguración: 24 de noviembre de 2011

Ecos de la FIL. Taibos en Libertad

• Mercado de San Juan de Dios
• Calzada Independencia y Javier Mina, Zona Centro
• Jueves 1 de diciembre, 11:00 horas

Los monos de Magú

• Galería Jorge Martínez de la Universidad de Guadalajara
• Belén e Independencia, Zona Centro
• Inauguración: viernes 2 de diciembre

Alemania para principiantes

• Museo Regional de Guadalajara
• Liceo 60, Zona Centro
• Inauguración: 25 de noviembre de 2011

Talentos sobresalientes. La Filarmónica Joven Alemana en concierto

• Teatro Degollado
• Belén s/n, entre Av. Hidalgo y Morelos, Zona Centro
• Miércoles 30 de noviembre, 21:00

Entre Bach y Márquez. Un viaje musical a través de los siglos

• Grupos de Cámara de la Filarmónica Joven Alemana
• Paraninfo Enrique Díaz de León
• Av. Juárez 975
• Jueves 1 de diciembre, 21:00

FILmALEMANIA: filmaciones alemanas de literatura

• Cineforo de la Universidad de Guadalajara
• Juárez y Enrique Díaz de León
• Del 26 de noviembre al 4 de diciembre

Come-in. El espacio interior como médium del arte contemporáneo en Alemania

• Museo de las Artes (MUSA)
• Av. Juárez 975, planta baja
• Inauguración: 25 de noviembre de 2011

RECORD AGAIN! < 40jahrevideokunst.de

• 40 años de videoarte alemán
• Museo Raúl Anguiano
• Av. Mariano Otero 375. Col. Moderna
• Inaugurada el 11 de noviembre de 2011

Mujeres flores, de Eunice Adorno

• Exposición fotográfica del Premio Nacional de Periodismo Cultural Fernando Benítez
• Casa Escorza
• Escorza 83
• Inauguración: 17 de noviembre

Noche de Gala con Herta Müller, premio Nobel de Literatura

• Teatro Diana
• Av. 16 de Septiembre 710
• Lunes 28 de noviembre, 21:00
• Participan: Herta Müller y Daniel Giménez Cacho

Consulte el programa general de eventos de la 25 FIL Guadalajara

El autor nos presenta una semblanza del vino húngaro de la mano con un poco de historia de Liszt, así como los detalles de los vinos que le rinden homenaje a propósito del bicentenario de su nacimiento.

Por Dr. József Kosárka

En este país que se enorgullece no solo de sus de grandes tradiciones vitivinícolas sino de similares musicales, en este pasado mes de octubre culminan los eventos de conmemoración  del bicentenario de Ferenc (Franz) Liszt, una de las más grandes personalidades de la historia universal de la música clásica. (Nació el 22 de octubre de 1811 en Doborján/Raiding y murió el 31 de julio de 1886 en Bayreuth.) Entre sus más famosas composiciones se destaca  la serie de Rapsodías Húngaras a la que se dedica un jardin y una escultura en Guadalajara, Jalisco también (Justo Sierra, entre Nelson y Lincoln).

Durante el transcurso del presente año se han llevado a cabo – tanto dentro como fuera de sus fronteras nacionales – una serie de actividades culturales que principalmente han dado a conocer mejor sus obras clásicas, a través de conciertos con actuación de grandes interpretes, pero por medio de otros actos (exposiciones, talleres, conferencias) donde se ha podido familiarizar con una aproximación más amplia de los motivos del actuar humano de este célebre artista musical. Entre las diversas facetas que le caracterizaron tal vez sea interesante resaltar el papel del vino en sus lazos de amistad húngaros  y como  fuente  de inspiración para él también en su creatividad artística.

Liszt está considerado como uno de los representantes de la “música programática o música descriptiva” que tiene por objetivo representar en las obras musicales una imagen o un estado de ánimo. El aplicó por primera vez el término del “poema sinfónico” que busca la asociación entre distintas artes con la finalidad de mover más sentimientos o describir una escena mediante la música. Teniendo gran habilidad como intérprete, se hizo famoso como niño prodigio y posteriormente como virtuoso de recital de piano. En su época Liszt fue uno de los más aclamados pianistas del viejo continente. Sus actuaciones causaron gran sensación entre el público que solía acogerlas con entusiasmo ferviente. Según los recuerdos de testigos, fue tanto su personalidad como la forma de interpretar que elevaban el estado de ánimo de  los asistentes hasta un nivel de éxtasis completo. En varios casos, las mujeres de clase alta se peleaban por sus pañuelos de seda y guantes de terciopelo para guardarlas de reliquia.

Este multifacético músico húngaro pasó varios años en el extranjero (Viena, Paris, Roma, Weimar) pero hacía viajes con frecuencia a Budapest (donde en 1875  fundó la Academia Real Nacional Húngara de Música) y a localidades importantes de la provincia. Durante sus estancias en su país natal, cultivaba amistades con ilustres representantes de la clase alta, entre ellos con el barón Antal Augusz (1807-1878) quien residía en Szekszárd y tenía sus viñedos en los alrededores de esta ciudad. Al visitar a su buen amigo, por primera vez en 1846, le tocó degustar el vino de la casa que le impresionó de sobremanera y se hizo gran admirador de este tinto que posteriormente llegó a ser conocido como Bikavér (Sangre de Toro, pero no el que todos conocemos). Según la leyenda, esta fue la principal fuente de inspiración que le permitió la creación de las melodías de la Rapsodia Húngara No.8, dedicada a su anfitrión. En uno de sus viajes a Roma el compositor y pianista hizo llegar unas botellas de este “néctar sexardique” al Papa Pío IX quien acusó recibo de ellas con el siguiente comentario: “Mi ánimo integro y mi salud los mantienen únicamente éstas”. En otra ocasión él dijo públicamente: “Aprovecho cada oportunidad para elogiar la calidad insuperable de los vinos de Szekszárd”.

Viñedos Szekszárd

Actualmente la ciudad de Szekszárd es la capital de la provincia de Tolna, que se extiende a lo largo de las orillas del río Danubio en la parte sur-occidental del país. En los alrededores inmediatos e incluso dentro de la misma localidad de ricas tradiciones se encuentran los viñedos que vienen siendo cultivados durante siglos y actualmente cuentan una superficie de alrededor de dos mil cuatrocientas hectáreas en las que se producen unas 15 mil toneladas de uva por año. Este lugar fue habitado ya en la época romana bajo el nombre de Alisca y la vid fue introducida en aquel entonces pero posteriormente su cultivo se interrumpió por varios siglos. En un documento real húngaro de 1267 se hace mención de plantaciones de uva en esta zona y el origen del nombre de uno de sus mejores fundos también se remonta a aquellos tiempos. La historia moderna de sus vinos ha iniciado después de la ocupación otomana del país a los finales del siglo XVI cuando se inició el cultivo de la variedad Kadarka que posteriormente ha venido dominando en la región. El Bikavér sigue siendo el vino emblemático de la región vinícola de Szekszárd. Esto es un determinado tipo de tinto para cuya elaboración se permite  utilizar exclusivamente las uvas cultivadas dentro de ella. Se trata de uno de corte de tres cepas como mínimo, entre las cuales casi siempre están las Kadarka y Kékfrankos.

El vino “oficial” del bicentenario es un Kadarka de Szekszárd de 2008 de la bodega familiar Heimann que rinde homenaje al Maestro con la variedad emblemática de la región. –El exitoso bodeguero tiene sólo una hectárea de plantaciones de ella pero tiene el banco de genes de esta vid más grande del país.

La llegada de esta variedad a tierras húngaras se remonta al siglo XVI cuando los pueblos balcánicos –obligados a huir frente a la invasión otomana– la trajeron consigo y pronto los húngaros también la empezaron a cultivar. En los siglos posteriores se plantó en varias regiones, pero después de la epidemia filoxérica su cultivo se ha concentrado  ante todo en la Gran Llanura. Durante la época comunista, la prefirieron por su rendimiento alto y fue plantada en superficies extensas. En los años posteriores su cultivo decrecía paulatinamente y hoy en día se la cultiva sólo en unos centenares de hectáreas. La mayoría de los vinos comercializados en el mercado nacional son ligeros y presentan aromas y sabores especiados con notas de frutas rojas (cereza, frambuesa, frutilla, grosella).  Éstos acompañan bien los platos típicos húngaros como las sopas “gulyás” y de pescado (halászlé), el guiso (pörkölt) de cordero y los medallones de ternera con “lecsó” (ragú de pimentón, cebolla y tomate en salsa de paprika).  Algunas bodegas han lanzado también vinos más poderosos y complejos criados en barricas de roble nuevas que les aportan carga tánica bien refinada.

Con respecto al bicentenario, en la línea de productos de la bodega Baron Von Twickel de Szekszárd  la serie de  los vinos con la marca Liszt tiene una importancia aún más particular. Su Bikavér se elabora a base de cuatro variedades (Kadarka, Kékfrankos, Merlot y Cabernet Sauvignon) y es un acompañante ideal de la sopa de pescado a la paprika que es el plato típico de la zona.

La bodega Merfelsz de Szekszárd también rescata el recuerdo de la relación de Liszt con esta ciudad. Su línea de alta gama se llama Néctar Sexardique y tiene el tinto Musica Nobile en el cual se usan tres variedades (Merlot, Cabernet Franc, Zweigelt). Este vino va muy bien con un guiso picante de jabalí que se ofrece en varios de los restaurantes locales.  (La zona es rodeada de siembras y montes bajos que ofrecen el marco perfecto para la caza de este cerdo salvaje de carne muy magra de alto valor nutritivo y bajo valor energético.)

Al tomar tranquilamente cualquier de estos vinos uno puede ser más feliz mientras suena la magnífica obra del homenajeado “La Campanella” que llena el alma y espíritu como una vista al mar con un horizonte infinito.

Sobra decir que escuchar la interpretación de Oinos teniendo como escenario los viñedos del Valle de Guadalupe fue simplemente espectacular. Hoy recordamos con cariño a Eugenio y su amor por el Jazz y el vino, quien falleciera el pasado 8 de febrero de 2011.

Oinos – Música para beber vino (link a iTunes)

El Universal.– “Toussaint, nacido el 9 de octubre de 1954, inició su carrera a los 18 años, sin haber realizado estudios formales.

Es hasta 1974 cuando comienza a estudiar con Jorge Pérez Herrera y con Néstor Castañeda.

A finales de los años 70 viaja a Estados Unidos donde realiza estudios de orquestación, y en los años 80 trabajó con Paul Anka.

En esa misma década regresó a México y compuso música de cámara que ha sido interpretada por la Orquesta Sinfónica Nacional.

Además de su música de cámara, fue reconocido como pianista y compositor de jazz.”

Por Aldo Prieto

Parte de la modernidad sin lugar a dudas está definida por la incorporación de lo electrónico a nuestras vidas. Maravillosos artefactos y sistemas que pretenden hacernos la vida más fácil y llevadera, o más placentera. Éste es el caso de la música electrónica, que ya tiene un lugar destacado y sigue adquiriendo mayor relevancia en la actualidad. Algunos dicen que es fría e impersonal, y tal vez lo ha sido en muchas ocasiones. Pero de tiempo en tiempo llegan a escena bandas que demuestran lo contrario, tal como Massive Attack.

Fue en 1988, en Bristol, Inglaterra, cuando los dj Mushroom (Vowles), Daddy G (Marshall) y Del Naja –inicialmente famoso por su arte grafitti 3-D– formaron esta agrupación. Eminentemente hijos de la cultura urbana, ya tenían un camino recorrido en actos musicales masivos, en especial con el colectivo y sound system The Wild Bunch, cuyas energéticas presentaciones eran imperdibles en la escena underground británica de principios de los ochenta. Pero al integrar Massive Attack lograron un sonido diferente que sorprendió a los melómanos del mundo.

Con su primer lp Blue Lines (1991), aclamado por la crítica, acabaron de dar forma a un nuevo género que después se bautizaría como trip hop. Combinaron y le dieron un nuevo giro a estilos como el soul, reggae, dub y hip hop, con una producción e instrumentos electrónicos. Además, invitaron a excelentes vocalistas, como el veterano cantante de reggae Horace Andy, y a Shara Nelson, que aquí interpreta el ya clásico tema “Unfinished Sympathy” (clasificada con frecuencia entre las mejores canciones de la década de los noventa). El resultado fue una música de lenta cadencia, cálida y sensual, pero penetrante e intensa, la cual sedujo de inmediato a muchos. Massive Attack se fue rápidamente a la vanguardia, y muchas bandas abrazaron su estilo. Para comenzar, en su natal Bristol, pavimentaron el camino para sus famosos coterráneos Portishead y Tricky.

Para su segundo disco Protection (1994), la expectación era mucha ante el alto estándar que definieron con el primero. Algunos críticos fueron injustamente severos, pues es un álbum francamente admirable. La banda continuó por la misma línea, pero demostrando una evolución, en la que se destacan los finos y sofisticados arreglos. De nuevo con cantantes de primera categoría, como Tracey Thorn (de Everything But The Girl), cuya entrañable interpretación del tema que da título al disco es un verdadero placer auditivo. Un año después, curiosamente, todos los temas de este álbum fueron tomados por Mad Professor y remezclados magistralmente en un álbum que endosó junto con sus autores originales: No Protection.

Vale la pena hacer una pausa para hablar de su tercer lp llamado Mezzanine (1998). Alcanzó rápidamente el estatus de álbum de culto, y hasta su portada del escarabajo negro se volvió clásica. Esta singular música ejerce un extraño poder sobre los sentidos, al ser en momentos relajante, en otros tensionante, ansiosa u oscura, pero en definitiva logrando una conexión íntima con quien la escucha. El tema que abre, “Angel”, es sugestivo, misterioso y de gran poderío; su teatralidad lo ha hecho ideal para soundtracks de películas. Por otro lado, de dulzura sin igual es el ya épico tema “Teardrop”, cantado por la etérea voz de Liz Fraser (de Cocteau Twins). Después de esta producción, la banda se consolidó como una de las más importantes de la música electrónica en el mundo. Irónicamente, poco después de ello, Mushroom Vowles abandona el grupo por diferencias musicales con sus compañeros.

Aparte de la enorme influencia que ha ejercido en la música contemporánea, Massive Attack ha colaborado para muchos artistas, produciendo o remezclando sus temas. Por ejemplo, Madonna, Neneh Cherry, David Bowie, Sinéad O’Connor. Ésta última a su vez fue intérprete vocal en su cuarto álbum, 100th Window (2003), que aunque no fue tan trascendente como los anteriores, es también de fineza resaltable y sofisticada producción. En este álbum Daddy G ya no fue productor activo y se alejó de la banda durante cuatro años; Neil Davidge, que ya era su coproductor, se agregó como miembro. Así produjeron en 2005 un soundtrack para la película Danny the dog.

Estos ingleses también han demostrado ser activistas y defensores de causas sociales y políticas. Han sido galardonados muchas veces; el último fue el premio Ivor Novello por su trayectoria y contribución a la música británica.

sábado 20 de febrero

Autidorio Telmex, Guadalajara

lunes 22 de febrero

Auditorio Nacional, México DF

Lee una entrevista que le realizó el suplemento Ocio

por Kaliope Demerutis

¿Se imaginan el sabor del primer sorbo de un vino creado por un músico líder de una banda de rock crudo y duro en el estado de Arizona? Quizá no, pero seguro esta mezcla despertará la curiosidad en más de algún melómano o aficionado de la uva y sus caldos.

Y es que en el caso de Maynard James Keenan se rompen todos los clichés. No se trata de una famosa estrella producto del mainstream que comercialice su firma a una bodega para que ésta venda más ejemplares. Keenan es un activo músico y productor de vino, en una zona de Estados Unidos donde muchos apostarían que es imposible lograrlo.

Los avezados al rock ya sabrán de quién hablamos: del letrista y cantante de la banda estadounidense Tool, también miembro de A Perfect Circle, y creador del proyecto en solitario Puscifer.

Vamos por partes. Tool es considerada una banda medular de la década de los noventa. Aunque comenzaron como teloneros de grupos clave como Rage Against The Machine, los superaron y provocaron críticas que los describen como pieza esencial en la música contemporánea, tanto que el término de art metal se gestó para ellos, sobre todo después de la publicación de su álbum Aenima en 1996.

Maynard participó de manera paralela durante varios años con A Perfect Circle, agrupación nacida por iniciativa de Billy Howerdel, colaborador de Trent Reznor en Nine Inch Nails. Cuatro discos son el resultado de esa unión que hoy es un poco incierta debido a los compromisos prioritarios de sus integrantes, principalmente de Keenan, que se ha enfocado en su nuevo proyecto: Puscifer.

El nombre Puscifer surgió cuando Maynard armó una banda ficticia para la serie cómica Mr. Show, que derivó en la elaboración de una línea de ropa, y que después retomó hasta que en 2007 grabó su primera placa. Para él esta faceta es más un divertimento, donde mezcla motown y hip-hop, e invita a otros músicos a participar en ciertas piezas, como a Tim Alexander de Primus, o Tim Commerford y Brad Wilk de Audioslave.

Keenan actualmente es propietario de la bodega Caduceus Cellars, que pretende elaborar poco vino pero de buena calidad; y de Arizona Stronghold, asociado con Eric Glomski, donde producen en más cantidad.

El primer sorbo

Desde principios del decenio de los noventa este músico comenzó su camino en la vitivinicultura; el placer que encontraba en probar e incluir vinos en su menú cotidiano se tornó en una afición que lo llevó a plantar vid en su patio trasero sin un plan concreto, quizá siguiendo la línea de su bisabuelo y su tío, quienes fueron productores de vino en el norte de Italia y el sur de Francia, sin que las sucesoras generaciones continuaran con el negocio familiar.

Keenan compró a principios de 2000 un terreno en las áridas montañas de Arizona, y decidió fundar Caduceus Cellars. Entonces conoció al joven pero experimentado viticultor de Bodegas Page Springs, Eric Glomski, se acercó a él y se inició en el aprendizaje vinícola. Tiempo después se asociaron y fundaron otra bodega, Arizona Stronghold. Compraron alrededor de 30 hectáreas y elaboraron sus primeros vinos. Se les vendieron todos. Ahí comenzó la historia. Hoy son los mayores productores de uva para vino de Arizona; es decir, no sólo vinifican caldos, también surten de materia prima, pero ellos han optado por elaborar poco y con las mejores uvas de sus cosechas y de las de sus vecinos. Con Glomski produce alrededor de 5 000 cajas al año; mientras que en Caduceus sólo 1 200.

El frontman de Tool encontró en esta nueva actividad una forma de poner los pies en la tierra, cosa que la vida del rockstar no le permite.

Pero no caminó a tientas, se acercó a la Universidad de California en Davis, y solicitó asesoría: los llevó hasta el terreno donde estarían sus viñedos para que evaluaran la altura, la tierra y el clima. Y su dedicación dio frutos, porque sus vinos empezaron a darse a conocer, a venderse con éxito, incluso entre consumidores que ni se imaginaron quién los producía. Dos de sus ejemplares han recibido buenas calificaciones en la revista Wine Spectator, y otro de ellos la medalla de plata en el Jerry Mead New World Internacional Wine Competition.

Keenan lleva a la par sus dos carreras y aprovecha sus giras para probar los vinos de los lugares que la banda visita. Asegura que su entrada al mundo del vino no fue planeada, sólo se dejó llevar y descubrió que tenía cierto don: “De algún modo, es como componer música. Hay muchos niveles y matices qué descubrir”.

Sus vinos

Los viñedos que comparte Keenan con Glomski son los Arizona Stronghold. Se ubican al borde del este del valle de Sulfur Springs, cerca de Willcox Playa, en una pequeña área conocida como Kansas Settlement, a 1 300 metros sobre el nivel del mar. Los viñedos tienen 33 hectáreas. Los suelos son fangosos relativamente profundos y pedregosos. Producen vinos con uvas de sus viñedos, y también reciben fruta de otros viñedos de Arizona y California. Las parras más antiguas de estos viñedos –plantadas en 1983– pertenecen a las cepas cabernet sauvignon, merlot, riesling y sauvignon blanc, aunque también cultivan una amplia gama de variedades como petite sirah y syrah, malvasía blanca, sangiovese, pinot gris, chardonnay y viognier, entre otras.

Con Arizona Stronghold:

-Tazi 2008 (sauvignon blanc, chardonnay, riesling y malvasía)

-Nachise 2007 (syrah, grenache, petite sirah). Obtuvo la calificación de 89 en Wine Spectator

-Mangus 2007 (sangiovese, cabernet sauvignon, merlot, cabernet pfeffer y petite sirah)

-Dayden 2008 (grenache, sangiovese, zinfandel, syrah, cabernet sauvignon, mourvèdre y cabernet pfeffer)

Con Caduceus Cellars:

-Chupacabra 2006/2005

-Shinola 2006 (merlot, cabernet franc, cabernet sauvignon)

-Nagual de la Naga 2004 (cabernet, sangiovese)

-Nagual de la Naga 2005/2006 (cabernet sauvignon, franc y syrah). Recibió una puntuación de 88 en su añada 2005 en Wine Spectator

-Nagual de Judith 2007

-Nagual del Sensei 2005/2004 (cabernet, syrah con 18 meses en barrica de roble francés). 90 puntos en Wine Spectator y medalla de plata en el Jerry Mead New World Internacional Wine Competition en su añada 2005

-Primer Paso 2004 (syrah, sangiovese, Arizona malvasía blanca, merlot)

-Primer Paso 2005 (syrah con un toque de malvasía blanca y muscat)

-Sancha 2007

Arizona dreaming

Es notable la expansión de las bodegas en Estados Unidos. Ya no sólo California, Washington y Nueva York figuran en los mapas del vino en Norteamérica, sino también otros estados coquetean con éxito en esta industria, como Texas e Idaho, aunque no es una novedad de que existen muchos productores locales más pequeños distribuidos por todo el territorio, como salpicados por todo ese país. Arizona, ubicada al suroeste, sufre de condiciones climáticas dispares por su gran extensión y sus variaciones de altitud; sin embargo, aspira a ganarse un nombre y ya produce vinos aceptables: syrah, merlot, cabernet sauvignon y malvasía son las uvas que más se cosechan.

Bodegas como Javelina Leap, Alcantara Vineyards, Rancho Rosa y Echo Canyon empiezan a distribuirse fuera del estado. Sobre todo los elaborados en Sedona, en el norte, un área de gran altitud, con cambios dramáticos de temperatura y suelos volcánicos, comienzan a despuntar, aunque todavía muchos productores trabajan con uvas de California.

El documental

Ryan Page, productor y guionista alemán, y Christopher Pomerenke, cineasta estadounidense, quienes juntos produjeron los documentales Moog y The heart is a drum machine, ya anuncian el estreno de Blood into wine: The Arizona Stronghold, para marzo de 2010, donde recuperan la aventura de los socios Maynard James Keenan y Eric Glomski de cultivar vid en Arizona. Participan las actrices Milla Jovovich y Fairuza Balk.

“El modo en que hago música y el modo en que hago vino es muy similar”, dice Keenan. “Pienso que algunos de los mejores vinos del mundo son de regiones donde el vinicultor permite a la tierra expresarse. El vinicultor se aparta: trabaja con lo que tiene, permitiendo que el sol y la lluvia dirijan sus movimientos y que las uvas se conviertan en el vino que quieran ser. Es el mismo proceso que hacemos con la música. Permitimos que la música ocurra más que forzarla. Dejamos que las uvas hablen.”

Por su parte, Eric Glomski, comenta: “Arizona es mi casa y mis vinos son la expresión del lugar que llamo hogar. Hacer vinos ayuda a acercarse a la tierra. Mientras más la apreciemos, más aptos seremos para preservarla, protegerla e interactuar con ella en forma más positiva”.

Si quieres ver el tráiler del documental: haz click aquí.

Discografía elemental

Con Tool:

• Opiate (1992)
• Undertow (1993)
• Ænima (1996)
• Salival (2000)
• Lateralus (2001)
• 10.000 Days (2006)

Tema  “Stinkfist” de Tool.

Otros links:

• www.aperfectcircle.com
• www.toolband.com

Con un energético sonido saturado de bajo y batería han logrado seducir a hordas de fanáticos (muy jóvenes en su mayoría) que decidieron admirar (o descubrir) todo el glamour de los ochenta que este grupo rescató tanto en su imagen como en su estilo musical. De hecho, entretejieron sin miramientos sonidos de synthpop y rock ochentero que a nadie se le hubiera ocurrido mezclar. Después de un exitoso debut, un segundo álbum que salió avante a pesar de las críticas encontradas, y un disco de lados B y remixes, hace unos meses nos trajeron Day and Age, con más carácter y colorido que las anteriores entregas. Liderados por el famoso y estilizado Brandon Flowers, vienen a México (por segunda ocasión) a demostrarnos por qué son todo un suceso.

Noviembre 5

Auditorio Telmex de Guadalajara

Noviembre 8

Palacio de los Deportes del DF

Por Aldo Prieto

Moda rápida

Depeche Mode, que significa moda rápida o pasajera, ha resultado lo contrario: permanente, y ni siquiera moda, sino toda una institución de la música popular contemporánea. Predominantemente una mezcla de pop con electrónica, la producción de este grupo inglés ha tenido influencia en muchos músicos de varios géneros. Su historia ya es larga: 28 años y doce álbumes en estudio han pasado desde su primer LP Speak and Spell (1981). Dos o tres parteaguas han tenido en su trayectoria, con una evolución marcada y compleja, y por alguna misteriosa razón siguen sonando a sí mismos.

Dave Gahan, Andy Fletcher, Martin Gore, y los que abandonaron el proyecto, Alan Wilder y un fugaz pero determinante Vince Clarke (que después formaría Yazoo y Erasure), lograron una poderosa combinación de talento. En el inicio parecían ser sólo unos entusiastas chavos que habían logrado por accidente un par de éxitos bailables (como el famoso “Just can’t get enough”), y que lo más seguro no tenían mucho futuro. Incluso siete años después de eso, en un memorable concierto ante más de 60 mil personas en el Rose Bowl, de Pasadena, California, había algunos críticos que seguían dudando de su perdurabilidad (al considerarlos una llamarada efímera).

Los sintetizadores

Depeche empezó a fabricar su música sólo con sintetizadores, con los cuales supieron combinar sonidos para lograr un resultado bastante atractivo. Los primeros cuatro discos fueron más bien experimentales, en donde se debatían entre el pop y algo más oscuro del género industrial. La música era un poco plana entonces, pero poco a poco fue adquiriendo tridimensionalidad y después se agregaron también sonidos orgánicos. Los arreglos (la mayoría obra de Wilder) se hicieron cada vez más sofisticados, así como los nuevos aparatos que utilizaban. De esa época se desprenden excelentes temas como “Love in itself”, “Everything counts” e himnos pop como “People are people”.

Logrando el hechizo

Fue con Black Celebration (1986) que las canciones de Depeche se volvieron realmente hechizantes. Su música era una serie de capas yuxtapuestas de sonidos deslumbrantes, las letras de Gore eran cada vez mejores y la voz de Gahan cobraba cada vez más personalidad. Los temas eran también contagiosos, con lo cual cada vez se hacían más populares. Entonces sobrevino el tremendo Music for the Masses (1987), que sedujo a la juventud con canciones que ahora ya son clásicas de su género como “Strangelove”. De resaltar es su increíble manejo de crescendos y clímax, que parece fueran tocados por una gran orquesta (como en “Never let me down again”).

El concierto de Pasadena que mencioné fue grabado en esta época bajo el nombre de 101 (uno de los primeros discos compactos que yo compré), el cual causó furor y demostró que esa música en vivo es realmente emocionante: hoy día sigue haciendo delirar a gente que aún no había nacido cuando fue compuesta.

Violator, metamorfosis y renovación

Los noventa amanecieron con una imponente joya llamada Violator (1990). De instrumentación y arreglos perfectos, contiene composiciones realmente redondas: ritmos intensos y sensuales, con letras y melodías de asombrosa calidad, como “Halo” y “Enjoy the Silence”. Era difícil superar esa entrega, que los catapultó a lo más alto. Decidieron dejar pasar un tiempo y dar un giro hacia un estilo mucho más dramático y agresivo, con Songs of faith and devotion (1993). Fue en esa etapa cuando supimos algo igual de dramático en la vida personal del grupo (que siempre ha sido más bien reservada): Gahan tenía serios problemas de drogadicción que estuvieron a punto de llevarlo a la tumba. Por si fuera poco, Wilder decidió renunciar y la banda se tambaleó. Sin embargo, se recuperaron y volvieron para presentar un álbum favorito de muchos, Ultra (1997). Ahí combinaron toda la experiencia ganada y las incursiones en otros estilos para llegar a una madurez excepcional, al tiempo que se renovaron.

Manteniéndose en nuestro universo

La música de Depeche ha sido centrada mayormente en las emociones de la gente, y no en consignas. Tal vez eso les ha hecho resistir el paso del tiempo y conservarse en forma. Confieso que el antepenúltimo y penúltimo álbum casi no entraron en mis playlists, pero con ellos Depeche demostró que seguían en el candelero; en especial, con el estupendo Playing the Angel (2005), que por cierto nos trajo inolvidables conciertos a México.

Ahora vale la pena degustar a fondo su recién salido Sounds of the Universe, el cual calificaría de “retrofuturista” por sus interesantes contrastes. Como sabemos, Depeche Mode estará nuevamente en estas tierras como parte de su gira “Tour of the Universe”, para demostrarnos cómo se han mantenido casi 30 años hechizando a las masas.

Octubre 1

Arena VFG de Guadalajara

Octubre 3 y 4

Foro Sol del df

Por Aldo Prieto

The Black Ghosts

The Black Ghosts (2008)

Este álbum británico de un año de edad llama la atención por su fina producción. Comienza con un original tema “Some way through this”, de excelentes programaciones electrónicas y con un dramático arreglo de violines que le da un matiz especial. Contiene cortes indie muy bailables como “Anyway You choose” y “I Don’t know”, y se destaca la atractiva voz de Simon Lord (anterior vocalista del grupo Simian). Para disfrutar es “Until it comes again”, con una lenta y sabrosa cadencia rockera, aderezada de interesantes síncopas. “Full Moon” extrañamente recuerda los sesenta con sus vocales y adornos de guitarra acústica, y aparte una nostálgica letra. Un interesante tema es “Something new”, de sabor disco y que gira alrededor de repeticiones de teclado. Contiene también una colaboración de Damon Albarn (Blur) en el energético tema “Repetition Kills you” que también ya está siendo favorita en las pistas de baile. Y tal como dice la letra de la rítmica “Face”, hay que “encarar” sin reservas la música de este disco para apreciar las tendencias musicales actuales de la música pop.

Gustavo Cerati

Bocanada (1999)

Este fantástico álbum de Gustavo Cerati cumple ya diez años, y se sigue escuchando actual. Para mí es el mejor disco del argentino hasta la fecha, y se nota que puso todo su empeño en fabricar un álbum memorable. Contiene una buena dosis de electrónica y sampleos (como en “Tabú” y “Y si el humo está en foco…”), sin duda fruto de la colaboración de Flavius Etcheto. Ningún tema es de relleno, todos son excelentes, y de letras inteligentes como nos tiene acostumbrados Cerati desde sus tiempos en Soda Stereo. “Engaña”, “Bocanada” y “Beautiful” son suaves y elegantes; “Perdonar es divino” es de esas canciones que atrapan y perduran en la mente; “Paseo inmoral” es de un ritmo intenso y sensual. Se dio el lujo de producir “Verbo carne” con una orquesta sinfónica, y también incluyó un tema salpicado de ritmos e instrumentos muy sudamericanos: “Raíz”. Por si fuera poco, aquí surgió a la luz su más emblemático tema como solista, “Puente”, que siempre deja para el final de sus conciertos. Por lo tanto, resulta imprescindible este sofisticado viaje musical.

Caetano Veloso

Sem lenço, sem documento (1989)

Cumpliendo nada menos que 20 años, esta compilación sigue siendo apreciada como la mejor del divo brasileño. Esto de ningún modo quiere decir que Caetano lleve dos décadas sin buenas propuestas, pero aquí se conjuntan la mayoría de sus temas más clásicos. Del mítico álbum Caetano Veloso (1968) se toman varios cortes, como los famosos “Alegría, alegría”, “Soy loco por ti América” y la canción que es estandarte de todo un movimiento cultural “Tropicália”. “Lua de São Jorge”, que él suele tocar mucho en vivo, es una muestra su lirismo poético y “Sampa” (en ritmo de chorinho) dedicada a la ciudad de São Paulo, es ahora el himno de dicha metrópoli. La rara “Podres poderes” que mezcla protesta con un homenaje a famosos músicos brasileños, es de un alegre pop muy ochentero, tal como “Eclipse oculto”. Ésta última aunque no resalta mucho, gustó bastante en su tiempo en Brasil, por lo que uno se acerca a dicho país escuchándola. El romanticismo de “Você é linda”, y la bella melodía de “Qualquer coisa” describen mucho al atemporal Caetano. En fin, una colección básica para dar un vistazo general a este gran artista.

Por Kaliope Demerutis

Sueñe. Cierre los ojos e imagine que usted tiene un viñedo, que vive de producir vino en Italia, y que además es seguidor irredento de una estrella del rock & roll. Su sueño más grande es crear un caldo en honor a su respetado músico. La magia sería completa si el venerado en cuestión probara su vino y además afirmara que le gustó, y para cerrar con broche de oro, aceptara que su ejemplar embotellado porte su diseño y el nombre de uno de sus discos. Pues esta fantasía se volvió realidad para Antonio Terni.

Él es un italoargentino dueño de la Fattoria Le Terrazze (en Ancona, Italia), que pertenece a su familia desde 1882; copropietario de la bodega argentina Altos de Medrano. Apasionado seguidor del nacido en Minnesota, Premio Príncipe de Asturias en 2007, leyenda viviente del rock y el blues estadounidense: Robert Allen Zimmerman, mejor conocido como Bob Dylan.

Terni no se pierde ni un sólo concierto de Dylan en Europa, es tan obsesivo en asistir puntualmente a cada cita musical, que su presencia en los recitales de Bob quedó registrada en el documental del joven cineasta español Fernando Merinero, que siguió al cantautor en una gira por la península Ibérica, producido en 2006: un hombre maduro le lanza a Bob sombreros de piel de leopardo al escenario en pleno acto. Ese sujeto es Terni.

En una de esas visitas de Bob al Viejo Continente, Antonio se las arregló para enviarle algunas de sus botellas. Tiempo después el teléfono de Antonio Terni timbró; era el manager de Bob Dylan, quien le comunicó que estaban interesados en su vino. Terni, de 52 años, no podía creer lo que estaba escuchando, había seguido al músico desde que tenía quince años. Las botellas en cuestión eran su especialidad: el Rosso Conero, un caldo elaborado con uva montepulciano (75 por ciento) y merlot (25 por ciento). Lo nombró Visiones of J, en honor a “Visions of Johanna” del disco Blonde on Blonde (de 1966). Dylan notó el detalle. La intención del italoargentino con esta mezcla de cepas era reflejar el carácter del músico, según su percepción: “Angular, dificultoso e impredecible como el montelpuciano; generoso y amistoso como el merlot”.

En 2002 Bob Dylan se asoció con Terni para que una parte de su producción llevara el nombre uno de sus álbumes. Fueron cinco mil botellas las primeras en salir de esta unión: Planet Waves (título de su álbum de 1974).

Antonio elaboró el vino, Dylan le dio su nombre, e incluso diseñó la imagen: dos líneas blancas a manera de olas, sobre color azul. En la etiqueta posterior de la botella lucían las firmas de ambos, y se podía leer una pregunta salida de la pluma del compositor: “¿Qué es lo que empujó a dos tipos de las esquinas opuestas del mundo a poner sus nombres en una botella de vino tinto italiano? ¿Destino, coincidencia?”

Cada botella de Planet Waves costó un poco más de 50 euros, y se agotaron en menos de un mes, según su distribuidora británica.

El trabajo en común en la primera etapa sucedió a distancia, pasaron muchos meses antes de que los socios pudieran conocerse. Terni sigue trabajando en su profesión, posee 20 hectáreas y produce 90 mil botellas al año de la mano de su enólogo Attilio Pagli. Chaos, Rosso Conero Visions of J., Rosso Conero Sassi Neri, Chardonnay Le Cave, Rosso Conero Le Terrazze, Planet of Waves, son algunos de sus ejemplares. También editó el libro Viñas, bodegas & vinos de América del Sur en 2005, en la editorial Austral Spectator.

De noble cepa

En el grupo de los músicos y auténticos amantes del vino podemos contar a Sting, vocalista de la banda británica The Police; su gusto por el agua de vides lo llevó a adquirir 200 hectáreas en la región italiana de la Toscana, donde produce Roxanne Reserva, que ostenta en su etiqueta su fotografía. Otro músico inglés que elabora su vino, pero en Portugal, bajo la etiqueta de Vida Nova, es Cliff Richard, guitarrista y cantante, fundador de la banda The Drifters.

Cruzando el océano, la actriz y cantante de pop Olivia Newton John, también posee su línea de vinos australiana Koala Blue, y se encuentra activa desde 1983, enfocada en las cepas chardonnay y shiraz.

Otra rockero, pero en este caso, alemán, Peter Maffay, apadrinó los vinos ecológicos de Jaume de Puntiró de Santa María, Es Verger de Esporles, Can Feliu de Porreres y Can Majoral de Algaida, de la isla de Mallorca, en España. Maffay también es reconocido por su ferviente apoyo a la agricultura ecológica, y es propietario de la finca Can Llompart de Pollença donde cría cordero ecológico y otros cultivos naturales que promueve fervientemente en Europa.

Imagen que vende vino

En el otro bando, el de los famosos rocanroleros involucrados con el mundo del vino por motivos comerciales, son los Rolling Stones. “Sympathy for the Devil”, título de la popular pieza del grupo británico, fue el nombre que recibió una línea de dos vinos de postre en 2004, a manera de homenaje a los veteranos músicos. La canción escrita en 1968 por Mick Jagger, incluida en el álbum Beggars Banquet, inspiró la creación de los dos ice wines (de uvas cosechadas congeladas) elaborados, uno, con pinot noir, y el otro, con riesling, de Okanogan Valley, Canadá, en edición limitada. Además, la misma comercializadora californiana, Celebrity Cellars, produce Satisfaction, de Napa Valley, en un ensamblaje de uvas cabernet sauvignon, merlot, petit verdot, malbec y petite syrah; y otros destilados con su nombre en la etiqueta. La rentable idea de que algunos vinos lleven el nombre de las estrellas del mundo del rock y el pop, Celebrity Cellars no sólo la aprovecha con los Rolling Stones, también embotellan diferentes varietales con el nombre e imagen de famosos como Madonna, Kiss y Barba Streisand, por ejemplo. A través de su página web, permiten a sus compradores elegir primero el vino, y luego colocarle la etiqueta de su cantante o músico favorito. Muchos condenan esta práctica, ya que vuelve al vino un producto banal y comercializado, al punto en que el caldo pasa a segundo término.

Antes al rock, por prejuicio y por el hecho de que a muchos de sus intérpretes se les asociaba con los excesos e incluso con trágicos desenlaces por sobredosis, siempre se le relacionaba con las drogas; en estos tiempos en que las estrellas del género ya son producto de la gran industria, y su imagen es meticulosamente cuidada y maquillada por el glamour, ser rockero ya no es malo, ya su nombre también vende vino.

Kaliope Demerutis, editora del suplemento Ocio del diario Público-Milenio, es alumna de la Escuela Culinaria Internacional en la especialidad de Sommelier y en Iniciación Gastronómica.

Louis Prima

Jump, Jive an’ Wail: The Essential (2007)

Estupendo cantante no siempre reconocido como se debe, con su orquesta logró algunos de los temas más optimistas y felices del repertorio musical norteamericano.

Habiendo alcanzado su mayor popularidad en los años 40 y 50, en esta buena compilación se captura lo más selecto de su obra. Se disfrutan aquí diversos ritmos como tarantelas, jazz de Nueva Orleans, rock and roll temprano y swing. Hablando de swing, este disco contiene la famosísima Sing, sing, sing, que compuso Prima, y que Benny Goodman elevó a clásico de este género. Es prácticamente imposible no ponerse de buen humor al escuchar Jump, jive an’ wail, When you’re smiling y la versión original de Just a gigoló. Siempre con un entusiasmo salpicado de comicidad en sus interpretaciones, este hijo de italianos parecía siempre estar embriagado de alegría. Acompañado de su esposa la cantante Keely Smith en varios temas, aparece una fabulosa I’ve got you under my skin a ritmo de conga, y una rítmica y sensual That old black magic. ¡Júbilo total!

Los Fabulosos Cadillacs

La luz del ritmo (2008)

Las canciones de los Cadillacs han sido parte del soundtrack de las vidas de toda una generación. Hicieron mutis durante algunos años, y ahora regresan con sus bríos nunca perdidos. Sus últimas presentaciones en vivo fueron espectaculares y se nota en ellos mucho entusiasmo, así que este disco repicará mucho en el 2009, con sus alegres ritmos. Tiene cinco temas inéditos, pero también hicieron nuevas versiones de antiguos temas propios, lo que lograron muy dignamente y sin auto ofenderse, como les ha pasado a otras bandas. En especial la nueva traducción de Padre nuestro a cumbia villera, es de esos tracks que tocaremos varias veces seguidas por el placer huapachoso que nos trae. Muy buena también la nueva forma soulesca para Mal bicho y excelente El genio del dub aderezada con rap y electroniquita. De los cortes nuevos, resaltaré el que da nombre al álbum, un mambo-samba que nos pondrá a bailar; y El fin del amor, rock ska con tintes punk. ¡Vaya mezcla de sabores! Para rematar, trae dos covers, uno de los cuales es una tropicaloide Should I stay or should I go. En fin, un sincero y divertido retorno de una gran banda.

The B-52′s

Cosmic thing (1989)

Este alegre disco, el mayor éxito comercial de los B52′s, no sólo contiene temas felices por sí mismos, sino que además evoca la alegría de los tiempos estudiantiles para aquellos que nos tocó que saliera cuando vivíamos esa etapa. El grupo de Georgia nos trajo en este álbum temas muy fiesteros y energéticos como Love Shack (que nunca falla en la pista de baile) y Cosmic thing (con su gracioso grito de Shake your honeybuns!), que inmediatamente infectan de regocijo. Y también contiene canciones de un humor totalmente optimista, incluso si no se fija uno en la letra. Es el caso de Roam, una melodía feliz que pone de buenas, cuya fórmula por cierto se repitió en aquella colaboración de su cantante Kate Pierson con R.E.M. en Shiny happy people. A propósito, yo siento que la alegría de The B52′s se debe en gran parte a las agudas y chispeantes voces de Pierson y de Cindy Wilson, como se puede apreciar en Channel Z y Bushfire. Con Dry Country a pesar de su más calmado beat, se continúa con el mood de “¡me siento bien!”. Los invito a poner en su camino al trabajo este disco, y hasta el tráfico desaparecerá.

Novedad:

Sepulcro Bohemio

Cantos de misterio y muerte (2008)

A pesar del tétrico título, esta novedad de este grupo tapatío no es para ahuyentar a nadie. Incluso la introducción hablada del disco advierte que los fantasmas no necesariamente tienen que asustar. Son canciones de corte acústico con predominante guitarra, adornados elegantemente, por ejemplo con un chelo en la apaciguante Balada para un ahogado. La sobria instrumentación se conserva a lo largo del disco, como en Puerto del diablo. Las letras son honestas y poéticas, algunas a manera de cuento y la afinada voz de su cantante Erándini Aparicio tiene personalidad y logra interesantes matices. Camino a Santiago suena a trova sudamericana, y en la excelente Las moscas se divierten, se siente un carácter lúdico. El sabor rockero de Necromarcha le da un giro interesante e intenso al disco y lo folklórico mexicano de El son de la calavera completa una buena colección de temas en que definitivamente se logra la anunciada atmósfera misteriosa y sugestiva. Un disco para escucharse y disfrutarse.

Les valseuses

Les valseuses es un modismo francés que se usa para referirse a los testículos, comparándolos con bailarines de vals. Jean-Claude (Gérard Depardieu) y Pierrot son un par de amigos aventureros y despreocupados, que viven al día, con las oportunidades que se les presentan. Son una especie de hooligans alegres y descarados que vagan sin rumbo. Luego de asaltar a un empresario, los malandrines se quedan con su novia, una rubia muy desinhibida (Miou-Miou), pero para su sorpresa, ella resultará ser insensible sexualmente. Una comedia cínica y de humor negro, muy efectiva para arrancar carcajadas, que de entrada vale la pena, tan solo por ver a Gérard Depardieu muy joven haciendo travesuras y a Isabelle Huppert en uno de sus primeros papeles, como una quinceañera pecosa e inocente. El guionista y director Bertrand Blier tiene otras cintas como Mi hombre (1996), Demasiado bella para ti (1989) y Nuestra historia (1984).

Los dioses deben estar locos
The Gods Must Be Crazy
Director: Jamie Uys
Con: Marius Weyers, Sandra Prinsloo, N!xau, Louw Verwey, Michael Thys y Nic De Jager
109 min.
Botswana / Sudáfrica, 1980. Duración: 109 min.
A los habitantes de una aldea muy primitiva en el desierto de Kalahari, les cae del cielo una botella vacía de Coca Cola. Nunca habían visto algo semejante y tal regalo de los dioses pronto se convertirá en la manzana de la discordia entre los antes pacíficos lugareños. Entonces acuerdan mandar a Xi, uno de sus mejores hombres, hasta el fin del mundo, para que la regrese a las divinidades. En su odisea Xi se topará con personas muy raras, como una rubia occidental, de cuyo encuentro dice el narrador de la cinta: “Esa mañana, él vio la persona más fea con la que jamás se había topado. Era tan pálida como que se había restregado con ceniza, su pelo era horripilante, largo, fibroso y blanco, como si fuera muy anciana; era muy grande -a él le tomaría el día entero encontrar comida para alimentarla-.” Una de las películas más divertidas de la historia, que ganó el premio del público en el Festival de Montreal de 1983. El actor protagónico N!xau, en realidad nunca había tenido contacto con la civilización fuera de su aldea y recibió por su trabajo, un sueldo equivalente a tan sólo $300 dólares.

Delicatessen
Directores: Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet
Con: Dominique Pinon, Marie-Laure Dougnac, Karin Viard y Ticky Holgado.
Francia, 1991. Duración: 99 min.
En un mundo post apocalíptico, donde escasea la comida, un ex payaso errante llamado Louison (Dominique Pinon), que está triste, por la reciente muerte de su compañero, consigue milagrosamente hospedaje y trabajo en un pequeño edificio de departamentos. El lugar es controlado por el carnicero de la planta baja, quien en realidad trafica con carne humana. El talentoso recién llegado, despertará la esperanza de los hambrientos inquilinos del lugar, que sobreviven de pura suerte y en complicidad con su casero. Una comedia muy original y cargada de humor negro e imaginería visual, de los mismos directores de La ciudad de los niños perdidos (1995) y Amélie (2001).

Crimen perfecto
Director: Álex de la Iglesia
Con: Guillermo Toledo, Mónica Cervera, Luis Varela y Enrique Villén.
España / Italia, 2004. Duración: 105 min.
¿Existe el crimen perfecto? al parecer en el cine no, pero esta película no se preocupa  por responder esa pregunta. El protagonista es Rafael González, el encargado del departamento de damas de una tienda departamental, un tipo exitoso, elegante y mujeriego, quien compite por el puesto de jefe de planta de la tienda, contra el odioso jefe del departamento de caballeros. En palabras de Rafael González: “Bienvenidos a mi mundo, donde todo es perfecto… yo soy un hombre elegante que sólo pretende vivir en un mundo elegante ¿es pedir demasiado? La hembra quiere controlar, el hombre dominar… y sobre todo procrear… ¿hay algo más atractivo para una mujer que un hombre soltero? amo a las mujeres, a todas… bueno casi a todas…” Una divertida comedia negra, satírica y mordaz, del mismo director de 800 balas (2002), La comunidad (2000), Perdita Durango (1997) y El día de la bestia (1995).

Guía del viajero intergaláctico
The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy
Director: Garth Jennings
Con: Martin Freeman, Sam Rockwell, Mos Def, Zooey Deschanel y John Malkovich.
Estados Unidos / Gran Bretaña, 2005. Duración: 110 min.
“La Guía del Viajero Intergaláctico en su capítulo de amor, dice que es algo que se debe evitar a toda costa. Desafortunadamente, Arthur Dent nunca había leído la Guía del Viajero Intergaláctico.” Una mañana en su casa en Inglaterra, un tipo llamado Arthur Dent, se entera de que su propiedad está a punto de ser demolida para la construcción de una autopista. Pero este es sólo el principio de las malas noticias, pues su mejor amigo Ford (Mos Def), le confiesa que en realidad es un extraterrestre y todo el planeta Tierra está a punto de ser demolido también, por la construcción de una autopista intergaláctica. Con la ayuda de Ford, escaparán pidiendo aventón a una nave espacial, para iniciar una estrambótica aventura por el universo. Una comedia muy imaginativa, de humor negro y mordaz, que tardó más de 26 años en pre-producción y que se basa en un libro de Douglas Adams y en una serie radiofónica de la BBC.

Por Aldo Prieto

Para dar una idea general, se sabe que este cantautor porteño, uno de los más famosos y prolíficos que su país ha dado, tiene por ahí centenares de canciones guardadas, esperando ver la luz. Y según el ritmo al que ha “soltado” muchas de ellas en su portal de Internet últimamente, estamos seguros de que la anterior afirmación ya no es una hipérbole.

¿Cómo empezó esta vocación “desesperada”? Muy bien, retrocedamos unos 25 años, a cuando Argentina despertó de la pesadilla de la dictadura. Hasta ese momento los rockeros y muchos artistas eran reprimidos y quien se animaba a expresar cualquier tipo de rebeldía, era duramente castigado. Un poco antes de terminar dicho régimen de terror, surgió una banda llamada Los Abuelos de la nada, recordada de este lado del ecuador por no pocos treintañeros. Miguel Abuelo, uno de sus fundadores, invitó como miembro a Andrés, que ya mostraba dotes de guitarrista y tecladista. Ahí comenzó a componer y terminó creando varios de los temas más exitosos y que ayudaron a consolidar a dicha banda como una de las más emblemáticas del rock argentino. Sin embargo, hasta ese momento, el pibe no había encontrado todavía el rumbo que lo llevaría a ser la figura que es ahora.

Algunos nos preguntaremos por qué no conocemos tanto de él, o al menos por qué no lo hicimos mucho antes. Bueno, lo que pasa es que demoró un poco en ser profeta en alguna tierra. Después de la disolución de Los abuelos, editó un par de discos en solitario, pero no tuvieron éxito comercial, e incluso fueron una decepción, a pesar de contener colaboraciones de músicos como Charly García. Después las cosas mejoraron un poco: comenzó su labor de productor (Fabulosos Cadillacs, Enanitos Verdes) y al mismo tiempo fue uno de los cantantes en ser promovidos en la onda del rock en tu idioma a finales de los 80. De esa época es uno de sus mejores álbumes Nadie sale vivo de aquí. Pero con todo, el éxito seguía sin llegar.

Entonces junto con su amigo y colaborador Ariel Rot, toma la decisión de irse a España a probar suerte. Ese país fue catapulta artística y el comienzo de un extraño reinado en el exilio. Con Rot fundó Los Rodríguez, y comenzó no sólo a conquistar Iberia, sino a miles de seguidores de América Latina, incluida su tierra natal. Sin documentos, canción icónica de la banda, tuvo muchísimo éxito en Argentina, a raíz de su inclusión como tema en una película.

A partir de la colisión con el viejo mundo, se le abrió la puerta a estilos musicales muy diversos, que pronto serían explotados al máximo. Después de cinco años, regresa triunfante a Argentina, y graba Alta suciedad, que sería su disco mejor vendido y su consolidación como solista. Este disco contiene una canción con una frase que se volvería famosa: “fumarse un porrito”, lo cual provocó escándalo y hasta un juicio en su contra. Pero es que bien tenía ganada su fama de excesos a todo lo que daba un rock star. Poco después comenzó el desenfreno, pero ahora el creativo. Para el álbum Honestidad brutal de 1999 (por cierto inspirado y marcado por el dolor de una separación con su pareja), escogió 37 de entre 100 temas que tenía preparados. Guardemos las exclamaciones para cuando un año después editó El Salmón (de ahí su apodo), para el que tenía listas unas 500 canciones (!), de las cuales únicamente seleccionó 103 para este álbum de 5 cd’s, hito en la producción musical latina.

Rock de varios sabores, rumba, cumbia, ranchero, blues, funk, tango, reggae, y hasta graciosos boleros forman ya parte de su ramillete lírico y musical. Como un jugador de póker que tuviera todas las cartas en su poder. Se siente como si fueran varios Calamaros, cada uno con distintas influencias, pero en realidad es un sólo artesano fantástico. Sus canciones van desde la nostalgia y el dolor hasta una alegría irreverente, pasando por la rabia, el amor y delirantes letanías. Adora las menciones a la vida moderna y a lo ordinario, y es que dice cosas simplemente ciertas, de las que tal vez nadie se había percatado. Abraza lo que otros desdeñan y resulta mágico.

Ahora podemos apreciar a un Calamaro que homenajea sin reservas desde a The Beatles como a Armando Manzanero, pasando por Gardel y otros baluartes de la canción iberoamericana. Se rinde tributo incluso a sí mismo: el último disco en estudio, La lengua popular, contiene temas de varios estilos que recuerdan a anteriores etapas propias. Tuve la fortuna de estar en Argentina cuando salió a la venta y tal era el furor, que hasta un taxista llegó a comentármelo: “¿ya compró el último de Calamaro?”.

La desesperación por asimilar todo lo anterior será calmada con su próxima visita a México para dar conciertos, ¡por primera vez en toda su carrera! Vayamos a comprobar la calidad musical que motivó a Bob Dylan a invitarlo a participar en una de sus giras. Y a sentir la presencia de uno de los más valiosos activos fijos de la música popular en castellano. Que “El Salmón” juegue nuevamente con su público. Lo dejaremos ganar.

Hablar de ella me motiva a reflexionar sobre el género que enarbola, el pop latino. En primer lugar, es un gran negocio, al ser consumido con naturalidad por millones de hispanohablantes. Pero su calidad de ligero y banal hace que a menudo sea satanizado por los melómanos. Yo opino que los condenados no tienen tanto la culpa. El pop, tal como el café instantáneo, nos acompaña cuando no tenemos la calma de degustar productos más finos.

En este momento, pocos compositores mexicanos rivalizan con Julieta en la creación de hits pop (¡hola, Aleks Syntek!). Sin embargo, sus primeros dos discos, Aquí y Bueninvento eran de otra filosofía. Pulcramente producidos y de muy buena calidad, contienen canciones sentidas, introspectivas y a veces de una peculiar tristeza, tal como su imagen en aquellos días: una chava flaquita, de ojos hundidos, como desamparada. Confieso que hoy extraño en ella aquellas inflexiones, medio oscuras y ansiosas.

Pero un buen día, apareció en MTV luciendo sensual y con colores alegres, para promocionar Sí, su tercer disco, eminentemente dirigido a las masas. Tal vez extrañaba las multitudes que vivió en sus inicios, como tecladista de la banda de rock Tijuana No. ¿Cuál fue la fórmula de su éxito? Sustituyó tristeza con alegría, adicionó ingenuidad y elevó al cuadrado los versos sobre relaciones amorosas. Muchos fruncimos el ceño ante tal cambio. Pero definitivamente cautivó al público y desde entonces se le invitó a todas las fiestas: colaboraciones con otros cantantes, discos “homenaje”, conciertos masivos, shows de TV.

Con su último disco en estudio Limón y sal, siguió por el mismo rumbo y logró aún más popularidad (incluso en países como ¡Suiza!). Y es que esta vez se propuso decididamente a crear estribillos tan poderosos que dan miedo. Lo reconozco: no cualquiera entreteje versos simples con una melodía agradable y resulta tan atrayente. Difícil de creer, que alguien con esa frágil apariencia pueda lograr ese maquiavélico hipnotismo. Hace unos meses, después de un evento de la FIL en que participó, la conocí personalmente e intercambié unas palabras con ella (claro, con foto de por medio). Siempre fue tímida y evasiva y después, sentados alrededor de una mesa, casi no intercambió palabras ni con sus conocidos.

Julieta crea conversaciones sinceras con su música y es capaz de infundirnos sus melodías con facilidad, como si contara cuentos. Sabe navegar por muchos arroyos y el que ahora navegue por el más ancho, no le quita méritos (yo prefiero olvidar que cantó junto a Paulina Rubio). Buscará atraernos a su cauce una vez más, presentándose este 1 de agosto, en el teatro Diana de Guadalajara.

Por Aldo Prieto

Parece que fue ayer que el controvertido Michael sacó este disco, después de la borrachera de éxito que tuvo con Faith. Como que quiso deshacerse un poco de la imagen de astro del pop y mostrar lo buen músico que, después de todo, es.

El título del álbum nos sugiere que ni siquiera deseaba firmarlo con su nombre, pero él sabía que de todos modos MTV iba a transmitir Freedom ’90, aunque él no apareciera en el video. Aún así, es un muy buen disco, introspectivo y con tintes melancólicos. Por lo mismo ideales para aderezar una lluvia calma y claroscura. Se destacan para este efecto el bien logrado jazz-pop Cowboys and angels, Waiting for that day, Heal the pain (la cual me recuerda al Everything but the girl de aquellos años), y aún la famosa Praying for time. En fin, vale la pena rescatar en esta temporada este álbum medio perdido en los anales del pop, precisamente por alejarse un poco de ese género.

THE CURE
Disintegration, 1989

Un disco que nos indicó que los graciosos 80 estaban muriendo, no fue tan popular como su predecesor Kiss me, kiss me, kiss me, pero es que pocos esperaban el giro que dio The Cure con esta impecable producción. Tal como el nombre lo indica, hay algo de ruptura en este álbum (hasta se rumoraba la desintegración del grupo), y está sin duda marcado por una nostalgia oscura, pero con brillos insospechados. Qué mejor escenario que un día nublado y lluvioso para escuchar enterito este “viaje” (de esos que da pena que se acaben). Tal vez apartando un poquito los tracks que fueron los más tocados en aquellos días, y que parecía que para la radio eran los “más rescatables” (son buenos, pero yo creo que Robert Smith los incluyó para que la gente no se pusiera tan “down”). Al contrario, los mejores para mí son los que se programaron poco o nada, como Closedown, Prayers for rain seguida de la estupenda The same deep water as you (que hasta incluye la tormentita como fondo), y la fantástica Disintegration, que hacen de esta colección de temas un hipnotizante clásico del siglo pasado.

ETTA JAMES
At last!, 1961

La gran Etta James siempre desata en mí una ardiente melancolía al escuchar el tema homónimo de este álbum, sin duda mi favorito del género soul-blues. Junto a él, se incluyen otros temas ya clásicos del jazz, blues y R&B, muy bien conocidos para la generación de nuestros padres. A pesar de esa variedad, crean y mantienen una atmósfera que atrae memorias placenteras, y que va perfecto con ese tacto pretérito y nostálgico de la lluvia. Anything to say you’re mine, Trust in me, y A sunday kind of love, forman un camino por el que alguien enamorado podría transitar feliz de la vida. Y aunque se ve interrumpido por un par de cortes más chispeantes (pero buenísimos, como I just want to make Love to you), retoma la esencia con el ya mencionado mi preferido, y con Stormy weather (qué mejor manera de completar la alegoría lluviosa). No por nada esta colección ha recibido los más altos reconocimientos de los críticos y de los melómanos en general, por lo que extiendo una invitación a empaparse con sus sonidos.

MARISA MONTE
Infinito Particular, 2006

Después de una larga espera, Marisa Monte volvió a colmar nuestros sentidos con un par de álbumes que sacó al mismo tiempo, uno de sambas (Universo ao meu redor), que resultó más abierto y popular, y este otro que es más suave e íntimo. Razón por la cual se antoja ideal para escuchar con una lluvia fina, de esas que no se acaban. Vale la pena clavarse en las letras inteligentes, apaciguantes, poéticas y de una ingenua belleza. La mayor parte de esta liricidad fue lograda en coautoría con sus amigos (y cómplices en Tribalistas) Carlinhos Brown, Arnaldo Antunes y otros afortunados congéneres como Seu Jorge. Se destaca el tema que da nombre al álbum, con el que Marisa abrió los shows de su pasada gira, marcando lo intimista y elegante del show; otros que aconsejo guardar son el ya obligado en su repertorio Vilarejo, A primeira pedra (para recordar el estilo de la Marisa en su primera época), y una melancólica y con acordes muy brasileños Quem foi.

LAS PELOTAS
Esperando el milagro, 2003

De muy fino pop rock, esta banda ya emblemática allá en las pampas argentinas nos trajo estas canciones que sorprenden como una lluvia intempestiva. La energía más pura del rock se hace presente con una orquestación bastante sólida y de mucho oficio (como en los cortes Tomas x y Día Feliz), y luego en momentos amaina con una sentida letra y elegantes arreglos (Abejas). Este disco tiene muy buena cohesión y un alto nivel de calidad musical, y aún así se permite estribillos y riffs pegajosos (Será, Mareada). Se ve que todo en este álbum fue cuidadosamente trabajado, incluso el original arte del empaque (una ventanita recortada que deja ver los dibujos de las hojas internas, y un cenicero con colillas impreso en el disco). Y la manera de cantar de Alejandro Skol, suave pero contundente, es de la cadencia ideal para esta pluvial temporada. Ojalá tuviéramos este grupo visitando pronto nuestro país, pero mientras, lo podemos tener en nuestras colecciones musicales.

ÁSTOR PIAZZOLA
Piazzola en el Regina, 1970 (ed. 1994)

Nada más melodramático y nostálgico que un tango. Como un día lluvioso, con un coñac y un tabaco. Y nadie como Piazzola para imprimirle al tango su elegancia y su grandeza. Este maravilloso concierto, grabado en el famoso teatro Regina de Buenos Aires, es especial en muchos aspectos: por ser de los pocos conciertos suyos que contiene completas Las cuatro Estaciones Porteñas; por tener una interesante introducción hablada, del propio Piazzola; por ser una grabación difícil de conseguir. Pero no difícil de apreciar, pues lo que consigue este quinteto de virtuosos, es realmente un completo deleite musical. Son de resaltar las aclamadas piezas Invierno porteño y Verano porteño. Es prácticamente imposible no emocionarse ante esas melodías y arreglos geniales, y ante ese sentimiento plasmado en vaivenes entre calma y tempestuosidad. También quisiera subrayar Buenos Aires hora cero, y otras dos en las que el público se desbordó en aplausos: Revolucionario y Kicho. Se le extraña, maestro Piazzola, y con esta lluvia, aún más.